Wie landete Cate Blanchett im lustigsten Film des Jahres?

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Als Kinoliebhaber mit mehr als drei Jahrzehnten Filmerfahrung muss ich sagen, dass das Anschauen von Guy Maddins Werken wie das Eintauchen in einen reichen, unerforschten Ozean filmischer Brillanz ist. Seine Filme sind nicht nur Filme; Es sind Sinneserlebnisse, die die Grenzen zwischen Theater und Kino, Realität und Fantasie sowie Vergangenheit und Gegenwart verwischen.

Cate Blanchett, weltweit bekannt für ihre außergewöhnlichen schauspielerischen Fähigkeiten und Blockbuster-Rollen, schreckt nicht vor unkonventionellen und avantgardistischen Projekten zurück. Ihre jüngste Rolle in dem Film „Rumours“, bei dem der legendäre kanadische Filmemacher Guy Maddin und seine häufigen Mitarbeiter Galen und Evan Johnson Regie führten, ist eine ihrer bisher ungewöhnlichsten und amüsantesten Produktionen. Dieser Film, eine stilisierte und selbstbewusste Satire, spielt während eines G7-Gipfels, der vom deutschen Premierminister (dargestellt von Blanchett) ausgerichtet wird; Chaos entsteht, wenn diese Anführer fortgeschrittener Volkswirtschaften sich in einem primitiven Wald verirren und auf onanistische Sumpfmenschen, skandinavische Hexen, ein riesiges leuchtendes Gehirn und ihr eigenes persönliches Bedauern treffen. Trotz seines wilden Humors entwickelt sich der Film zu etwas Tiefgründigerem: einer ergreifenden Darstellung des Kampfes politischer Führer um die Bewältigung globaler existenzieller Krisen. Obwohl „Rumours“ zu Maddins Mainstream-Werken gehört, bleibt es im zeitgenössischen Kino einzigartig. Blanchett bewunderte den Regisseur schon lange und wollte unbedingt mit ihm und den Johnsons zusammenarbeiten. Sie bezeichnet sie als eine Art Amöbe und bekundet ihre Bereitschaft, sofort wieder mit ihnen zu arbeiten.

Wie um alles in der Welt kam ich dazu, mit Guy Maddin bei der Produktion eines Films zusammenzuarbeiten? Nun, ich war schon immer ein großer Bewunderer seiner Arbeit. Eines Tages diskutierte ich verschiedene Themen mit Ari Aster und er erwähnte, dass Guy, Evan und Galen ein Drehbuch hätten, von dem sie dachten, dass es mir gefallen könnte. Da ich „The Green Fog“ gesehen hatte und der Meinung war, dass sich jeder Filmstudent den Film ansehen sollte, stimmte ich zu, das Drehbuch zu lesen. Zu meiner Freude fand ich es faszinierend. Ihre unkonventionelle Herangehensweise an Themen hat mich beeindruckt – sie weichen oft in die entgegengesetzte Richtung aus, wenn man von ihnen erwartet, dass sie etwas Ernstes angehen, was ich erfrischend fand. Ich fand, dass ihre einzigartige Sicht auf globale Ängste und das Scheitern von Führung eine faszinierende Möglichkeit darstellt, solch drängende Probleme anzugehen.

Viele unkonventionelle Komödien neigen dazu, komödiantischen Schwung zu gewinnen, um dann irgendwann an Schwung zu verlieren. Auch wenn die Ideen urkomisch sein mögen, fällt es ihnen oft schwer, die Energie aufrechtzuerhalten oder über ihr ursprüngliches Niveau hinaus zu eskalieren. Bei „Rumours“ fand ich, dass es nie nachließ – es wurde im Laufe der Zeit immer lustiger und existenziell beunruhigender. Dieser Film vereint Elemente eines Monsterfilms, einer mexikanischen Seifenoper und den Stil von Douglas Sirk. Wir haben oft Parallelen zu Luis Buñuels „Engel der Vernichtung“ gezogen, was ihn auch zu einem Fiebertraum macht. Die einzigartige Herausforderung bei der Beschreibung dieses Films macht ihn außergewöhnlich. Die Leute sind bestrebt, Dinge zu kategorisieren, aber dieser Film entzieht sich einer einfachen Klassifizierung. Guy war im Rahmen seiner umfangreichen und vielfältigen Karriere stets vom Prozess des Filmemachens fasziniert. Dadurch sticht dieser Film als etwas ganz Besonderes hervor. Wenn man sie nach der Bedeutung fragt, ist es fast so, als wären solche Fragen für sie tabu. Die innere Logik ihrer Filme ist vorhanden, doch sie widersetzen sich auch der Logik, was sie gleichzeitig absurd und tiefgründig macht.

