„Waiting For Godot“-Rezension: Becketts „Laurel and Hardy“ erweckt den düsteren Godot zum Leben

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Warten auf Godot (Theater Royal Haymarket, London)

Als erfahrener Opernbesucher mit einer Vorliebe für die Erhabenheit und Feinheiten dieser zeitlosen Aufführungen muss ich zugeben, dass ich von der Inszenierung von Eugen Onegin an der Royal Opera ziemlich verwirrt war. Die Bühne ohne Bühnenbild und voller Besonderheiten schien von Putins Antiquitätenhändlern geplündert worden zu sein.

Urteil: Erlesene Folter

Jede Nacht schlägt die Uhr Mitternacht und die Zeit rückt unweigerlich vorwärts. Trotz meiner langen Karriere als Kritiker bin ich der Produktion von Waiting For Godot geschickt ausgewichen. Obwohl ich dieses Stück in der Schule gelesen habe, blieb Samuel Becketts tiefgründige Auseinandersetzung mit existenziellen Ängsten von mir bis jetzt unberührt und ließ mich unberührt zurück wie eine unverdorbene Jungfrau.

Als treuer Bewunderer habe ich lange gezögert, diesem Werk der Sinnlosigkeit noch einmal zu begegnen, weil ich dachte, ich hätte sein Wesen bereits begriffen. Die unzähligen Auszeichnungen, die es erhalten hatte, gaben mir das Gefühl, es schon einmal miterlebt zu haben. Da das Beckett-Anwesen jedoch streng kontrolliert wird und die Bühnenanweisungen akribisch befolgt werden müssen, habe ich kaum eine Veränderung gegenüber früheren Produktionen erwartet.

Das Arrangement zweier Männer, die vergeblich auf das Erscheinen eines mythischen Retters namens Godot warten, ist weithin anerkannt. Wie der bekannte Theaterkritiker des 20. Jahrhunderts, Kenneth Tynan, feststellte, macht ein einfacher Blick auf die Besetzungsliste das Ende klar: Godot taucht nie auf. Es besteht jedoch kein wirklicher Grund für einen Spoiler-Alarm, da dies die Essenz des Stücks ist. Das Gefühl ist in der düsteren Zeile zusammengefasst: „Wir werden rittlings im Grab geboren, für einen Moment schimmert das Tageslicht, dann ist es wieder Nacht.“ Um das Stück zu verstehen, geht es nicht nur darum, seinen Inhalt zu verstehen; es geht darum, seine Melancholie zu erleben.

Es ist schöner, ein Stück live aufgeführt zu sehen, als es nach einem Drehbuch zu lesen. Es zu lesen kann sich wie eine trostlose Blaupause zum Aufgeben anfühlen. Aber auf der Bühne verwandelt es sich in ein fast fröhliches Comedy-Duo, das an Laurel und Hardy erinnert, gelegentlich unterbrochen von einer extravaganten Figur namens Pozzo (gespielt von Jonathan Slinger), die einem Großknappen ähnelt, und seinem Begleiter Lucky (gespielt von Tom Edden). , der als menschliches Lasttier dargestellt wird.

Als Godot nicht erscheint, wird der Abend zu einem Wartespiel, und diese beiden – Msamati und Whishaw – sind hervorragende Zeitvertreibe. Whishaw porträtiert den dünneren, ängstlicheren Charakter, der an Stan Laurel erinnert. Er ist voller Zuckungen und hat eine zarte, wehmütige Seite. Msamati hingegen übernimmt die Rolle der älteren, schwereren, an Oliver Hardy erinnernden Figur, die unter schmerzenden Füßen leidet. Er ist trauriger, zynischer und neigt zur Reizbarkeit.

Slinger hingegen stellt mit seiner arroganten Darstellung des snobistischen Gutsbesitzers mit Homburg-Hut fast alle in den Schatten. Er sehnt sich nach Bestätigung und Bewunderung und schürt Eifersucht und Ekel unter den Vagabunden, indem er aus einer Weinflasche trinkt und an einer Hähnchenkeule knabbert. Unterdessen stiehlt Eddens Charakter Lucky mit seinem sabbernden, untoten Auftritt, der in eine bizarre Predigt voller religiösem Jargon mündet, die Aufmerksamkeit auf sich.

