Doctor Who verhilft Oscar Wildes Nationalschatz zu einem witzigen Neustart: PATRICK MARMION rezensiert „The Importance of Being Earnest“.

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Als langjähriger Opernliebhaber muss ich zugeben, dass ich von der jüngsten Produktion von „The Elixir of Love“ an der English National Opera ziemlich überrascht war. Der Schauplatz während des Zweiten Weltkriegs war eine faszinierende Wendung, schien jedoch das Wesentliche dieser klassischen italienischen Komödie nicht einzufangen.

Die Wichtigkeit, ernst zu sein (Lyttelton, National Theatre, London)

Urteil: Wilde über Earnest

Bemerkenswert ist, dass das Nationaltheater erst zum zweiten Mal Oscar Wildes bekanntes Stück „Trivialkomödie für ernsthafte Leute“ auf seiner Bühne präsentiert. Das letzte Mal war vor über vier Jahrzehnten, im Jahr 1982, als Judi Dench unter der Leitung von Peter Hall als Lady „eine Handtasche?“ in ihrem Plüschsessel saß.

Vielleicht liegt der Grund, warum einige Produzenten zögern, darin, dass das Stück sehr zitierfähig ist. Seine fast dreistündige Länge kann manchmal wie eine Lektüre aus dem Oxford Dictionary of Quotes wirken, angesichts der Reihe von Zeilen wie „Die Wahrheit ist selten rein und niemals einfach“ und dem berauschenden „Die Spannung ist schrecklich, ich hoffe, sie wird anhalten“. .

Für jeden Regisseur besteht die Aufgabe darin, das Stück von seinem allzu vertrauten, viktorianischen Flair zu befreien und ihm neues Leben einzuhauchen. Bemerkenswerterweise ist Max Webster dieses Kunststück mit einer lebendigen, modernen Interpretation der Produktion gelungen.

Die Besetzung ist entscheidend und in der Tat faszinierend. Für Rollen werden Ncuti Gatwa aus „Doctor Who“ und Hugh Skinner aus „Fleabag“ in Betracht gezogen. Wenn sie ausgewählt werden, wird sie von Sharon D. Clarke begleitet, die Lady Bracknell porträtiert, eine beeindruckende jamaikanische Figur, die offenbar ihre Wurzeln in den Kolonien hat. Ihr Kostüm umfasst eine beeindruckende Vielfalt an Verzierungen, die an die Uniform eines Feldmarschalls erinnern.

Die Erzählung von Webster stellt die Szene als eine lebendige Feier des LGBTQ+-Stolzes dar, mit einem Drag-Queen-Umzug, der sowohl als Eröffnungs- als auch als Schlussakt dient. Dazwischen gibt es eine melodische Wiedergabe von Dr. Dre-Liedern, die auf dem Klavier gespielt werden. Diese mit lebendigen Farbtönen geschmückte Inszenierung lehnt sich an die Tradition an und wahrt gleichzeitig eine unnachgiebige Loyalität gegenüber Oscar Wildes schelmisch-rebellischem Wesen.

Lässiger und klarer könnte man sagen, dass Gatwa die Rolle eines demonstrativ anspruchsvollen Algernon spielt, der seinem Begleiter Jack Worthington neckisch aufs Land folgt, mit der Absicht, ihn zu heiraten und Ärger zu machen.

Ursprünglich ein Findelkind, wurde Jack – der inzwischen seinen Status erhöht hat – als Neugeborenes in einer Handtasche in der Victoria Station entdeckt. Um das Herz seiner geliebten Gwendolen (gespielt von Ronke Adekoluejo) zu gewinnen, muss er zunächst die Zustimmung von Lady B für ihre Heirat einholen.

Die offene Zurschaustellung seiner sexuellen Orientierung ist bei allen üblich und führt zu einer äußerst energiegeladenen Atmosphäre, die so sorgfältig geplant ist wie ein gut organisierter deutscher Zugfahrplan.

Anstatt sich auf Insider-Witze und Improvisationen zu verlassen (mit einem Gruß an den queeren Veranstaltungsort Dalston Superstore im Londoner East End), betont Websters Inszenierung vor allem die komplexen Wendungen der Handlung in Wildes Werk. Er betont, dass das Stück nicht nur voller einprägsamer Zeilen ist, sondern auch bemerkenswerte bedeutende Rollen enthält.

Dem Rat von Wilde folgend, strahlt Gatwa eine entzückende Selbstzufriedenheit aus und verleiht Algernon eine bezaubernde Jugendlichkeit. Er huscht anmutig auf und von der Bühne und trägt dabei extravagant modische Kleidung.

Währenddessen zeigt Skinners Jack eine Mischung aus nervösem Lächeln und unordentlichen Gesichtsausdrücken, die sich unter seinem widerspenstigen Mopphaarschnitt verbirgt.

