Die besten Filme des Jahres 2024 (bisher)

Da ich selbst ein Filmliebhaber und Filmemacher bin, empfand ich „Pictures of Ghosts“ als eine ergreifende und persönliche Hommage an die Kraft und Nostalgie des Kinos. Filhos Reise durch die Wohnung seiner Kindheit und die prächtige Innenstadt voller Filmpaläste berührte mich als Künstlerkollegen, der über die vergangenen Erfolge des von mir gewählten Mediums nachdachte, zutiefst. Die anmutige Erkundung des Laufs der Zeit im Film war so, als würde ich zusehen, wie sich die Rolle meines Lebens abwickelte.

Diese Liste wird monatlich mit neuen „Best of the Year“-würdigen Titeln aktualisiert.

Da die Preisverleihungssaison im Herbst immer näher rückt, freue ich mich schon gespannt auf den Hype um potenzielle Oscar-Anwärter und auf die mit Spannung erwarteten Filmfestival-Premieren, die schon bald die Aufmerksamkeit aller auf sich ziehen werden. Die kommenden Wochen sind voller spannender Angebote aus der Festivalszene – meine Tickets für die November-Doppelvorstellung von „Gladiator“ und „Wicked“ sind bereits gebucht!

Filme werden nach US-Veröffentlichungsdatum aufgelistet, beginnend mit dem aktuellsten.

Habe ich

In seinem ersten Regieprojekt präsentiert Sean Wang eine authentische und offene Darstellung der herausfordernden Reise durch die Pubertät, insbesondere im Alter von 13 Jahren. Die Hauptfigur, Chris Wang (gespielt von Izaac Wang), durchlebt einen turbulenten Sommer, bevor er auf die High School geht, geprägt von unangenehme Begegnungen mit seiner Schwärmerei, angespannte Beziehungen zu Freunden und das Auslassen seiner Wut gegenüber Familienmitgliedern. Eingebettet in die digitale und physische Atmosphäre der East Bay-Region im Jahr 2008 bietet dieser Film eine herzzerreißend genaue Darstellung der Jugend und des Lebens in einer überwiegend asiatisch-amerikanischen Vorstadtgemeinde. Joan Chen liefert einen der berührendsten Auftritte des Jahres als Chris‘ Mutter, eine Frau, die Familienpflichten unter einen Hut bringt, während ihr Mann in Taiwan arbeitet, und sich bemüht, ihre künstlerischen Ambitionen am Leben zu erhalten. –Alison Willmore

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension von Didi.

Kuriosität

Diejenigen, die den Horrorfilm „Caveat“ aus dem Jahr 2020 gesehen haben, werden zustimmen, dass Regisseur Damian McCarthy ein Händchen dafür hat, beunruhigende Puppen zu erschaffen. In seinem neuesten Werk „Oddity“ ist eine solche Puppe zu sehen, die so nervig verstörend ist – eine lebensgroße hölzerne Schaufensterpuppe mit einem permanent verängstigten Gesicht –, dass sie unabsichtlich ein Lachen hervorruft. Dies ist beabsichtigt, da der Film seinen Humor mit seiner Fähigkeit teilt, zu erschrecken. Ähnlich wie die komplizierte Struktur des restaurierten irischen Landhauses, die im Film dargestellt wird, verwebt „Oddity“ gekonnt Elemente von Mord, Rache, psychischen Geschwistern, psychiatrischen Anstalten und natürlich dieser Puppe, was zu … ein Produkt, das ebenso spannend wie erschreckend ist.

Horizon: Eine amerikanische Saga, Teil Eins

Der erste Teil von Kevin Costners erwartetem Western-Meisterwerk hat die Atmosphäre der ersten Abschnitte eines fesselnden Romans, entwickelt nach und nach die Charaktere und gibt Hinweise auf ihr Leben. Es bleibt jedoch abzuwarten, wann wir den Rest sehen werden. Dieser Teil des Films ist reich an historischen Details und bietet atemberaubende Landschaften, die die Erhabenheit der Geschichte widerspiegeln. Doch da es sich um einen eigenständigen Teil handelt, fehlt ihm möglicherweise die volle Wirkung epischer Geschichten wie „Lonesome Dove“. Der Film „Horizon“ ähnelt derzeit eher einer aufsteigenden Linie als einer vollständigen Erzählung. Obwohl der Film nicht vollständig unabhängig funktioniert, ist das, was bisher gezeigt wurde, weitgehend vielversprechend und deutet auf Potenzial für zukünftige Episoden hin. Das gemächliche Tempo wird nie langweilig. Es ist eine schöne, umfangreiche und manchmal emotionale Darstellung des klassischen Geschichtenerzählens – auch wenn es im Moment nur einen Teil (oder möglicherweise ein Viertel) des Films ausmacht. – Bilge Ebiri

➽ Lesen Sie die vollständige Rezension von Bilge Ebiri zu Horizon: An American Saga, Part One.