James Macdonald hat den Text gründlich nach Humor oder Beruhigung durchsucht, und auch wenn ich keine Vergleichsbasis habe, gehe ich davon aus, dass dies das Beste ist, was es nur geben kann. Die unerbittlichen zwei Stunden und vierzig Minuten durchzuhalten war eine Herausforderung, vielleicht war das auch die Absicht. Aber für mich hat mein Warten endlich ein Ende. Immerhin habe ich an dem geplanten Treffen mit Godot teilgenommen.

Bis 14. Dezember.

 

Marilyn gibt der komplexen US-Politik Auftrieb

Hier in Amerika (Orange Tree Theatre, London)

Urteil: Stars and Strikes

Arthur Miller, ein renommierter amerikanischer Dramatiker, traf die feste Entscheidung, nie wieder mit Elia Kazan, einem angesehenen Regisseur, zusammenzuarbeiten, nachdem Kazan 1952 vor dem Komitee für unamerikanische Umtriebe des Repräsentantenhauses Mitarbeiter als Kommunisten benannt hatte. David Edgars zum Nachdenken anregendes Stück geht näher darauf ein in die Gründe für Kazans Vorgehen und in die faszinierende Tatsache, dass Miller, der 1956 ebenfalls vom Komitee vorgeladen wurde, sich schließlich entschied, erneut mit Kazan bei der Produktion von After The Fall zusammenzuarbeiten.

Im Wesentlichen geht es um Idealismus versus Praktikabilität, ein gemeinsames Thema in Edgars berühmten politischen Stücken. Diese intensiven Debatten werden jedoch durch den emotionalen Beitrag von Kazans erster Frau, Molly Day Thacher, und Millers zweiter Frau, Marilyn Monroe, nachvollziehbarer und weniger schwer. Ohne ihren Einfluss könnten die Diskussionen der Männer den langwierigen Sitzungen eines Ausschusses ähneln.

In James Dacres ausgewogener Inszenierung stellt Shaun Evans Kazan als moralischen Irritanten dar, der seine Taten, Freunde zu verraten, verteidigt, weil sie dafür fällig waren, er nur Arbeit suchte und sie sich ähnlich verhalten hätten. Michael Aloni hingegen spielt Miller mit ethischer Strenge und befindet sich in einer weniger schlimmen Lage, da er (im Gegensatz zu Kazan) nie Mitglied der Kommunistischen Partei war.

Faye Castelow verkörpert Molly, die die Männer drängt, direkt zur Sache zu kommen, während Jasmine Blackborows Figur Marilyn fest davon überzeugt ist, dass Miller an seiner Haltung festhält, Namen nicht preiszugeben (wofür er eine einjährige Bewährungsstrafe erhielt). Der Grund für diese erneute Fokussierung könnte darin liegen, dass Amerika erneut in sich selbst gespalten ist.

Bis 19. Oktober.

 

Dieser römische Krieger könnte es vertragen, die Beherrschung zu verlieren

Coriolanus (National Theatre, London)

Einfacher ausgedrückt kann Coriolanus, eine Figur aus Shakespeares Stück, mit dem harten und temperamentvollen Fußballspieler Roy Keane aus der Antike verglichen werden. Er war ein römischer Krieger, der enorme Macht an den Tag legte und wie ein Himmelskörper schnell Städte eroberte. Darüber hinaus wird Coriolanus, ähnlich wie der frühere Kapitän von Manchester United, oft als Künstler in der Hitze des Gefechts dargestellt, der zu explosiver Wut neigt. Im Gegensatz zu Keane ist die Figur, die David Oyelowo in verschiedenen Adaptionen spielt, jedoch höflicher und spiegelt seine Rolle als friedlicher Martin Luther King Jr. im Film Selma aus dem Jahr 2014 wider.