Die masturbierenden Sumpfmänner zum Beispiel. 
Es ist ein guter Name für eine Punkband. Die masturbierenden Sumpfmänner.

Die Metapher kann auf verschiedene Arten interpretiert werden. Einerseits stellt es greifbare, sofortige und rohe Kräfte dar, die die Oberflächlichkeit der von den G7-Staats- und Regierungschefs ergriffenen Maßnahmen offenbaren …

Gleichzeitig scheinen sie nur untätig zu sein oder die Bewegungen zu erledigen, während die Politiker ihre Reden halten.

Ich finde es faszinierend, wie vielseitig dieses Symbol sein kann und sich in mehrere Richtungen bewegen kann. Es bietet eine reichhaltige Leinwand für den Film und bietet zahlreiche kreative Möglichkeiten, die es zu erkunden gilt.

Könnten wir stattdessen sagen: „Es scheint unwahrscheinlich, dass sich die Filmemacher eingehend mit einem solchen Thema befassen würden, wenn man bedenkt, dass sie dazu neigen, es zu meiden, sobald es zu einem übergreifenden Thema wird?“

Wenn Sie so wollen, verfügen Sie über ein ungewöhnliches Sprachmuster, das etwas komisch ist.

Wie würden Sie den Unterschied zwischen einem Akzent in komödiantischen Rollen und einem Akzent in dramatischen Rollen beschreiben? Ich bin gespannt auf Ihre Meinung zu diesem Thema. Es scheint, dass sich diese Nuancen im Laufe der Zeit entwickelt haben, mit Ausnahme von Charles Dance, der andere Charaktere als seine Heimatnationalität spielte.

Im Film porträtiert er den US-Präsidenten, doch sein britischer Akzent sorgt für einen unerwarteten Humor, da er nicht zur Figur passt. Dies liegt daran, dass einer der Filmemacher jemanden aus seiner Kindheit kannte, der einige Zeit in England verbrachte und mit britischem Akzent zurückkam. Diese persönlichen Hinweise sind für sie von Bedeutung, bedürfen aber keiner Erklärung oder Rechtfertigung für die Zuschauer, weshalb sie beschlossen haben, sie nicht in den Film aufzunehmen.

In Ihrer Situation haben Sie in diesen Filmen viel Raum für Kreativität, da sie eine logische Grundlage schaffen, die Sie dann aber außer Acht lassen. Es ist entscheidend, die perfekte Balance zwischen Verankerung und Zerstörung dieser Realität zu finden. Hoffentlich können Sie dies effektiv tun.

Sie fragen sich, ob es beim Filmemachen viel Spontaneität gibt oder ob man sie beflügelt? Trotz des Eindrucks frei fließender Kreativität scheint das Team recht methodisch vorzugehen. Ich war verblüfft, als Evan, Galen und Guy eine Tischlektüre vorschlugen. Obwohl wir aufgrund des engen Zeitplans und der Nachtaufnahmen, mit denen ich nicht ganz gerechnet hatte, ein paar Tage Zeit hatten, um die Details zu klären, hatte ich erwartet, dass wir in Guys Garage in Winnipeg drehen würden. Trotz der Lässigkeit ihrer Filme sind sie beim Drehbuchschreiben recht detailorientiert. Sie waren sich darüber im Klaren, was sie auf dem Bildschirm kommunizieren und visualisieren wollten.