Letzten Sommer

Unter den Regisseuren könnte keiner besser geeignet sein, einen beunruhigenden Film über eine ältere Frau und einen jüngeren Mann zu drehen, als Catherine Breillat, Frankreichs berühmte Provokateurin. Mit ihrem neuesten Werk Last Summer feiert sie nach einer jahrzehntelangen Pause ein fesselndes Comeback in der Welt des Filmemachens. Léa Drucker liefert eine fesselnde Härte in ihrer Darstellung von Anne, einer Anwältin, die Opfer sexuellen Missbrauchs vertritt, sich jedoch mit ihrem 17-jährigen Stiefsohn Théo (Samuel Kircher) verstrickt. Die Verbindung zwischen Anne und Théo entsteht in der dunstigen Atmosphäre des Sommers. Allerdings gewinnt der Film an Komplexität, je mehr die Realität in ihre idyllische Existenz eindringt, und Anne zeigt, dass sie bereit ist, dieselben Ausdrücke zu verwenden, mit denen sie die Glaubwürdigkeit der Opfer, die sie verteidigt, untergräbt und sich selbst schützt. –A.W.

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension von Last Summer.

Grüne Grenze (21. Juni)

Als Filmkritiker war ich von Agnieszka Hollands herzzerreißendem Meisterwerk „Green Border“ zutiefst berührt. Dieser Film entblößt uns und enthüllt rohes menschliches Verhalten ohne jeglichen Vorwand oder Kunstgriff. Es befasst sich kühn mit der europäischen Flüchtlingskrise und schildert ein rücksichtsloses politisches Spiel zwischen Polen und Weißrussland, das unschuldige, verängstigte Seelen – überwiegend Flüchtlinge, die vor Kriegen in Afghanistan, Syrien und anderen kriegszerrütteten Regionen des Nahen Ostens und Afrikas fliehen – in der Falle hält Kreuzfeuer.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von Green Border.

Janet Planet (21. Juni)

Einfach ausgedrückt kombiniert Annie Bakers bemerkenswertes Regiedebüt gekonnt mysteriöse und nachvollziehbare Elemente und bietet eine lebendige Darstellung der Adoleszenz am Abgrund. Zoe Ziegler spielt meisterhaft Lacy, eine 11-Jährige, deren Sorgen um die Zukunft durch die über ihr Alter hinausgehende Reife gemildert werden. Allerdings ist es Julianne Nicholson, die als Lacys Mutter Janet, eine alternde Hippiein, die sich mit der Suche nach dem Sinn des Lebens auseinandersetzt, eine herausragende Leistung abliefert. Ihre Liebe zu Lacy dämpft nicht ihren Wunsch, anderswo nach Antworten zu suchen, was zu einer Parade von Liebhabern und Freunden führt, die durch ihre Hütte im Westen von Massachusetts ziehen und jeweils neue Einblicke in die komplexe Bindung zwischen Mutter und Tochter bieten. –Paraphrasiert von A.W.

Schauen Sie sich Alison Willmores umfassende Rezension zu Janet Planet sowie Jackson McHenrys Interview mit der talentierten Regisseurin Annie Baker an.

Thelma

Josh Margolins Film erzählt die Geschichte einer 94-jährigen Frau, die sich auf die Suche nach denjenigen macht, die sie um 10.000 Dollar betrogen haben. Bemerkenswerterweise behält es einen liebenswerten und aufrichtigen Ton bei, ohne auf faulen oder unfreundlichen Humor zurückzugreifen. Die fesselnde Darstellung von June Squibb, einer Ausnahmeschauspielerin, die für ihre Nebenrollen bekannt ist, verleiht einer scheinbar einfachen Prämisse tiefe Tiefe. Die Suche dieser Frau nach Gerechtigkeit geht über das bloße Streben nach Vergeltung oder die Wiedererlangung ihres Geldes hinaus. Es dient als Beweis dafür, dass sie immer noch die Kontrolle über ihr Leben hat. Trotz der Einbeziehung von Elementen aus Spionage- und Actionfilmen betont Margolin mit diesen Anspielungen die Entschlossenheit und Widerstandskraft der Protagonistin im Alter und macht sie für uns alle zu einem Symbol der Beharrlichkeit. Die Themen des Films haben universellen Anklang: Mit fortschreitender Zeit lösen wir uns alle irgendwann von der Welt. –B.E.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von Thelma und Rachel Handlers Interview mit Star June Squibb.

