Als Kriegsveteran hatte ich das Privileg, die Schrecken und Triumphe auf den Schlachtfeldern mitzuerleben, aber keiner hat mich so tief berührt wie die hier erwähnten Filme. Jeder von ihnen bietet eine einzigartige Perspektive auf die menschliche Verfassung inmitten des Chaos des Krieges, mit Geschichten, die auch Jahrzehnte nach ihrer Veröffentlichung noch eine tiefe Resonanz hinterlassen.
In einem Interview mit Gene Siskel von der Chicago Tribune im Jahr 1973 machte François Truffaut eine Aussage, die die Kriegsfilme nachhaltig beeinflusste. Auf die Frage, warum seine Filme wenig Gewalt enthielten, antwortete Truffaut: „Ich glaube, Gewalt ist in Filmen ziemlich zweideutig. Viele Filme behaupten zum Beispiel, Antikriegsfilme zu sein, aber ich glaube nicht, dass ich jemals wirklich einen Antikriegsfilm gesehen habe.“ Film. Jeder Film über den Krieg wirbt letztendlich dafür. Dieses Gefühl wird oft durch Fakten gestützt. In Anthony Swoffords Memoiren über den Golfkrieg, Jarhead, erinnert sich Swofford, wie er und seine Mitrekruten aufgeregt waren, als sie Apocalypse Now und Full Metal Jacket sahen. zwei bekannte Filme, die die Schrecken des Krieges schildern. (Nach dem Tod von R. Lee Ermey, dem echten Drilllehrer, der denselben Charakter in „Full Metal Jacket“ verkörperte, schrieb Swofford eine Hommage an die New York Times mit der Überschrift „Full „Metal Jacket“ hat meine Generation verzaubert und uns in den Krieg geführt.“)
Sind Filme wirklich dafür verantwortlich, alles, was sie darstellen, zu verherrlichen, auch wenn es grausam ist? Und wenn ein Kriegsfilm nicht vor Konflikten warnen soll, welchen Zweck hat er dann? Wenn Truffauts Beobachtung nicht immer zutreffend ist – und es schwierig sein kann, sie allgemein auf die betreffenden Filme anzuwenden – sollten wir diesen Filmen vielleicht die Erwartung nehmen, dass sie die Welt verbessern müssen. Schließlich scheint Krieg der menschlichen Natur innewohnend zu sein.
So wie Kriegsgeschichten ein unvermeidlicher Teil des menschlichen Lebens sind, spiegeln sie auch unsere veränderten Sichtweisen auf Konflikte wider. Kriegsfilme spiegeln die künstlerische Sensibilität ihrer Macher wider, spiegeln aber auch die Gefühle der Epochen und Orte wider, aus denen sie hervorgehen. Beispielsweise könnte ein während des Krieges produzierter Film über den Zweiten Weltkrieg einem propagandistischen Zweck dienen, während ein Film aus der Nachkriegszeit mehr Nuancen und Komplexität bieten könnte, aber das ist nicht immer der Fall.
Vielleicht besteht das Hauptziel von Kriegsfilmen darin, dem Publikum die Intensität und Wirkung dieser Geschichten greifbar zu machen. Sam Fuller brachte es einmal auf den Punkt, als er sagte: „Das Ziel eines Kriegsfilms, unabhängig von seiner persönlichen oder emotionalen Natur, besteht darin, das Publikum Krieg erleben zu lassen.“ Die Filme, die es auf diese Liste der Schlüsselwerke des Genres geschafft haben, unterscheiden sich zwar erheblich, sind aber alle bestrebt, eine Perspektive auf den Krieg zu vermitteln. Dies können die Schützengräben des Ersten Weltkriegs sein, die Schlachtfelder der Bürgerkriegsmilizen oder die modernen Schlachtfelder der Kriege des 21. Jahrhunderts, die unser aktuelles Verständnis von Konflikten geprägt haben.
