Ein kanadisches Coming-of-Age-Juwel ist endlich in den USA erhältlich.

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Da ich selbst ein Filmliebhaber und aufstrebender Regisseur bin, finde ich die Reise junger kanadischer Talente wie Chandler Levack wirklich inspirierend. Seine Fähigkeit, ein solch persönliches Stück zu schaffen, das tief in seinen eigenen Erfahrungen verwurzelt ist und es dennoch schafft, ein Publikum weit über die Grenzen Kanadas hinaus anzusprechen, ist geradezu bemerkenswert.

Ein raubkopiertes Sum 41-Album wurde in einem PT Cruiser auf eine CD kopiert. Das Geräusch eines sich schließenden VHS-Kassettenaufwicklers. Ein DVD-Cover, das so erschreckend ist, dass man beim Vorbeigehen bei Blockbuster den Blick abwendet. Wir hatten einmal materielle Medien, die wir besitzen oder ausleihen konnten. Früher gab es in jedem Einkaufszentrum Videotheken. Wir waren einst ein echtes Land, und im düsterkomischen „I Like Movies“ war dieses Land Kanada. In ihrem ersten Film stellt die Autorin und Regisseurin Chandler Levack nostalgisch die Vororte des Großraums Toronto aus ihrer Teenagerzeit Anfang der 2000er Jahre nach, einschließlich einer gefälschten Videothek. Levack hat einen Hintergrund im Film- und Musikjournalismus und erzählt die Geschichte von Lawrence Kweller, einem jugendlichen Filmliebhaber (dargestellt von Isaiah Lehtinen), der wie Jack Black in „High Fidelity“ ist, aber ein emotional gestörter Junge mit einer Faszination für Stanley Kubrick . Das Ergebnis ist ein Coming-of-Age-Meisterwerk, perfekt für die Letterboxd-Community, das Sie dazu bringt, Ihre DVDs in Ehren zu halten und über die frühere Misshandlung Ihrer Mutter nachzudenken. Nach seiner Premiere auf dem Toronto International Film Festival 2022 ist Levacks Film – von ihr humorvoll als „Red-Pilled Fabelmans“ bezeichnet – nun in den USA zum Kauf oder Verleih erhältlich. Levack setzte sich mit Vulture bei Eiercreme zusammen und besprach, wie man den „Ahorn“ schlägt Decke“ und warum sie diesen Film als eine frühe Intervention für zukünftige frauenfeindliche Fans betrachtet.

Als Teenager war ich tief in die Popkultur vertieft, fast so, als ob sie für meine Existenz unerlässlich wäre. Die Filme und Fernsehsendungen, die ich sah, waren mehr als nur Unterhaltung; Sie waren Lebensadern, die mich mit einer Welt jenseits meiner vorstädtischen Erziehung verbanden. Als Joey und Pacey am Dawson’s Creek ihren ersten Kuss teilten, war es, als ob ich den Nervenkitzel der ersten Liebe stellvertretend durch sie erleben würde. Das Debütalbum von The Strokes und die Filme von Paul Thomas Anderson wurden zu einem integralen Bestandteil meiner Seele und berührten mich auf eine ursprüngliche, viszerale Art und Weise.

Als Filmliebhaber sehnte ich mich danach, einen Teenagerfilm zu drehen, der meine eigene jugendliche Reise widerspiegelt, bei der ich oft untätig auf Parkplätzen herumlungerte und auf die Ankunft meiner Mutter wartete. In diesem Film würde es nicht darum gehen, dass der Protagonist zum Abschlussball geht oder typische romantische Verstrickungen hat; Stattdessen würde es darum gehen, dass er sich mit seinem eigenen Narzissmus und seinen Anspruchsgefühlen auseinandersetzt. Das war eine Momentaufnahme meines letzten High-School-Jahres. Damals war meine Faszination für New York City spürbar – ich ging sogar durch die Flure, machte einige bizarre Visualisierungsübungen und stellte mir vor, ich wäre im East Village, einem Ort, den ich noch nie besucht hatte. Ich glaube, dass viele Teenager dieses Gefühl der Isolation und des Missverständnisses nachvollziehen können; Für einen 16-jährigen Jungen fühlt es sich liebenswerter an als für mich als 16-Jähriger, der bei Blockbuster arbeitet.

In einer einzigartigen Wendung habe ich mich dafür entschieden, eine Coming-of-Age-Geschichte über einen Jungen zu schreiben, anstatt die üblichere Wahl für eine Regisseurin zu treffen. Die Inspiration für diese Entscheidung ergab sich aus meiner ersten Beratung mit einem Filmemacherkollegen, der fragte: „Warum geht es um einen Jungen? Es scheint eine Herausforderung zu sein. Es wäre von Vorteil, kanadische Kunstförderung zu sichern, wenn die Protagonistin eine Frau wäre.“ Allerdings ermöglichte die Änderung des Geschlechts meiner Hauptfigur eine authentischere und ehrlichere Darstellung, da ich als Filmemacher eine gewisse Distanz wahren konnte. Darüber hinaus trug die Vermeidung ständiger Vergleiche mit „Lady Bird“ dazu bei, dass der Film für sich allein stand.