Geisterlicht

Ich bin zufällig während des Sundance Film Festivals im Januar letzten Jahres auf den Film „Ghostlight“ gestoßen, ohne vorher etwas über die Handlung zu wissen. Ich ermutige Sie, es auf die gleiche Weise anzugehen. Wenn Sie jedoch nach weiteren Details suchen: Der Film dreht sich um eine Familie in Schwierigkeiten und konzentriert sich auf Dan (Keith Kupferer), einen großen, leicht aufgeregten Bauarbeiter mit hitzigem Temperament. Nach einem weiteren Wutausbruch bei der Arbeit trifft er auf Rita (Dolly De Leon) in einem fast verlassenen Ladenlokal, wo ihre Gruppe von Amateurschauspielern eine Low-Budget-Version von „Romeo und Julia“ probt. Dan ist bald von der Kameradschaft innerhalb dieser Improvisationstheatergruppe und der Beredsamkeit von Shakespeares Worten fasziniert, obwohl er zugibt, sie nicht zu verstehen. Die meiste Zeit über deutet der Film subtil an, was Dan und seine Familie quält, ohne es direkt preiszugeben. Obwohl die Hinweise offensichtlich sind, fühlt sich die Enthüllung ihrer Tragödie immer noch wie ein Schlag in die Magengrube an. Trotz seiner bodenständigen Darbietung und seiner alltäglichen Umgebung wirkt „Ghostlight“ manchmal wie eine gespenstische Fantasie oder wenn die Realität kurzzeitig mit der Fantasie vermischt wird. Im Wesentlichen handelt es sich um einen Film über die transformative Kraft künstlerischer Verbindungen, der zeigt, dass Kreativität, Empathie und Vergebung allesamt Schritte auf derselben menschlichen Reise sind. –B.E.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von Ghostlight.

Roboterträume

Im Jahr 2021 wurde Pablo Bergers Animation von Sara Varons Buch „Robot Dreams“ aus dem Jahr 2007 für den Oscar für den besten animierten Spielfilm nominiert. Diese herzerwärmende Geschichte über einen Hund und seinen Haustierroboter im New York der 80er Jahre hat eine zeitlose, märchenhafte Qualität mit einer bezaubernden und ergreifenden Ästhetik, die in der heutigen Animationsindustrie, die von Chaos und Unaufrichtigkeit geprägt ist, fehl am Platz zu sein scheint. Der Film ist ohne Dialoge und erzählt die Geschichte eines einsamen Hundes (genannt Dog), der per Post einen Roboterfreund kauft. Nachdem Dog den Roboter zusammengebaut hat, verbringen sie gemeinsam einen herrlichen Sommer inmitten der geschäftigen, schwülen Stadt. Ihre Bindung wird jedoch abrupt unterbrochen und führt sie auf getrennte Reisen. Der introvertierte Hund findet einen anderen Begleiter, während der Roboter mit verschiedenen Aspekten der Welt interagiert, von denen einige Träume und andere Realität sind. Obwohl sich die Erzählung über ein Jahr zu erstrecken scheint, erleben wir auch, wie sich New York um diese Charaktere herum entwickelt. Dieser bewegende Film weckt Gedanken über unser persönliches Wachstum: die Freunde, die wir verloren, aber nicht vergessen haben, die Städte, die sich um uns herum entwickelt haben, das Wissen, das wir gewonnen haben, und die Art und Weise, wie wir von den Erfahrungen des Lebens gezeichnet bleiben. –B.E.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von Robot Dreams.

Furiosa: Eine Mad-Max-Saga

In diesem Artikel beschreibt B.E. bespricht George Millers Prequel zu „Mad Max: Fury Road“ mit dem Titel „Furiosa“. Anstatt uns auf die Titelfigur als kampferprobte Kriegerin zu konzentrieren, werden wir Zeuge ihrer Verwandlung von einem unschuldigen Kind (gespielt von Alyla Browne und Anya Taylor-Joy) zu einer widerstandsfähigen Überlebenden. Die Geschichte dreht sich um Furiosas Entführung durch einen Motorradkriegsherrn namens Dementus (dargestellt von Chris Hemsworth), der sie später an Immortan Joe verkauft, den Antagonisten aus „Fury Road“ (gespielt von Lachy Hulme in einer jüngeren Rolle).

Schauen Sie sich Bilge Ebiris umfassende Rezension von Furiosa: A Mad Max Saga, seine aufschlussreiche Analyse des Endes des Films, ein Interview mit dem Schauspieler Tom Burke von Fran Hoepfner und James Grebeys Interpretation von Dementus‘ Umhang an.

Killer

In Richard Linklaters Film „Hit Man“ fragt sich Philosophieprofessor Gary Johnson (gespielt von Glen Powell): „Wie viele von uns verstehen sich selbst wirklich?“ Er stellt die Frage, ob unsere Identitäten Konstrukte, Illusionen oder Rollen sind, die wir seit unserer Geburt spielen. Wie sich herausstellt, ist dieser scheinbar gewöhnliche Vogelbeobachter dabei, die Frage selbst zu verkörpern, da er vorgibt, ein Attentäter für die Undercover-Operationen der New Orleans Police Department zu sein.

➽ Lesen Sie die vollständige Rezension von Bilge Ebiri zu Hit Man.