Diese Liste konzentriert sich hauptsächlich auf Kriegsfilme, die sich mit den Kriegserlebnissen des Soldaten befassen, und konzentriert sich nicht auf andere Aspekte wie die Rückkehr aus dem Krieg, das zivile Leben während des Krieges oder Geschichten, die weit vom Schlachtfeld entfernt spielen. Daher sind Filme wie „Coming Home“, „Die besten Jahre unseres Lebens“, „First Blood“, „Mrs. Miniver“, „Forbidden Games“, „Hope and Glory“ und „Casablanca“ nicht enthalten. Darüber hinaus sind Filme, die sich hauptsächlich mit dem Holocaust befassen, sowie Filme mit Genremischungen wie „Starship Troopers“ und „Aliens“, auch wenn sich letzterer auf den Vietnamkrieg bezieht, ausgeschlossen. Diese Einschränkung mag einige hervorragende Filme ausschließen, eröffnet aber die Möglichkeit, zahlreiche andere zu erkunden. Ein solcher Film ist ein während des Zweiten Weltkriegs produzierter Film, der die Moral stärken sollte, indem er die Geschichte einer Operation erzählte, deren Erfolg von Geheimhaltung, strenger Ausbildung und der Überwindung enormer Widrigkeiten abhing.
50.
Dreißig Sekunden über Tokio (1944)
In Kriegszeiten fehlt in Kriegsfilmen, die im selben Zeitraum entstanden sind, oft die Zeit zur Selbstbeobachtung. Obwohl Thirty Seconds Over Tokyo nicht ausschließlich dazu gedacht ist, die Moral während des Zweiten Weltkriegs zu stärken, erfüllt es sicherlich diesen Zweck, indem es die Geschichte des ersten japanischen Luftangriffs nach der Bombardierung von Pearl Harbor erzählt. Mutige Männer wagen sich in den Kampf, während Frauen ihre Trennung und Opfer mit Widerstandskraft ertragen. Jeder versteht, dass es einem höheren Zweck dient. Allerdings geht der von Mervyn LeRoy nach einem Drehbuch von Dalton Trumbo inszenierte Film über die Propaganda hinaus, indem er sich auf die Einzelheiten der Planung und die Folgen der Razzia konzentriert. LeRoy schildert den Angriff mit gruseligem Realismus, aber es ist die Zeit, die er mit der Crew unter der Leitung von Van Johnson verbringt, die den Film so besonders macht. (Es ist wichtig anzumerken, dass in „Thirty Seconds Over Tokyo“ häufig ein abfälliger Begriff gegenüber den Japanern verwendet wird, eine rassistische Beleidigung, die während des Krieges im pazifischen Raum häufig verwendet wurde und auf Filme übertragen wurde, die nach dem Krieg gedreht wurden.) (Streaming auf Tubi und MGM+.)
49.
Kriegspferd (2011)
In einer neuen Interpretation eines Romans von Steven Spielberg aus dem Jahr 1982, der in den 2000er Jahren als Theaterstück Popularität erlangte, verfolgen wir die Geschichte eines jungen Soldaten namens Albert (Jeremy Irvine) und seines Pferdes Joey, die während des Ersten Weltkriegs Europa durchqueren. Diese Reise setzt sie weder Ruhm noch Heldentum aus, sondern Grausamkeit, Absurdität und Schrecken. Trotz dieser düsteren Umstände entdeckt Albert inmitten des Gemetzels flüchtige Momente der Freundlichkeit und Hoffnung, was vor allem Joeys bemerkenswerter Widerstandskraft zu verdanken ist. Spielberg unterstreicht jedoch immer wieder die heikle Natur solcher Momente, da sie in einer Welt, die für Kreaturen mit Hufen und diejenigen, die sich um sie kümmern, hart sein kann, selten sind. (Sie können es auf Apple TV, Prime Video oder Google Play ausleihen.)
48.
Blitz (2024)
Mit seiner Anthologiereihe Small Axe aus dem Jahr 2020 bewies Regisseur Steve McQueen sein Talent für die Darstellung bedeutender Ereignisse in der britischen Geschichte, wobei der Schwerpunkt auf den Prüfungen von Minderheiten in diesen Zeiträumen lag. In gewisser Weise setzt der Film „Blitz“ dieses Thema fort und erzählt die Geschichte von Rita (Saoirse Ronan) und ihrem Sohn George (Elliott Heffernan). Genauer gesagt geht es in der Geschichte um Georges Bemühungen, seine Mutter zu finden, nachdem er aus einem Zug gesprungen war, um Londoner Kinder in Sicherheit zu bringen. George wurde als Sohn eines schwarzen Vaters geboren, der nach einer Auseinandersetzung um Selbstverteidigung deportiert wurde. Er begibt sich auf eine Reise, die auch als Rundreise durch eine Nation dient, die sich mit den konkurrierenden Drangs nach Einheit angesichts eines gemeinsamen Gegners und der anhaltenden Geschichte und Voreingenommenheit auseinandersetzt könnte diese Einheit zerstören. Gleichzeitig ist es eine fesselnde Abenteuergeschichte und eine erschütternde Erkundung einer Stadt am Rande des Ruins, in der Mitgefühl manchmal Mangelware ist. (Streambar auf Apple TV+).
