Ron Howard hat endlich den Verstand verloren

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Als erfahrener Filmkritiker mit über drei Jahrzehnten Erfahrung kann ich getrost sagen, dass Ron Howard sich mit „Eden“ endlich selbst übertroffen hat. Dieser Film ist nicht nur ein Meisterwerk, sondern ein Zeugnis der dunkelsten Ecken der menschlichen Natur und unserer Urinstinkte.

Ron Howards Ruf als erfahrener Hollywood-Regisseur, der dafür bekannt ist, ausgefeilte, hochwertige Filme zu schaffen, verschleierte oft seine wahren Talente – sein Talent, überlebensgroße Charaktere zusammenzubringen und eine faszinierende Dynamik zwischen ihnen zu erzeugen. Dies zeigt sich in vielen seiner Filme wie „The Missing“, „The Dilemma“, „Frost/Nixon“, „Night Shift“, auch solche, die auf Dan Browns Romanen basieren. In Wahrheit funktionieren einige dieser Filme eher wie Buddy-Filme, auch wenn dies nicht immer offensichtlich ist. Dieser Ansatz spiegelt sich auch in seinen Adaptionen wahrer Geschichten wider, darunter „Apollo 13“, „Cinderella Man“, „Thirteen Lives“ und sogar „Hillbilly Elegy“. Die Realität oder deren Illusion dienten als Hintergrund für seine Faszination für außergewöhnliche Individuen. Ebenso lieferte sein raffinierter, ausgefeilter Filmstil eine stabile Grundlage – er konstruierte solide, ausgewogene Erzählungen rund um Charaktere, die die Geschichten leicht in wilde Richtungen hätten lenken können. Er nutzte diese Technik auch in „Eden“, doch dieses Mal lässt er das Chaos regieren. Der Film zeigt eine einsame Insel auf den Galapagosinseln und fünf widerspenstige Individuen, die jeweils von einem Schauspieler dargestellt werden, der sein Bestes gibt. Doch in einem bemerkenswerten Schachzug lässt Howard den Wahnsinn in diesem Film in den Mittelpunkt rücken.

Die faszinierende Handlung ist in der Tat von realen Ereignissen inspiriert, wie aus den realen Aufnahmen einiger Charaktere im Abspann hervorgeht. Doch anstatt Erstaunen oder Bewunderung hervorzurufen, lassen diese Szenen den Betrachter oft verwirrt zurück und fragen sich, wie es zu solchen Ereignissen kommen konnte. Im Jahr 1929, inmitten globaler wirtschaftlicher und politischer Unruhen, flohen Dr. Friedrich Ritter (Jude Law) und seine Frau Dore Strauch (Vanessa Kirby) auf die abgelegene Insel Floreana auf den Galapagosinseln. Seine Absicht war es, eine revolutionäre Philosophie zu entwickeln, die auf die Rettung der Menschheit abzielte, während sie Trost für ihre Multiple Sklerose suchte. Trotz ihrer Ablehnung der konventionellen Gesellschaft waren sie der Eigenwerbung nicht abgeneigt. Sie korrespondierten mit Menschen im Ausland und deutsche Zeitungen veröffentlichten Aufsehen erregende Artikel über Ritters gewagtes Experiment. Die Geschichte spielt sich im Jahr 1932 ab, als Heinz Wittmer (Daniel Bruhl), seine Frau Margret (Sydney Sweeney) und ihr Sohn Harry (Jonathan Tittel) auf der Suche nach dem Paradies und einem Neuanfang auf Floreana ankamen. Stattdessen fanden sie eine unwirtliche Wildnis ohne Süßwasser vor, in der Wildschweine die Ernte bedrohten und überall streunende Hunde lauerten, die bereit waren, die Schwachen anzugreifen.

Darüber hinaus entdecken sie, dass Ritter trotz seiner Bestrebungen, die Welt zu verbessern und die Menschheit zu schützen, eine tiefe Verachtung gegenüber den Menschen hegt. Auf betrügerische Weise schickt er die unschuldigen Wittmers in eine Höhle auf einem Hügel, vielleicht in der Hoffnung, dass sie dadurch vertrieben werden, oder weil er glaubt, dass die Not ihre Leiden heilen wird. Ritter ist von der Bedeutung des Leidens überzeugt. In seiner Arbeit denkt er über die Essenz des Lebens nach und legt nahe, dass es im Schmerz liegt. Er glaubt, dass wir durch Schmerz die Wahrheit ans Licht bringen und letztendlich Erlösung finden. Ironischerweise scheinen ihn die Sorgen anderer zu erregen. Als Ritter und seine Frau die anfänglichen Schwierigkeiten der Wittmers bemerken, beginnen sie ein leidenschaftliches Liebesspiel. Die Erzählung deutet auf subtile Weise an, dass Ritter nicht nur Freude am Leid anderer hat, sondern dass sich vielleicht auch der Regisseur selbst davon angezogen fühlt.