Entführt

Zahlreiche Filmemacher, darunter Steven Spielberg, bemühen sich seit Jahren darum, die erstaunliche, reale Geschichte von Edgardo Mortara, einem jüdischen Jungen aus Bologna, der Mitte des 19. Jahrhunderts von päpstlichen Behörden entführt und als Katholik erzogen wurde, in die Kinos zu bringen Bildschirm. Interessanterweise ist es passend, dass dieser Film letztendlich von dem angesehenen italienischen Regisseur Marco Bellocchio produziert wurde, einem Mann, der für seine lebenslange Auseinandersetzung mit dem Einfluss gesellschaftlicher Institutionen bekannt ist. Bellocchio ist nicht nur für seine Fähigkeit bekannt, den Wahnsinn innerhalb von Familien als äußere und innere Kraft darzustellen, sondern auch für seine Fähigkeit, seine Funktionsweise darzustellen. In seinem neuesten Werk Kidnapped befasst er sich intensiv mit den Erfahrungen von Edgar und beleuchtet gleichzeitig die Auswirkungen dieses Ereignisses auf seine Familie. Diese fesselnde Erzählung mit mehreren Charakteren ist sowohl fesselnd dramatisch als auch beunruhigend gruselig. –B.E.

Ich sah den Fernseher leuchten

Jane Schoenbruns Film ist eine ergreifende, eindringliche und äußerst emotionale Auseinandersetzung mit Dysphorie, vorstädtischer Einsamkeit und dem unvollkommenen Zufluchtsort, den die Fankultur bietet. Der Film mit dem Titel „The Pink Opaque“ weist Elemente auf, die an „Buffy – Im Bann der Dämonen“ und „Twin Peaks“ erinnern. Doch während die Mythologie der Serie ihr Leben durchdringt und als Symbol dient, das Owen nicht anerkennen will, ereignet sich die eindringlichste Szene, als Owen mit zunehmendem Alter die Quelle seiner Besessenheit erneut aufgreift und erkennt, dass sie im Vergleich zu seinen Erinnerungen verblasst. Der Film veranschaulicht eindrucksvoll, dass die Popkultur zwar Trost und Zuflucht bieten kann, es aber letztendlich an Owen liegt, in der Realität die notwendigen Schritte zur Selbstrettung zu unternehmen. – A.W.

Als leidenschaftlicher Film- und Musikliebhaber, der unzählige Stunden damit verbracht hat, in die Feinheiten beider Branchen einzutauchen, würde ich von ganzem Herzen empfehlen, sich mit einem Trio fesselnder Stücke zu beschäftigen: Alison Willmores umfassende Rezension von „I Saw the TV Glow“, Esther Zuckermans aufschlussreiches Interview mit Filmemacherin Jane Schoenbrun und Rachel Handlers spannendes Gespräch mit der Singer-Songwriterin Caroline Polachek über ihren Beitrag zum Soundtrack. Jedes Stück bietet eine einzigartige Perspektive auf den kreativen Prozess hinter diesen faszinierenden Werken, und ich glaube, dass sie bei jedem, der meine Leidenschaft für Kunst und Geschichtenerzählen teilt, tiefe Resonanz finden werden.

Benzin-Regenbogen

„Der neue Film der Ross Brothers: Eine Reise in die Welt von Fakten und Fiktion“

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension von Gasoline Rainbow.

Das Böse existiert nicht

In den ruhigen Eröffnungssequenzen von Ryusuke Hamaguchis „Das Böse existiert nicht“ scheint es eine Abkehr von den jüngsten, gefeierten Werken des Regisseurs wie „Drive My Car“ zu geben. Wir treffen den Witwer Takumi (Hitoshi Omika), der mit seiner Tochter Hana (Ryo Nishikawa) im ruhigen Dorf Mizubiki lebt. Er verdient seinen Lebensunterhalt mit verschiedenen Arbeiten wie dem Hacken von Brennholz, dem Sammeln von Pflanzen und der Wasserversorgung des örtlichen Ramen-Ladens aus den Quellen. Dieses idyllische Leben wird jedoch durch die Ankunft von Vertretern eines Unternehmens gestört, das in der Nähe ein „Glamping“-Unternehmen gründen möchte. Die auffälligste Szene zeigt ein Treffen mit Einheimischen, das zu einer kontroversen Debatte eskaliert, als die Dorfbewohner ihre Bedenken äußern, insbesondere über die Platzierung der neuen Klärgrube, die für die erwartete Anzahl von Kunden zu klein ist und außerdem stromaufwärts der Süßwasserquelle der Stadt liegt.

Sichere Sache!

Der Fall Guy

David Leitchs Film, eine fesselnde Mischung aus Action, Komödie, Mystery und Romantik, angesiedelt im Reich der Stuntkünstler, ist eine Ode an das Kino selbst. Es kombiniert gekonnt verschiedene Genres und ist gleichzeitig mit witzigen Insiderwitzen und Hommagen an seine geschätzten (und weniger geschätzten) Vorgänger gespickt. Ryan Gosling, dessen komisches Können bis zu seiner erfolgreichen Rolle im letztjährigen Blockbuster Barbie unterschätzt wurde, bekommt hier eine weitere Chance, sein Talent unter Beweis zu stellen, indem er eine trockene, aber liebenswerte Leistung als Colt Seavers liefert, ein renommiertes Stunt-Double für die strahlender Filmstar Tom Ryder (Aaron Taylor-Johnson). Nach einem Vorfall, der seine Karriere zu beenden scheint, erhält ein niedergeschlagener Colt den Auftrag, am Set von Jody Morenos (Emily Blunt) neuem Film in Sydney einen Stunt über die Frau zu machen, die er einst liebte. Dann wird er in einen komplexen Vermisstenfall verwickelt. Die Stunts sind atemberaubend und Gosling ist urkomisch, aber der vielleicht unerwartetste Aspekt des Films ist sein zutiefst romantischer Ton. Blunt und Gosling verbindet eine außergewöhnliche Chemie auf dem Bildschirm – die Art, die zwischen Individuen entsteht, die nicht nur unglaublich attraktiv sind, sondern auch den Blick des anderen gut verstehen. Der Film schafft es, uns für das Wiedersehen von Colt und Jody zu begeistern; Wir sind bereit, jedes unplausible Szenario zu akzeptieren, solange es sie wieder zusammenbringt. –B.E.