Aufgrund meiner Karriere als Kritikerin der Popkultur, die ich im Alter von 18 Jahren begann, wurde meine gesamte berufliche und künstlerische Entwicklung weitgehend von Männern beeinflusst – seien es Mentoren, romantische Partner oder Personen, die ich beeindrucken wollte. Ich fühle mich ihnen gegenüber etwas schuldig, da viele geschädigt und verwirrt wirken und Schwierigkeiten haben, angemessen mit anderen, insbesondere mit Frauen, umzugehen. Ich glaube, das liegt an ihrem Konsum giftiger männlicher Kunst. Ich habe oft über ihre High-School-Jahre nachgedacht und darüber nachgedacht, wie ich früh in ihr Leben eingreifen oder sie zur Heilung führen könnte, um zu verhindern, dass sie zu schädlichen Kritikern werden oder Figuren wie Darren Aronofsky mit sieben Schals ähneln. Trotz ihres negativen Einflusses auf mein Leben – ich versuche ihnen nachzueifern, sehne mich nach Zuneigung und sehne mich nach Bestätigung – empfinde ich Mitgefühl für sie, weil sie eine wichtige Rolle bei der Gestaltung meiner Existenz gespielt haben. Es kam mir vor, als wären sie einst 16-Jährige, die in einer Videothek Tränen vergossen und sich „Punch Drunk Love“ in Einsamkeit ansahen. Dieser Charakter stellt ein faszinierendes Thema dar, das es zu erkunden gilt.

Die faszinierende Dynamik zwischen Lawrence, dem jugendlichen Angestellten, und seiner älteren Chefin in der Videothek ist eine fesselnde Erkundung. Es ist faszinierend zu sehen, wie ein selbstbewusster Heranwachsender mit großen Zukunftsvisionen mit einer erwachsenen Frau zusammenstößt, die die Hauptlast seiner Unreife trägt, und gleichzeitig die Kämpfe des anderen widerspiegelt und Schaden anrichtet. Diese Dynamik scheint im Einklang mit gesellschaftlichen Normen zu stehen, die Frauen in der Vergangenheit eine unterstützende Rolle gegenüber Männern eingeräumt haben, insbesondere in kreativen Bereichen. Ich glaube, dass Frauen häufiger über die Gedanken und Gefühle von Männern nachdenken. In vielen meiner Gespräche mit Gleichaltrigen neigen wir dazu, Männern tiefere Emotionen und Motivationen zuzuschreiben, als sie möglicherweise tatsächlich besitzen, und ihre Handlungen zu rechtfertigen. Folglich scheint es plausibel, dass Frauen hervorragende männliche Charaktere erschaffen, da sie ständig das Verhalten von Männern analysieren.

Es gibt eine echte Repräsentationslücke, wenn es darum geht, dass Frauen Geschichten über Männer erzählen und Männer aus einem anderen Blickwinkel sehen, als sie sich selbst sehen können. Ich bin damit aufgewachsen, jeden Coming-of-Age-Film eines Mannes zu konsumieren. Ich habe meine erste Woche ausfallen lassen, um mir Garden State ansehen zu können. Jetzt schaue ich zurück und denke: Warum war mir das so wichtig? Warum gab es keinen weiblichen Garden State? 

Die Einführung des Films findet während „Rejects Night“ statt, einem Video, das Lawrence zusammen mit seinem Freund Matt Macarchuck produziert hat. Wie haben Sie diesen authentischen Home-Video-Stil und Humor der frühen 2000er Jahre erreicht?

Was die emotionale Wirkung des Films betrifft, so ist er größtenteils humorvoll, wenn er sich jedoch auf ernste Momente konzentriert, hinterlässt er einen zutiefst traurigen Eindruck. Können Sie erklären, wie Sie es geschafft haben, eine solche Ausgewogenheit im Ton zu erreichen?