Unterdessen haben die Frauen ihre individuellen Pläne in die Tat umgesetzt. Gwendolen nutzt Jack als Mittel, um die Kontrolle über sein unabhängig denkendes Mündel Cecily zu erlangen, gespielt von Eliza Scanlen, die oft unabhängig denkt.

Sie werden vom Butler von Julian Bleach gerufen und stören das Geschehen häufig mit immer größeren Gongs.

Auf jeden Fall wurden bestimmte kreative Freiheiten ausgeübt. Es scheint jedoch ein wirksamer Ansatz zur Wiederbelebung dieses nationalen Schatzes zu sein. Darüber hinaus bietet das Bühnen- und Kostümdesign von Rae Smith visuell beeindruckende Szenen: einen gemütlichen Mayfair-Salon, einen malerischen Landgarten, eine große Bibliothek in einem Herrenhaus.

Es überrascht nicht, dass viele Vorstellungen ausgebucht sind, wenn man bedenkt, dass das Theater, das ermäßigte Eintrittskarten anbietet, 110 £ pro Sitzplatz im Parkettbereich verlangt.

Ab dem 20. Februar haben Sie jedoch die Möglichkeit, den Film im Kino zu sehen. Vielleicht wird es später auch im West End gezeigt.

Bis 25. Januar.

 

Drei Musketiere, zwei energiegeladene Treffer

Die drei Musketiere (New Vic Theatre, Newcastle-under-Lyme)

Anstatt ihre Verzweiflung durch ein beiläufiges Augenrollen und den Kommentar „Papa, das ist nicht so wichtig“ zum Ausdruck zu bringen, neigen meine Kinder dazu, das zu sagen, aber ich bleibe standhaft dabei, Weihnachten im Dezember zu feiern. Ich werde Mince Pies erst am Sonntag genießen, und genau wie Dagobert werde ich bis dahin auch nicht in den Genuss der Weihnachtslieder von Dickens kommen.

Ich war begeistert, zwei energiegeladene Adaptionen der drei Musketiere zu entdecken, eine in Staffordshire und die andere in Gloucestershire.

In Newcastle-under-Lyme verläuft die Geschichte ähnlich wie in „Die drei Musketiere“ von Alexandre Dumas, wo sich Pariser Schwertkämpfer mit dem ländlichen D’Artagnan verbünden und in einen bösen Plan um die Halskette der französischen Königin verwickelt werden.

Die flotte Adaption von Theresa Heskins begeisterte die Zielgruppe der Grundschulkinder, als ich sie sah – insbesondere dank Lemar Mollers umgänglichem D’Artagnan. 

Als leidenschaftlicher Anhänger muss ich zugeben, dass die Dialoge zwar etwas mehr Witz vertragen könnten, die Action aber geradezu mitreißend ist! Die komplizierten Schwertkämpfe, die von niemand geringerem als dem meisterhaften Philip d’Orleans sorgfältig orchestriert wurden, ziehen mich absolut in ihren Bann.

Die Charaktere werden gekonnt mit schnellen und präzisen Strichen skizziert – der schneidige Porthos von Hadley Smith, der charmante Aramis von Thomas Dennis und der flotte Athos von Louis J. Rhone.

Es kommt zu einer angespannten Konfrontation zwischen der Haushälterin Chloe Ragrag, die das Dienstmädchen Constance spielt, und Charlotte Price in ihrer Rolle als Spionin Milady. Unterdessen liefert Perry Moore seine Zeilen als hinterhältiger Kardinal mit beißenden Konsonanten ab, die schärfer sind als jedes Schwert.

Die drei Musketiere (Barn Theatre, Cirencester)

In Cirencester unterhalten die Schwertkämpfer nicht nur mit ihren Kampfkünsten, sondern auch auf eine Weise, die an eine moderne Studentenkritik erinnert. Man könnte sagen, diese Helden könnten als Boyband aus dem 17. Jahrhundert durchgehen, wenn es so etwas gäbe, was ihrer historischen Darstellung eine amüsante Wendung verleiht.

Als treuer Bewunderer befinde ich mich inmitten einer lebendigen Inszenierung, in der die bezaubernden Kostüme von Laurence Llewelyn-Bowen stammen und mitreißende Melodien von Lee Freeman und Mark Anderson die Luft erfüllen. In dieser Geschichte begibt sich „D’Arty“, dargestellt von George Shuter, auf eine Reise nach Paris, um sich an seinem Musketiervater zu rächen. Allerdings befinde ich mich unabsichtlich in einem weiteren komplizierten Netz der Täuschung rund um eine fehlende Halskette.