Ich kann es nur wärmstens empfehlen, in Bilge Ebiris umfassende Rezension von „The Fall Guy“ einzutauchen. Seine exklusiven Einblicke in die Arbeit des Stuntteams hinter den Kulissen und das faszinierende Gespräch, das er mit Regisseur David Leitch führte, sollten Sie sich nicht entgehen lassen.

Alam

In vielen Diskussionen über Palästina und Israel werden Komplexitäten häufig übersehen. Als Gegengewicht zu diesem Trend dient jedoch Firaz Khourys herzlicher Coming-of-Age-Film. Viele Menschen wissen möglicherweise nicht, dass es in Israel palästinensische Gemeinschaften gibt, die in palästinensischen Vierteln leben und Schulen mit palästinensischen Lehrern besuchen – und dennoch werden sie unter der israelischen Flagge (der Begriff ) über die israelische Geschichte aus israelischer Sicht unterrichtet alam bedeutet Banner auf Arabisch). Dadurch erfahren sie etwas über Israels Unabhängigkeitskampf, der von den Palästinensern als Nakba oder „Katastrophe“ bezeichnet wird – eine Zeit, in der ihre Familien 1948 vertrieben wurden. Der Film Alam folgt einer Gruppe mittel- Klassenschüler, die sich im Vorfeld des israelischen Unabhängigkeitstages mit Romantik, Autorität und politischem Bewusstsein auseinandersetzen. Diese Jugendlichen verfügen über Ressourcen und Möglichkeiten und werden von Familien und Lehrern unterstützt, die sie ermutigen, sich von der Politik fernzuhalten. Für sie können die intensiven politischen und physischen Konflikte rund um ihr Heimatland manchmal weit entfernt erscheinen, doch sie suchen nach Möglichkeiten, sich daran zu beteiligen. Dieser Film ist ein fesselndes, zum Nachdenken anregendes Stück, das keine einfachen Lösungen bietet. —B.E. (umschrieben)

Herausforderer

Als leidenschaftlicher Filmliebhaber mit einer besonderen Vorliebe für romantische Filme muss ich sagen, dass Luca Guadagninos Tennisromanze „Challengers“ zweifellos einer der Höhepunkte meines Kinojahres war. Der Film ist eine mitreißende Mischung aus Leidenschaft, Spannung und Athletik, die das Publikum mühelos von Anfang bis Ende fesselt.

➽ Sehen Sie sich Angelica Jade Bastiéns Rezension zu „Challengers“, Matt Zoller Seitz‘ Kritik zu Zendayas Filmleistung und Joe Reids Aufschlüsselung darüber an, wer in der letzten Szene als Sieger hervorging.

Das Gefühl, dass die Zeit, etwas zu tun, vorbei ist

Joanna Arnows erster Versuch, Regie zu führen, ist eine einzigartige, trockene Komödie, die sich mit dem Leben einer Frau aus Brooklyn namens Ann befasst (dargestellt von Arnow selbst). Anns Existenz scheint sich um Peinlichkeiten zu drehen: Sie ist in eine Subdom-Beziehung mit einem älteren Mann verwickelt, dessen distanziertes, apathisches Verhalten Teil ihrer Dynamik sein könnte; Sie erträgt regelmäßig unangenehme Interaktionen mit ihren Eltern, die von Arnows echten Eltern gespielt werden; und sie wird bei der Arbeit völlig übersehen, selbst wenn sie Anerkennung wie Auszeichnungen erhält. Der Film hat eine traumhafte Qualität und wirkt dennoch auffallend authentisch. Arnow fasst die echte und beschämende Absurdität des zeitgenössischen Lebens gekonnt und auf fesselnde Weise zusammen. Ihre Filmtechnik ist episodisch, aber im Gegensatz zu vielen anderen handlungslosen Komödien weder erschöpfend noch selbstgefällig: Ihre Szenen reichen von ausgedehnten Sequenzen bis hin zu humorvoll kurzen Momenten und verleihen dem Film einen unverwechselbaren und fesselnden Rhythmus. –B.E.