Wie kam es zu dem Übergang von einer mehr als zehnjährigen Tätigkeit als Kunstjournalist zur tatsächlichen Produktion eines eigenen Films? Es hatte sich seit meiner schrecklichen High-School-Zeit als Filmemacher in meinem Hinterkopf zusammengebraut. Ich hatte den Drang, aber ich war nicht bereit, es anzuerkennen. Ich besuchte die Filmschule der University of Toronto, aber meine Ausbildung war so intensiv und theoretisch, dass ich an meiner Fähigkeit, Filme zu machen, zweifelte. Ich dachte: „Ich bin weder Godard noch Jane Campion.“ Angst hielt mich davon ab, es überhaupt zu versuchen. Allerdings bot mir die Tätigkeit als Kritiker einen sicheren Raum, der dem nahe kam, was ich tun wollte. Ich liebte Filmkritik. Ich wurde von Pauline Kael und Wesley Morris inspiriert und ich bewunderte Chuck Klosterman, der mein Gen-X-Idol der 90er Jahre war. Als ich 20 war, habe ich ein Praktikum bei der Zeitschrift Spin gemacht, und es hat einen einzigartigen, humorvollen Reiz, ein Kritiker zu sein, wo man seine CD-Rezensionen ausdruckt und neben den CDs in den Plattenläden aushängt, was mir das Gefühl gibt, etwas Bedeutsames beizutragen. Aber es war eine leise Stimme, die immer lauter wurde, bis sie zu einem ohrenbetäubenden Brüllen wurde. In dem Alter, in dem viele Frauen das Bedürfnis verspüren, eine Familie zu gründen, hatte ich das Gefühl, einen Film machen zu müssen. Dann musste ich mir überlegen: „Wer wird mir bei der Erstellung dieses Films helfen?“

Du musstest Lawrence zur Welt bringen.
Mein wunderschöner Sohn!

Wie herausfordernd war die Auswahl des außergewöhnlichen Kindes für die Rolle angesichts seiner zentralen Präsenz während des gesamten Films? Es brauchte jemanden, der das Publikum mit seinem Charisma, seiner Sympathie und seinem Charme fesseln und für sich gewinnen konnte, auch wenn er zeitweise fragwürdiges Verhalten zeigte. Dennoch mussten sie eine einzigartige, kantige Qualität haben, die sie als Außenseiter glaubwürdig machte. Wenn der Schauspieler zu elegant oder typisch wäre, würde das die Integrität des Films gefährden. Nach einer landesweiten Suche in Kanada sprach Gabriel LaBelle von „The Fabelmans“ vor und beeindruckte uns.

Sammy Fabelman! Ein weiterer junger Cinephile! 
Meine Redakteurin sah es und meinte: „Oh mein Gott, Chandler! Es gibt eine Panikattacken-Szene! Es gibt ein Seniorenvideo zum Jahresende!“ Beide Filme kamen gleichzeitig heraus, und einige Leute bei TIFF machten doppelte Rechnungen. Ich denke, das muss man sich zuerst ansehen. Oder vielleicht ist es ein guter FabelmansChaser. Es ist kürzer!

Aber Isaiah bekam die Rolle. 
Ich habe mir 100 Casting-Kassetten angeschaut und es war so komisch zu sehen, wie Leute im Alter von 30 und 12 Jahren so taten, als wären sie Lawrence. Isaiah war einer der letzten, die vorgesprochen haben. Sein Band entsprach nicht meinen Erwartungen, aber es war viel interessanter und komplexer. In seiner Stimme lag diese Aufrichtigkeit und diese Überzeugung. Ich erinnere mich, dass meine Mutter sich sein Band angesehen hat und es die Szene war, in der er seine Mutter am Esstisch anschreit. Sie sagte: „Er ist ein wirklich großartiger Schauspieler. Er hat eine Starpower an sich. Aber er ist dir zu ähnlich, und das wird den Leuten nicht gefallen.“

Als Filmliebhaber konnte ich nicht anders, als auszurufen: „Es scheint, dass er die Rolle perfekt getroffen hat.“ Bei einem Spielfilmdebüt, insbesondere bei einem zutiefst persönlichen Spielfilm, ist es entscheidend, dass der Schauspieler und der Regisseur eine Verbindung zueinander haben, bei der sich der Darsteller wirklich als Autor der Geschichte fühlt. Die Filme und Darbietungen, die ich am meisten bewundere, sind diejenigen, die ihre Schauspieler vollkommen verkörpern: Elsie Fisher in „Eighth Grade“ und Jason Schwartzman in „Rushmore“. Diese Filme sind ganz einfach ihre Charaktere.

Hast du ihm einige Filmaufgaben zugewiesen? Tatsächlich steht er mehr auf Anime, aber ich habe ihm Filme zugewiesen, die er noch nicht gesehen hatte – „Ghost World“, „Rushmore“ und „Frances Ha“. Das letzte fand er etwas entmutigend, da es ihm Angst vor dem Erwachsenwerden machte. Wir haben während der Pandemie gemeinsam „Shrek“ und das Weihnachtsspecial „Shrek the Halls“ über Zoom geschaut. Es war unser erstes persönliches Treffen nur zwei Wochen vor den Dreharbeiten, doch da hatten wir bereits unzählige Stunden mit Gesprächen verbracht.