Als eingefleischter Fan bin ich völlig fasziniert von Shuter, der die charmante Einfachheit von D’Artagnan neben seiner bezaubernden Geliebten Conny (Hayley Canham) verkörpert. Was mir jedoch merkwürdig vorkommt, ist, dass unser Held und die Musketiere nicht mit traditionellen Schwertern, sondern mit Spraydosen bewaffnet sind. Es sind ihre extravaganten Outfits, die von LLB entworfen wurden, und nicht ihre gewagten Taten, die sie wirklich auszeichnen.

Tatsächlich beschäftigen sich diese jungen Künstler wunderbar mit Gesang, Tanz und dem Spielen verschiedener Musikinstrumente in einer fröhlichen, thematischen (festlichen) audiovisuellen Extravaganz. Bravo!

 

Donizetti trifft im neuen Elixier der Liebe der ENO auf die Armee seines Vaters

 Von Tully Potter 

Das Elixier der Liebe (Englische Nationaloper) 

Urteil: Wir befinden uns auf einem fremden Terrain …

Sag es ihm nicht, Pike, aber da geht etwas sehr Ungewöhnliches vor sich: Sie haben während des Zweiten Weltkriegs in England eine klassische italienische Komödie aus dem 19. Jahrhundert gedreht. Aber es ist in Ordnung – ich glaube, ich habe ein oder zwei vom Platoon unter den in Khaki gekleideten Typen entdeckt.

Das Problem mit Ihrem bescheidenen Schreiber ist, dass er seit 1956 zusieht, wie dieses kleine Meisterwerk richtig gemacht wird. Und das Problem mit Harry Fehrs Inszenierung ist, dass man immer damit rechnet, dass die Armee des Vaters auftaucht.

Die walisische Sopranistin Rhian Lois, die Adina verkörpert, verkörpert eine Mischung aus Mrs. Fox und Mrs. Pike, während der Neuseeländer Thomas Atkins, der Nemorino spielt, einen so englischen Charme ausstrahlt, dass er wie Mr. Pike wirkt, wenn er nicht für die Arbeit als Bauer gekleidet ist , der vermutlich einen „notwendigen Beruf“ ausübt.

Die Verwandlung von Belcore in einen Flügelkommandanten der Royal Air Force spiegelt nicht sein Wesen als ausgelassener, gewöhnlicher Sergeant der Armee wider. Stattdessen tendiert der Pfarrer in dieser Adaption eher zum unbeholfenen Charme einer „Dad’s Army“-Figur als zum kultivierten italienischen Notar aus der Originalgeschichte.

Da der Quacksalber Doktor Dulcamara einen Yankee-Akzent trägt, befinden wir uns in der Tat auf einem seltsamen Terrain.

Später finden Sie die Übersetzung der verstorbenen Amanda Holden (nicht die, an die Sie denken). Beim Entziffern der Übertitel kann man viel Spaß haben, denn sie hat aus der Online-RhymeZone einige abgenutzte Phrasenenden entnommen, die ebenso vorhersehbar sind wie die Verbindung zwischen „Vergnügen“ und „Schatz“.

Im Laufe der Ereignisse verschwindet ein bezaubernder ländlicher Genuss, der von zwei brillanten Köpfen geschaffen wurde, und entfernt sich weit von den Reichen von Gilbert & Sullivan oder Donizetti & Romani. Stattdessen verwandelt es sich in etwas, das eher einem Fertiggericht aus Kriegszeiten ähnelt, etwa Makkaroni aus der Dose, und verliert dabei seinen ursprünglichen Charme.

Als Lifestyle-Experte würde ich sagen: In dieser Tenoroper liefert Atkins bezaubernde Melodien, insbesondere während seiner atemberaubenden Arie im zweiten Akt. Allerdings konnten sowohl er als auch Lois, die mit großer Begeisterung singen, die Klarheit ihrer Vokale verfeinern. „Geld“ klingt oft eher wie „Marney“, während „Leiden“ eher als „Sarfering“ rüberkommt.

Dan D’Souza porträtiert Belcore mit einer zufriedenstellenden Gesangsleistung, aber sein Humor lässt zu wünschen übrig. Das Gleiche gilt für Brandon Cedel als Dulcamara; Während sein Gesang passabel ist, bietet er nicht viel Komik. Bedauerlicherweise wird einer von Cedels lustigsten Witzen vom Übersetzer verfälscht.

Teresa Riveiro Bohm spielt mit Begeisterung, und der Chor, das Orchester sowie ein herausragendes Solofagott liefern allesamt bewundernswerte Leistungen.

Wie wäre es, wenn die English National Opera (ENO) anstelle der Bemühungen der Royal Opera einige Stücke aus dieser Zeit präsentiert, die ursprünglich auf Englisch komponiert wurden – wie „The Bohemian Girl“, „The Lily of Killarney“ oder „Maritana“? ?

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2024-11-29 02:29