Bitten Sie ihn, überzeugend für die Ernennung zum Konsul durch die Römer zu plädieren, da er hier anwesend ist, und der normalerweise temperamentvolle General könnte in einen überwältigenden Ausbruch ausbrechen. Er scheint schneller unruhig zu werden als eine Uhr. Allerdings verwandelt Lyndsey Turners bemerkenswerte Produktion seine Erzählung in eine unheilvolle Ähnlichkeit mit dystopischen Science-Fiction-Filmen wie „Die Tribute von Panem“. Mit einer an Kino erinnernden Hintergrundmusik werden die tiefgreifenden Diskussionen des Stücks über politischen Populismus selten hervorgehoben.

Anstatt dass Es Devlins Bühne in den Schatten gestellt wird, ist es der neofaschistische Brutalismus, der kraftvoll hervorsticht. Das Stück spielt hauptsächlich in einem musealen Umfeld, umgeben von Säulen, Büsten und der ikonischen Statue von Romulus und Remus, die eine Wölfin stillen. Dieser historische Kontext dient als lebendige Kulisse für Charaktere wie Demonstranten, die ihn verunstalten (in einer subtilen Anspielung auf Just Stop Oil) und so die Vergangenheit nicht nur zur Geschichte, sondern auch zur Gegenwart machen, in der sie leben.

In einer Art und Weise, die an ein Fotoshooting erinnert, stellten die Schauspieler die Möbel häufig neu auf, was eine Figur wie Coriolanus hätte aufregen können. Allerdings ist Oyelowos Darstellung des Kriegsherrn ruhig und gelassen. Er spielt eher wie ein leicht gereizter Raheem Sterling als wie ein wilder Mittelfeldspieler mit explosivem Temperament. Es gibt keinen Grund zur Besorgnis.

Bis 9. November.

 

A Face In The Crowd (Young Vic, London)

Urteil: Volltreffer

Als glühender Bewunderer muss ich sagen, dass die neueste musikalische Kreation von Elvis Costello mit dem Titel „A Face In The Crowd“ einfach außergewöhnlich ist! Der Rhythmus und die Texte dieser Produktion sind einfach herausragend. Allerdings fällt mir eine weniger eindringliche Darstellung der amerikanischen Politik auf, was angesichts des Themas eine leichte Enttäuschung darstellt.

Als Marcias Fernsehsendung einen deutlichen Anstieg der Einschaltquoten verzeichnet, erhält Larry die Gelegenheit, seine eigene Sendung zu moderieren. In dieser neuen Rolle wird Larry übermäßig aggressiv und wird ausgewählt, um einen schüchternen republikanischen Kandidaten während seines Präsidentschaftswahlkampfs zu unterstützen. Dieses Szenario weckt Erinnerungen an kontroverse Persönlichkeiten wie Steve Bannon, der Donald Trump unterstützt.

Costellos abwechslungsreiche Musikkomposition ist voller kraftvoller Rock-Tracks und der Titelsong fungiert als leidenschaftliche, von Gospel durchdrungene Hymne. Es gibt auch süße Country- und Western-Melodien, die an selbstgemachten Apfelkuchen erinnern. Costello stellt sein Talent als Jingle-Autor in einer humorvollen Werbung für Vitajax, eine Aufmunterungspille, unter Beweis. Später präsentiert er einen lebhaften Hoedown, der den Verzehr von rotem Fleisch, Blut und scharfer Soße feiert.

Mit anderen Worten: Ramin Karimloo, der als Mr. Rhodes der Show Leben und Geist verleiht, spielt energisch und singt kraftvoll und lässt selbst bittere Politik süß wie Zuckerwatte klingen. Dies allein erzeugt jedoch nicht viel Chemie mit der eher förmlichen Marcia von Anoushka Lucas, deren Stimme schwach ist und auf traurige Weise an Norah Jones erinnert.