Im Gegensatz zu typischen Szenarien, in denen die Charaktere Hintergrundgeschichten benötigen, scheint dies in dieser Produktion für eine eigenartige Komödie wie unsere weniger notwendig zu sein. Dies ähnelt der Art und Weise, wie man für einen Film wie „The Exterminating Angel“ keine Hintergrundgeschichte erstellen würde, in der sich die Charaktere schnell in ihrem ursprünglichen Selbst oder ihrer Rolle als Weltführer verlieren. Sie können diese Unbeholfenheit in Aufnahmen von G7-Gipfeln beobachten, bei denen diese Personen so realitätsfern zu sein scheinen, dass sie scheinbar an einer unbeabsichtigten Parodie teilnehmen. Sie durchlaufen verschiedene kulturelle Momente, und wenn sie sprechen, kann man sehen, dass ihnen eine nicht konfrontative Gestensprache beigebracht wurde. Das Ganze hat etwas von Puppenspiel. In unserem Film werden die Charaktere dazu gebracht, in ihre menschliche Form zurückzukehren und Angst zu bekommen. Interessanterweise spielten die Filmemacher absichtlich mit kulturellen Stereotypen, aber selbst dann waren sie völlig unzusammenhängend. Vieles davon musste während der Improvisationen der Schauspieler am Set entdeckt werden.

Konnten Sie sie finden? Ehrlich gesagt ist es ungewiss, ob ich derjenige war, der sie gefunden hat. Es kann ziemlich schwierig sein, sie zu fassen. Die Erfahrung war jedoch fantastisch! Es fühlte sich, wenn ich das so sagen darf, wie eine ausgedehnte Pyjamaparty über sechs Wochen an. Wir übernachteten alle in einem kleinen, provisorischen Zelt ohne Wohnwagen oder andere Einrichtungen. Die Stille war golden, als wir zusammen saßen. Dann würde jemand fragen: „Hat jemand Lust auf einen Nussriegel? Kann ich mir einen Kaffee kochen?“ und Rolando brachte Snacks und Erfrischungen heraus.

In gewisser Weise erinnert die Zusammenarbeit mit mehreren Regisseuren an das alte Studiosystem, bei dem Künstler oft mit demselben Produzenten zusammenarbeiteten. Dieses Setup bietet Unterstützung, Anregung und Grenzen, die trotz begrenzter Ressourcen die Kreativität fördern können – wie Guys Arbeit zeigt. Anfangs war mir nicht bewusst, dass es sich um drei Direktoren handelte; Ich dachte, es sei ausschließlich Guys Projekt. Allerdings bin ich ihren gemeinsamen Bemühungen unglaublich dankbar, da das Endprodukt wirklich die kreativen Köpfe aller drei Personen verkörpert. Wenn Leute dies als Guy-Maddin-Film bezeichnen, sollten sie bedenken, dass es sich weitgehend um ein Gemeinschaftswerk des Trios handelt.

Zuerst fragte ich mich: „Wie wird sich das überhaupt entwickeln? An wen soll ich mich wenden?“ Es stellte sich jedoch heraus, dass ich Guy umfassende, konzeptionelle Fragen stellte, der oft antwortete: „Was? Lass mich nachdenken …“, bevor er schließlich eine aufschlussreiche Antwort zu dem Thema lieferte, die praktisch angewendet werden konnte. Nun, wir haben hier kein Epos wie das Mahabharata geschaffen, verstehen Sie? Evan war unglaublich praktisch und unkompliziert, während Galen als eine Art technischer Mastermind hinter den Kulissen fungierte. Die Art und Weise, wie sie zusammenarbeiteten, war reibungslos und beeindruckend. Direktoren stehen oft unter großem Druck und es ist nicht immer einfach, gleichzeitig präsent und vorausschauend zu sein. Ich bin gespannt, was diese drei in Zukunft gemeinsam machen werden. Ich würde gerne sofort wieder mit ihnen zusammenarbeiten.

Sie scheinen wie ein kollektives Gehirn zu sein.
Sie sind eine Amöbe.