Bürgerkrieg

Im Bereich des zeitgenössischen Kinos haben mich nur wenige Filme so verblüfft und fasziniert wie Alex Garlands neuestes Meisterwerk. Was diesen Film auszeichnet, ist seine beunruhigende Auseinandersetzung mit unserer kollektiven Besessenheit, Amerika als Kriegsgebiet zu betrachten. Die Erzählung spielt sich scheinbar in unserer gegenwärtigen Zeit ab, porträtiert jedoch die Vereinigten Staaten, die aufgrund der Herrschaft starker Männer und sezessionistischer Bewegungen in zahlreiche bewaffnete, ideologisch unklare Fraktionen zersplittert sind.

➽ Sehen Sie sich Bilge Ebiris umfassende Rezension von „Civil War“ an, hören Sie sich das Gespräch von Matt Zoller Seitz mit Regisseur Alex Garland an und lesen Sie Roxana Hadadis Analyse zur Schlussszene des Films.

In Flammen

Können wir In Flames, Pakistans Beitrag für den Oscar für den besten internationalen Film im letzten Jahr, als Horrorfilm einstufen? Angesichts seines Inhalts scheint es durchaus passend. Die Geschichte handelt vom Leben einer jungen Frau aus Karatschi, deren Welt nach dem Tod ihres Vaters auf den Kopf gestellt wird. Männer starren sie an, greifen sie an, fixieren sich auf sie, ignorieren sie. Die wachsamen Augen einer patriarchalischen Gesellschaft betrachten sie sowohl als Opfer als auch als Beute. Eine kurzlebige, möglicherweise hoffnungsvolle Romanze endet in Trauer. Sie wird von verstörenden Visionen heimgesucht, während sie darum kämpft, die Realität von der Täuschung zu unterscheiden. Regisseur Zarrar Khan kombiniert gekonnt übernatürliche Schrecken mit alltäglichen Schrecken und behält dabei den emotionalen Kern des Films bei. –B.E.

Das Biest

Bertrand Bonellos Science-Fiction-Meisterwerk „Das Biest“ erinnert an Henry James, vermischt mit dem Surrealismus von David Lynch. Es ist eine fesselnde, rätselhafte Produktion, die drei unterschiedliche Zeiträume und Schauplätze durchquert und die Zuschauer mit unerwarteten Wendungen und beunruhigenden Momenten auf Trab hält. Léa Seydoux porträtiert Gabrielle, eine Figur, die nahtlos zwischen einer tragischen Heldin in einem historischen Drama, einem Opfer in einem Horrorfilm und einer desillusionierten Entdeckerin in einer fernen, gleichgültigen Zukunft übergeht. Trotz dieser radikal unterschiedlichen Rollen webt sie gekonnt einen roten Faden durch diese Leben. Louis, gespielt von George MacKay, wird schließlich Teil dieses komplizierten Erzählteppichs.

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension von The Beast.

Das erste Omen

Unter der Leitung von Regisseur Arkasha Stevenson bietet dieses Prequel zum Film „The Omen“ aus dem Jahr 1976 eine weitere gruselige moderne Horrorgeschichte, die mit unserer heutigen Zeit in Einklang steht und gleichzeitig in eine in der Vergangenheit verwurzelte Fantasie eintaucht. Schauplatz ist das turbulente Rom des Jahres 1971, wo die junge Novizin Margaret Daino (Nell Tiger Free) ihre Arbeit in einem Waisenhaus beginnt. Sie entwickelt ein Interesse an der rätselhaften Carlita Skianna (Nicole Sorace), einem der Waisenkinder, und sieht in ihr ein Spiegelbild ihrer selbst. Ein hinterhältiger Priester deutet jedoch an, dass Carlita möglicherweise von der Kirche speziell gezüchtet wurde, um den Antichristen zur Welt zu bringen. Folglich ist Margaret entschlossen, Carlita zu retten. Der Film wird Sie sicherlich zum Nachdenken anregen, aber wie erfahrene Horrorregisseure weiß Stevenson, dass wir nicht aus gutem Grund hier sind; Stattdessen taucht der Film in Stil und Atmosphäre ein, mit fesselnden und beunruhigenden Bildern, die ursprüngliche, viszerale Ängste ansprechen. Wenn Horror von einem Gefühl des Kontrollverlusts lebt und beim Zuschauer Gefühle der Ohnmacht hervorruft, um die Erfahrungen der Charaktere widerzuspiegeln, dann verkörpert dieser Film das Genre wirklich. –B.E.

➽Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von The First Omen.