Kwame Kwei-Armah hat für seine letzte Show im Young Vic eine wirkungsvolle Gruppe zusammengestellt, doch die Darsteller scheinen sich in weiten Bereichen zu verlieren, die an Anna Fleischles Vintage-Bühnenbild aus den 1950er Jahren erinnern. Der musikalische Aspekt ist zweieinhalb Stunden lang unterhaltsam, aber komödiantisch verfehlt er die beabsichtigte Wirkung – er trifft nicht ganz die beabsichtigte Wirkung.

 

Asi Wind, unglaublich menschlich (Underbelly Soho)

Urteil: Wahre Geständnisse eines Betrügers

Rezensiert von Georgina Brown für die Daily Mail

Haben Sie gehört, dass die möglichen Lösungen für einen Zauberwürfel insgesamt 43 Trillionen betragen, was ausreicht, um sich über 730 Mal von der Erde bis zum Pluto zu erstrecken? In seiner jüngsten erstaunlichen Leistung schafft es der Illusionist Asi Wind, nicht nur einen, sondern gleich zwei Zauberwürfel gleichzeitig zu lösen, und das mit geschlossenen Augen! Das Spektakel scheint magisch, aber es ist alles echtes Können; eine faszinierende Demonstration von Winds geistigem Scharfsinn, seinem außergewöhnlichen Gedächtnis und seiner Geschicklichkeit in beiden Händen. Das Geheimnis liegt in einem Algorithmus.

Was ist sein Hauptargument? Wind stellt das Konzept der Magie in Frage, indem er es auf den Kopf stellt. Ohne Umschweife erklärt er: „Ich werde Sie häufig täuschen“ und enthüllt als Beweis sein Kartenspiel. Ein Funkeln in seinen Augen lässt darauf schließen, dass er als außergewöhnlicher Lügner bekannt ist. Tatsächlich lügt niemand so gut wie Wind.

In seiner entspannten schwarzen Kleidung wirkt er eher wie ein Mathematiklehrer als wie ein Performer. Bei ihm geht es mehr um Taten als um Worte, und seine Gespräche sind unkompliziert. Und doch scheint er erstaunliche 80 Minuten lang voller Staunen und Schock Gedanken zu lesen, ein Kartenspiel meisterhaft zu manipulieren, versteckte Lieder aus einer geheimen Playlist abzuspielen, eine Seite aus „Animal Farm“ herauszureißen, sie zu verbrennen und sie dann auf wundersame Weise wieder anzubringen – alles ohne Anzeichen von Anstrengung zu zeigen.

Eine kreative Methode, die er anwendet, besteht darin, ein kleines Stück Ton subtil zu formen. Plötzlich materialisiert sich dank geschickter Verwendung von Schatten die deutliche Silhouette einer Person, deren Name auf der Postkarte eines Zuschauers stand, auf einer Projektionsfläche.

Stattdessen malt er abstrakte Figuren mit fluoreszierender Farbe auf vier einzelne Leinwände. Zusammengefügt ergeben sie ein Porträt einer anderen Berühmtheit, das von einem Zuschauer ausgewählt wird. Unter ultraviolettem Licht wird das lebhafte Abbild von „X“ sichtbar.

Mein Kind gehörte zu denen, die gebeten wurden, mit einem Ballon die Bühne zu betreten. Einer von ihnen, der ihr gehörte, schien ein Eigenleben zu führen.

Er behauptet, alles sei wahr, aber Taten sagen mehr als Worte. Wind scheint ein erfahrener Betrüger zu sein, ein Meister der Täuschung.

 

Eugen Onegin (Königliche Oper)

Urteil: Keine Sets, keine Ideen außer dummen, gut gesungen

Oper von Tully Potter für die Daily Mail 

Die Bühne wirkt fast leer, und die Kleidung wirkt seltsam unpassend, was darauf hindeutet, dass möglicherweise jemand, der mit Putin in Verbindung steht, die Requisiten und historischen Kostüme gestohlen oder manipuliert hat. Es ist, als hätte sich dieses aufdringliche Individuum überall eingeschlichen. In Secondhand-Läden, die mit Hospizen verbunden sind, finden Sie jedoch schöne, schonend getragene Kleidungsstücke.