Menschen, die mit internationaler Diplomatie vertraut sind, werden einige Nuancen in der Komödie zu schätzen wissen, wenn man bedenkt, dass sich die Witze um Dokumente, Protokolle und dergleichen drehen. Allerdings könnte man sich fragen, ob bei denjenigen, die beispielsweise nicht wissen, wofür die G7 steht, ein gewisser Humor verloren gehen könnte. Aber dieser Film scheint universeller zugänglich zu sein als Guys frühere Werke. Obwohl der Humor in Archetypen verwurzelt ist und ein universelles menschliches Problem thematisiert – das Paradoxon, über Probleme zu sprechen, anstatt entsprechend zu handeln –, hat er eine bleibende Qualität.

Bei der kollektiven Kraft ihrer gemeinsamen Bemühungen, dem Trio, geht es nicht nur darum, dass ein Film bei seiner Erstveröffentlichung erfolgreich ist. Ich habe Guys Filme nicht gleich bei ihrer Produktion entdeckt, sondern bin erst später darauf gestoßen. Ich habe mir „My Winnipeg“ mehrere Jahre nach der Veröffentlichung angeschaut und bin dann sein Werk noch einmal durchgegangen. Damals wurde mir klar, welchen tiefgreifenden Einfluss er auf die Herangehensweise der Filmemacher an Erzählung und filmische Textur hatte. Was ich an der Zusammenarbeit mit ihm am meisten schätzte, war das Zusammenspiel von Theater- und Kinoerlebnissen, das Guy häufig erkundete. Daher glaube ich, dass die Menschen es irgendwann entdecken werden, sei es in diesem Jahr, in fünf Jahren oder sogar in 15 Jahren.

Haben Sie Guy Maddins Filme schon vor „Winnipeg“ gesehen? Ich kann mich nicht mehr genau erinnern, aber ich glaube, ich habe seine Zusammenarbeit mit Isabella Rossellini mit dem Titel „Die traurigste Musik der Welt“ gesehen. Es war atemberaubend. Ich kannte das Lied „The Final Derriere“, das Sparks für sie gesungen hatte. Maddins Geschmäcker sind unglaublich vielfältig – in Filmen und Musik. Er verfügt über eine einzigartige Mischung aus Selbstvertrauen, Gewissheit und tiefsitzender Unsicherheit. Seine Arbeit ist von fieberhafter Intensität geprägt, dennoch strahlt er eine Offenheit und echte Fürsorge aus. Es ist also möglich, dass „Winnipeg“ nicht Ihr erster Maddin-Film war.

Hatten Sie jemals das Gefühl, dass es in Ihrer Karriere einen Film gab, der nicht die Anerkennung erhielt, die er verdiente? Ehrlich gesagt vergesse ich meine vergangenen Projekte oft kurz nachdem sie fertig sind. Obwohl der Produktionsprozess großen Spaß macht, kommt das Endprodukt manchmal beim Publikum nicht an. Es gibt definitiv ein paar Filme, die ich gerne aus meiner Filmografie streichen würde. Heutzutage ist es aufgrund der schieren Menge an produzierten Inhalten schwierig, in all dem Lärm qualitativ hochwertige Arbeit zu finden. Es scheint, als ob wir uns in einem ständigen Kreislauf des Medienkonsums befinden und nur wenig Zeit für Erfahrungen haben, die Wirkung zeigen, bevor wir uns auf etwas Neues einlassen. Das ähnelt dem Konzept von „La Grande Bouffe“, bei dem man wahllos konsumiert, ohne wirklich etwas zu genießen. Mein Bauchgefühl ist, weniger zu produzieren, einen Schritt zurückzutreten und auf die Bühne zurückzukehren.

Es gibt bestimmte Auftritte, die ich auf der Bühne gegeben habe, von denen ich mir gewünscht hätte, dass mehr Menschen sie gesehen hätten. Es waren flüchtige Momente, wie unsere Inszenierung von „A Streetcar Named Desire“ mit Liv Ullmann oder „Gross und Klein“ unter der Regie von Benedict Andrews. Ein weiteres bemerkenswertes Stück war „The Secret River“, das es schließlich ins Nationaltheater schaffte, und natürlich „Onkel Wanja“. Ich denke oft mehr über diese Aufführungen nach, weil sie so vergänglich waren, aber das ist es, was das Theater so besonders macht – man muss im Augenblick da sein und die Erinnerung bleibt bestehen.

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2024-10-18 17:54