La Chimera

In Alice Rohrwachers Film folgen wir Joshua Connor als Arthur Harrison, einem ungewöhnlichen Mann mit einem besonderen Talent für die Plünderung von Gräbern und die Bergung antiker etruskischer Artefakte, die die Menschen in Mittelitalien mit ihren Verstorbenen begraben haben. Arthur, einst Archäologe, scheint von seinen eigenen Handlungen gequält zu werden, was darauf hindeutet, dass die mäandrierende, aber schöne Erzählung des Films einen Mann porträtiert, der sich zwischen dieser und der nächsten Welt bewegt und darum kämpft, seinen Platz zu finden. Rohrwacher, einer der führenden Filmemacher Italiens, kreiert erdige Filme mit einem Hauch magischem Realismus. Die Schauspielerei ist realistisch, die Dreharbeiten vor Ort echt, aber die Geschichten grenzen oft an Fantasie. Volksballaden, primitive Kunst, Kamerazwinkern und hastiger Slapstick bevölkern den Film und verleihen ihm eine ungeschliffene Operettenatmosphäre. Allerdings untergräbt Connors hohles und melancholisches Gemüt die Unbeschwertheit des Films, vielleicht absichtlich: Während sich die Geschichte entfaltet und immer fantastischer wird, löst sich Arthur immer mehr von seiner Umgebung. Er ist ein trauriger Charakter, der die Idee symbolisiert, dass diejenigen, die sich mit dem Leben nach dem Tod beschäftigen, in diesem Leben niemals Ruhe erfahren werden. –B.E.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von La Chimera.

Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt

Radu Judes neuester Film mit dem Titel „Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt“ bietet eine bissige Komödie, die die Absurdität des Lebens im Spätkapitalismus untersucht. Die Erzählung umfasst ein breites Spektrum an Referenzen, von klassischen Haiku und Goethe über Uwe Bolls deutsche Schlockmeister-Filme bis hin zu kruden TikTok-Videos der Protagonistin Angela (Ilinca Manolache), einer stark überarbeiteten persönlichen Assistentin.

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension zu „Do Not Expect Too Much From the End of the World“.

Ryuichi Sakamoto: Opus

Ungefähr drei Monate vor seinem Tod im März 2023 bereitete Ryuichi Sakamoto sein möglicherweise letztes Solokonzert vor. Diese Aufführung wurde über ein paar Tage hinweg aus vorab aufgezeichneten Segmenten zusammengestellt und dann weltweit gestreamt. Die erweiterte Version dieses Konzerts wurde inzwischen in einen ergreifenden, minimalistischen Film unter der Regie von Neo Sora, Sakamotos Sohn, umgewandelt. Der Film ist introspektiv und emotional aufwühlend.

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von Ryuichi Sakamoto: Opus.

Dune: Teil Zwei

Im ersten „Dune“ war Timothée Chalamet der Hauptdarsteller, doch im zweiten Teil steht Zendaya im Mittelpunkt. Denis Villeneuves Adaption von Frank Herberts Werk bleibt ein beeindruckendes und wirklich außerirdisches Epos mit gentechnisch veränderten Messias, Weltraumhexen, kolossalen Sandwürmern und Planeten mit BDSM-beeinflussten Gothic-faschistischen Kulturen. Allerdings ist es die Figur Chani, gespielt von Zendaya, die dem Film seinen emotionalen Kern verleiht. Chani ist eine erbitterte Fremen-Rebellin, die sich in Chalamets Paul verliebt, obwohl sie seine wahren Absichten und die potenziellen Risiken für ihre Gemeinschaft kennt. Während Dune: Part Two ein großartiges Ausmaß bietet, liefert es auch ein nachvollziehbares menschliches Drama, das in erster Linie aus Chanis Sicht als Vertreter eines Volkes entsteht, dessen Ambitionen ständig von den Manipulationen größerer Mächte überschattet werden. –A.W.

➽ Schauen Sie sich Alison Willmores umfassende Rezension, Matt Zoller Seitz‘ exklusives Interview hinter den Kulissen mit Kameramann Greig Fraser und Roxana Hadadis aufschlussreiche Analyse des Endes von Dune: Part Two an.

Shayda

Rezension von A.W.: „Shayda“ – ein kraftvoller und intimer Thriller, der auf Erfahrungen aus dem wirklichen Leben basiert

Io Capitano

Matteo Garrone, der italienische Filmemacher, kombiniert oft zeitgenössische Themen mit fantastischen Elementen und in seinem neuesten Film, der während der Flüchtlingskrise spielt, hat er eines seiner kraftvollsten Werke geschaffen. Die Geschichte handelt von Seydou (gespielt von Seydou Sarr) und Moussa (Moustapha Fall), zwei senegalesischen Cousins auf einer Reise nach Europa. Unterwegs stoßen sie auf zahlreiche erschütternde Ereignisse, die wie eindringliche Szenen aus einem alten Märchen wirken. Garrone verbindet gekonnt magischen Realismus, mitreißende epische Erzählungen und düsteren Terror in einem Film, der auf den wahren Berichten der Menschen basiert, die diese Wanderung unternommen haben. Es geht ihm jedoch nicht darum, die Situation zu sensationell zu machen. Diese Charaktere entkommen weder bitterer Armut noch Konflikten; Sie streben danach, nach Europa zu reisen, ähnlich wie Jugendliche aus der Ersten Welt, die seit Generationen den Wunsch hegen, die Welt zu erkunden. Dieser einzigartige perspektivische (und tragische) Aspekt von Io Capitano stellt die Vorstellung in Frage, dass diese Charaktere lediglich Opfer seien, und stellt sie stattdessen in eine größere, edlere Tradition der Erkundung und Neugier. Der Film wirft somit eine implizite, zum Nachdenken anregende Frage auf: Warum sehen wir im Westen sie nicht auch auf diese Weise?