In einem scheinbar fehl am Platz befindlichen Szenario kommt Baroness Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn (Ana de Armas) mit zwei gutaussehenden Begleitern (Feliz Kammerer und Toby Wallace) auf die Insel und hegt den Wunsch, ein opulentes Hotel für die Reichen zu bauen. Tadellos gekleidet, aber dennoch mangelhaft an Erfahrung, erscheint sie als hedonistische, narzisstische und neurotische Person. Ihr Zelt steht in der Nähe der Residenz der Wittmers, so dass sie ihre häufigen Liebesaktivitäten mit ihren Gefährten hören können. Sie wiederholt häufig: „Ich verkörpere Perfektion“ und deutet damit an, dass hinter ihrem Selbstvertrauen Selbstzweifel stecken. Die wahren Details ihrer Vergangenheit bleiben ein Rätsel; Sogar ihr Akzent scheint fragwürdig. De Armas porträtiert Eloise mit elektrisierender Unvorhersehbarkeit und lässt das Publikum rätseln, ob sie Freundlichkeit oder Grausamkeit, Verführung oder Aggression zeigen wird. Diese Unsicherheit verleiht ihr einen fast unheimlichen Einfluss auf ihre Umgebung und auch auf die Zuschauer.

Auf ungewöhnliche Weise findet Howard Trost in der Unordnung und Komplexität des Lebens dieser Menschen. Eloise könnte bald eine schurkische Position einnehmen, und sie ist unbestreitbar manipulativ und leicht verrückt, dennoch regt sie den kranken Sohn der Wittmers dazu an, sich Freiheit und eine bessere Zukunft vorzustellen, was vielleicht ihre eigenen früheren Bestrebungen widerspiegelt. Ihre Verletzlichkeit verstärkt ihren Reiz und ihre Bedrohung. Auch der Rest steht auf wackeligem Boden. Im Hintergrund laufen Ritters philosophische Überlegungen ab, vorgetragen mit dröhnendem Off-Kommentar; Wir können jedoch erkennen, dass Teile davon bedeutungslos sind. Manchmal zögert Ritter, formuliert es anders und kritisiert sich dafür, dass er zu sehr nach Nietzsche klingt und versucht, etwas Neues zu artikulieren. Dieser Mann ist kein Visionär; er sucht lediglich nach Anerkennung. Trotz ihrer äußerlichen Loyalität hegt seine Frau wachsende Bedenken hinsichtlich ihres verehrten Philosophen. Kirby, die sich durch den subtilen Übergang zwischen emotionalen Extremen auszeichnet, bleibt die ganze Zeit wachsam und angespannt – wir spüren, dass sie jeden Moment in Gewalt ausbrechen könnte.

Auch Wittmer und seine Frau, die in diesem Chaos zunächst als gewöhnliche Zuschauer auftreten, erleben ihre eigenen spannenden Abenteuer. Da er ein vom Krieg gezeichneter Mann ist, suchten sie hier Zuflucht. Obwohl Margaret anfangs jung und naiv ist (von Dore zunächst fälschlicherweise als Kinderbraut bezeichnet), ist sie schwanger und im Verlauf des Films kommen ihre Urinstinkte deutlich zum Vorschein. Eine der Freuden von Eden liegt darin, diese Transformation zu beobachten. Sweeney, die Anfang des Jahres in Immaculate Qualen ertragen musste, porträtiert einmal mehr eine unschuldige Figur, die eine tief verwurzelte, fast mythische Widerstandsfähigkeit in sich entdeckt. Sie erlebt die grausigste und intensivste Szene des Films, über die man am besten erst einmal nichts sagen sollte.

Als Filmliebhaber war ich von der rauen, ungezügelten Atmosphäre von Eden völlig fasziniert. Das ständige Misstrauen zwischen den Charakteren sorgte für eine extreme Anspannung, die zu einer wilden, emotionalen Achterbahnfahrt eskalierte. Dieser Film schien tief in die dunklen Ecken der menschlichen Natur einzutauchen, unsere eigenen Urinstinkte zu wecken und zu hinterfragen, ob in jedem wirklich etwas Gutes steckt.

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2024-09-08 19:54