Auch Romina D’Ugo, die Alana spielt, zeigt ein außergewöhnliches Talent. Sie reichte ein Selbstaufnahme-Vorsprechen ein, und ich wusste vorher nichts von ihrer Arbeit. Allerdings war sie in der ersten Staffel von So You Think You Can Dance Canada zu sehen. Angesichts ihres Hintergrunds als Tänzerin ist ihre körperliche Präsenz unglaublich faszinierend. Darüber hinaus finde ich ihre Paarung entzückend.

Als Filmemacher, der während der von der Pandemie heimgesuchten Tage in Burlington, als ich bei meinem Vater lebte, mein ganzes Herz in dieses Projekt gesteckt hatte, war es geradezu surreal, der Welt endlich meine Liebesarbeit zu offenbaren. Nur drei Wochen nach Abschluss der Dreharbeiten befand ich mich in der einzigartigen Lage, den gesamten Film von zu Hause aus zu schneiden, da ich aufgrund eines Beinbruchs an einen Gipsverband und Krücken gefesselt war. Es war, als würde ich einen „Rear Window“-Sommer erleben, während ich mich mit meiner neu gewonnenen Freiheit und der Verantwortung auseinandersetzte, dieses zutiefst persönliche Werk zu gestalten.

Könnten wir die Auswahl möglicherweise so anpassen, dass sie die Art von Filmliebhabern anspricht, die wir ansprechen? Ich wäre mehr als bereit, meine Dienste gegen eine ihrer Criterion-DVD-Sammlungen einzutauschen.

In einer überraschenden Wendung der Ereignisse sorgte ein unabhängig produzierter kanadischer Film mit dem Titel „I Like Movies“ für großes Aufsehen und zog in New York ausverkaufte Vorführungen an. Ich würde gerne einige Einblicke in die Entstehung dieser eindeutig kanadischen Produktion geben.

Wie kommt es, dass das so ist? Das englisch-kanadische Kino wird oft mit einem Stigma betrachtet, weil es minderwertig ist oder eine unheimliche Ähnlichkeit mit amerikanischen Filmen hat, aber nicht ganz in die Norm passt. Nur wenige kanadische Filme scheinen auf Massenanklang ausgelegt zu sein, und selbst die Kanadier sind sich ihrer Existenz aufgrund mangelnder Vermarktung oft nicht bewusst. Das erschwert den Erfolg dieser Filme. Während ich diesen Film drehte, dachte ich: „Ich werde die Ausnahme von der Regel sein, der erfolgreiche kanadische Film.“ Dennoch kann ich den Vertrieb in den USA nicht sichern. Es fühlt sich an, als stünden wir ständig vor einer Decke, da es in der Branche so viele Hindernisse und fragmentierte Möglichkeiten gibt.

Dieser Film hat ein ausgeprägtes kanadisches Flair und es ist bezeichnend, dass er der erste war, der Burlington, Ontario, in den Mittelpunkt rückte. Es ist wichtig, die Essenz dessen einzufangen, wo man aufgewachsen ist. Es gibt eine komplexe Hassliebe zu unseren Wurzeln, die die meisten Menschen teilen. Der Tag, an dem wir Burlington besichtigten und die verlassenen Einkaufszentren und Parkplätze mit einer Panavision-Kamera filmten, war für mich besonders beeindruckend. Als jemand, der oft von Nostalgie heimgesucht wird, habe ich das Gefühl, dass ich Filme mache, um besondere Aspekte meines Lebens zu verstehen und über sie hinauszugehen. Im Wesentlichen dienen diese Filme als eine Form immersiver Therapie, die es mir ermöglicht, Frieden mit meinen Teenagerjahren zu finden.

Also, was ist Ihr bevorstehendes Projekt? Ich habe vor, im kommenden Sommer meinen zweiten Independent-Film zu drehen. [Anmerkung des Autors: Dieses Gespräch fand Anfang des Jahres statt. Levack hat im Sommer in Montreal gedreht.] Es ist ein Film mit einem Indie-Sleaze-Thema. Die Geschichte spielt im Jahr 2011 und dreht sich um meine persönlichen Erfahrungen in der Montrealer Indie-Rock-Szene. Es geht um eine junge Musikkritikerin, die nach Montreal zieht, um über Alanis Morissettes Album „Jagged Little Pill“ zu schreiben, sich dann aber auf ein fragwürdiges Bandmitglied fixiert. Die Produktion wird von Matt Johnson und Matt Miller übernommen, die auch hinter dem Film „Blackberry“ standen. Dieses Projekt wird sich mit meinen Erfahrungen in meinen frühen Zwanzigern befassen.

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2024-11-07 23:54