Es ist wahrscheinlich, dass der Regisseur von Menschenhändlern entführt und nach Ruanda transportiert wurde. Aber ist es nicht wunderbar, dass es den Schauspielern und Sängern gelungen ist, in dieser unerwarteten Situation zu improvisieren? Es erinnert an den Einfallsreichtum des Zweiten Weltkriegs …

Leider muss ich sagen, dass ich bei der Lektüre des Librettos, das auf Puschkins Versroman basiert, gewisse Details übersehen habe. Infolgedessen ereignen sich einige recht seltsame Vorfälle. Darüber hinaus scheint es einen spürbaren Mangel an Leibeigenen zu geben, die Aufgaben wie das Holen und Tragen verrichten, was im Russland des frühen 19. Jahrhunderts häufig vorkam.

Madame Larina und Schwester Dasha (Filipyevna) bringen zu Beginn ihre eigenen Sitze mit, was mich zunehmend beunruhigt über diese Stühle (da es drei zu sein schien, könnten wir genauso gut „Drei Sitze für Tschaikowsky!“ singen). Später nutzt Olga diese Stühle, um Tatjanas Brief an Onegin herauszuholen – da sie wesentliche Teile davon auslässt, muss er über eine außergewöhnliche Fähigkeit verfügen, die fehlenden Teile zu interpretieren.

Ein Stuhl verschwindet bald. Der andere taucht an den unwahrscheinlichsten Orten auf, sogar in der Duellszene, und dient Olga dazu, mit Onegin (er ist die Figur von Mr. Darcy) sehr unanständige Dinge zu tun, die weder in Puschkin noch im Libretto vorkommen.

Als treuer Bewunderer fand ich mich in der Rolle des Lensky wieder, der auf tragische Weise an Mr. Bingley erinnert. In einer unerwarteten Wendung der Ereignisse entschied ich mich dafür, mir das Leben zu nehmen, anstatt von Onegin erschossen zu werden. Ich gehe davon aus, dass dem Ensemble klar war, dass uns keine rechtlichen Konsequenzen entstehen könnten, wenn die Waffe geladen worden wäre, ähnlich wie bei dem unglücklichen Vorfall mit Alec Baldwin am Set des Westerns.

Es ist ziemlich bemerkenswert, wie sich diejenigen, die in Szene 1 auf den Feldern arbeiteten, in nur sechs Jahren auf einem großen Ball in St. Petersburg wiederfanden und immer noch ihre Kleidung aus dem Wohltätigkeitsladen von früher trugen. Der Tanz erinnert vielleicht eher an Theresa May als an das Mariinsky-Theater, aber es ist wichtig zu bedenken, dass sich die Umstände im Laufe der Zeit dramatisch ändern können.

Es scheint, dass der Gesang ziemlich beeindruckend ist. Der armenische Tenor Liparit Avetisyan liefert eine berührende Darstellung als Lensky, während Kristina Mkhitaryan, eine Russin, aber armenischer Abstammung, Tatjana wunderschön darstellt. Avery Amereau aus Amerika übernimmt überzeugend die Rolle der Olga und Gordon Bintner aus Kanada sorgt für einen hervorragenden Ton für Onegin. Brindley Sherratt, der seinen Urlaub vorübergehend unterbrach, um für einen vom Fluch Putins betroffenen russischen Künstler einzuspringen, liefert eine authentische Darstellung des Gremin. Insgesamt werden alle Rollen gut gespielt.

Es ist in erster Linie dem Dirigenten Henrik Nanasi zu verdanken, dass das Publikum das Ganze so angenehm findet, da er es schafft, herausragende Orchesterdarbietungen und Chorgesang hervorzurufen. Wenn Ted Huffman und Hyemi Shin, die als Regisseur bzw. Bühnenbildner fungieren, ihre Einnahmen einem wohltätigen Zweck spenden möchten, schlage ich eine Spende an die Distressed Poseurs‘ Foundation vor.

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2024-09-27 02:37