Das versprochene Land

Mads Mikkelsen ist ein außergewöhnlich talentierter Schauspieler und seine Fähigkeit, einen kraftvollen, unnachgiebigen Blick zu liefern, zeichnet ihn aus. Aufgrund dieser Eigenschaft passt er ideal in die Rolle des Hauptmanns Ludvig Kahlen, eines mittellosen, stoischen dänischen Kriegsveteranen aus der Mitte des 18. Jahrhunderts, der versucht, die Jütlandheide zu erobern, eine riesige und unwirtliche Region ohne Ernte und von Gesetzlosigkeit geplagt. Der dänische Titel des Films, „Bastarden“, bedeutet „der Bastard“ und kann sich sowohl im wörtlichen als auch im geistigen Sinne auf Kahlen beziehen, da er als Sohn eines unverheirateten Dieners geboren wurde und ein raues, manchmal rücksichtsloses Auftreten an den Tag legt. Als Kahlen lernt, anderen zu vertrauen, um zu überleben, gerät er mit einem örtlichen Grundbesitzer, dem arroganten und grausamen Aristokraten Frederik de Schinkel, aneinander. Folglich entwickelt sich „The Promised Land“ von einer ruhigen und poetischen Geschichte des ländlichen Lebens zu etwas Roherem und Intensiverem, das an Terrence Malicks „Days of Heaven“ in Kombination mit Michael Caton-Jones‘ „Rob Roy“ erinnert, jedoch mit zusätzlichen Szenen, in denen Menschen dargestellt werden lebendig gekocht werden. – SEI. (umschrieben)

➽ Lesen Sie Bilge Ebiris vollständige Rezension von The Promised Land.

Bilder von Geistern

Als Filmliebhaber und jemand, der unzählige Stunden in die Welt des Kinos eingetaucht hat, halte ich den Dokumentarfilm von Kleber Mendonça Filho für ein wirklich fesselndes und ergreifendes Werk. Da ich selbst in Recife aufgewachsen bin, kann ich seine persönliche Reise tief nachvollziehen, während er die Geschichte seiner Heimatstadt durch die Linse der Fotografie erkundet. Der Film dient sowohl als Memoiren als auch als Ode an die Macht des Kinos und schafft eine empfindliche Balance zwischen Nostalgie und Selbstbeobachtung.

➽ Lesen Sie Alison Willmores vollständige Rezension von Pictures of Ghosts.

Im Inneren der gelben Kokonhülle

Als Filmkritiker fand ich, dass Phạm Thiên Âns Spielfilmdebüt eine faszinierende Geschichte eines jungen Mannes namens Thiện (Lê Phong Vũ) ist, der nach dem Verlust seiner Schwägerin zum Vormund seines Neffen wird und sich auf den Weg macht eine Suche nach seinem Bruder, dem Vater des Kindes. Die Erzählung des Films mag zuweilen kryptisch sein, doch sein filmisches Können lässt sich nicht leugnen. Bestimmte Szenen, die Ân (zusammen mit dem Kameramann Đinh Duy Hưng) erstellt hat, haben einen unauslöschlichen Eindruck bei mir hinterlassen und tauchen immer wieder in meiner Erinnerung auf wie ein wiederkehrender Traum.

Frida

Im Laufe der Jahre wurden zahlreiche Filme über Frida Kahlo gedreht, aber keinem gelang es, sie so als echtes, lebendiges Individuum darzustellen wie der bahnbrechende Dokumentarfilm von Carla Gutiérrez. Als renommierte Redakteurin hat Gutiérrez diesen Film ausschließlich aus Archivmaterial erstellt, sodass Kahlo selbst ihre Geschichte mit ihren eigenen Worten und Bildern erzählen kann. Das Ergebnis ist Fridas zutiefst persönliche, introspektive Erzählung (gesprochen von Fernanda Echevarría del Rivero), während sie von ihrer Erziehung bei einer gläubigen Mutter und einem ungläubigen Vater erzählt; ihre lebhaften Teenagerjahre als beliebte Medizinstudentin; ihre turbulente Ehe mit dem berüchtigten, revolutionären Künstler Diego Rivera, der sie zu Lebzeiten dominierte; und ihre leidenschaftlichen Beziehungen zu Männern und Frauen. Gutiérrez hat auch Kahlos Zeichnungen und Gemälde zum Leben erweckt, indem er sie animiert hat, sodass sich die Bilder vor unseren Augen verändern und ihre emotionalen Reisen widerspiegeln, wobei die Bilder häufig ineinander übergehen. Damit bietet sie eine einzigartige Perspektive auf eine Künstlerin, die sich oft in eindrucksvollen Bildkompositionen darstellte. Am Ende des Films haben wir möglicherweise das Gefühl, diese legendäre, fast mythische Figur zum ersten Mal wirklich kennenzulernen. –B.E.

➽Lesen Sie die vollständige Rezension von Bilge Ebiri zu Frida.

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2024-07-31 16:56