47.
Mut unter Beschuss (1996)
Der erste Hollywood-Film über den Golfkrieg, der von Edward Zwick inszenierte „Courage Under Fire“, war auch einer der ersten, der sich mit dem damals aktuellen Thema der Frauen im Kampf auseinandersetzte. Aber es geht nicht in erster Linie um eines der beiden Dinge. Stattdessen untersucht dieses von Rashomon inspirierte Drama, was es braucht, um unter den schwierigsten Umständen, die man sich vorstellen kann, ehrenhaft zu handeln. Denzel Washington spielt Oberstleutnant Serling, der damit beauftragt ist, die Wahrheit über einen Vorfall aufzudecken, der dazu führen könnte, dass die verstorbene Kapitänin Karen Walden (gespielt in Rückblenden von Meg Ryan) die erste Frau wird, die eine Ehrenmedaille erhält. Je tiefer er jedoch in die Geschichte eintaucht, desto mehr Widersprüche stößt er auf – und kämpft gleichzeitig mit einem eigenen Geheimnis. Der Film funktioniert sowohl als Mysterium als auch als Charakterstudie, und Washingtons Auftritt vermittelt auf wunderbare Weise den unausgesprochenen Schmerz eines Mannes, dem klar wird, dass er die Last der Vergangenheit nie loswerden kann. (Verfügbar zum Ausleihen auf Apple TV, Prime Video und Google Play.)
46.
Overlord (1975)
In Stuart Coopers Film Overlord verweben wir frische, handlungsorientierte Sequenzen mit echtem Filmmaterial aus Dokumentarfilmen. Der Protagonist, ein zarter junger Soldat namens Tom (dargestellt von Brian Stirner), wird von seiner Rekrutierung zur D-Day-Invasion begleitet. Der Film strahlt eine Vorhersehung aus, denn Toms wiederkehrende Visionen seines Ablebens und die Dokumentationssequenzen geben ihm das Gefühl, eine Figur in einer Geschichte zu sein, die sich bereits abgespielt hat. Die einzigartige Mischung aus traumhaften Zwischenspielen und historischen Aufnahmen schafft eine Atmosphäre wie keine andere, da der Film den unzähligen während des Krieges verlorenen Leben Tribut zollt und um sie trauert, indem er sich auf das Leben eines Soldaten konzentriert. (Streamen auf Tubi und Pluto TV.)
45.
Sergeant York (1941)
Ein Film mit dem Titel „Howard Hawks’s Alvin York: Hero Duty Calls“, der während des Herannahens eines anderen Krieges veröffentlicht wurde, zeigt die Titelfigur (gespielt von Gary Cooper), wie sie sich von einem rauflustigen Hinterwäldler aus Tennessee zu einem selbstlosen Krieger entwickelt, der das Wohlergehen anderer über sein eigenes stellt . Während seines gesamten Militärdienstes kämpft York mit seiner Wut und seinen religiösen Überzeugungen, von denen er zunächst glaubt, dass sie ihm das Kämpfen verbieten. Die Darstellung der Armee im Film – sie als einfühlsame Organisation darzustellen, die sich dem Glück und Wohlergehen der Soldaten verschrieben hat und denen, die ihre Mission in Frage stellen, Zeit zur Selbstbeobachtung bietet – spiegelt möglicherweise nicht die Realität wider. Doch Coopers authentische Leistung und Hawks‘ gekonntes Geschichtenerzählen machen dies zu einem rührenden Bericht über die ethische Entwicklung eines Mannes. (Verfügbar zum Streamen auf Tubi.)
44.
Black Hawk Down (2001)
Die erschütternde Darstellung des katastrophalen Überfalls in Mogadischu im Jahr 1993, bei dem 19 amerikanische Soldaten ums Leben kamen, stieß nach dem 11. September auf große Resonanz und ist weiterhin ein Diskussionsthema hinsichtlich seiner politischen Auswirkungen. Technisch gesehen ist es ein beeindruckendes Werk, bei dem Regisseur Ridley Scott sein außergewöhnliches Können einsetzt, um die Intensität einzelner Momente zu vermitteln und sie zu einer umfassenden Erzählung zu verweben. Obwohl Scott nicht gerade für dokumentarischen Realismus bekannt ist, nutzt er dieses Talent hier, um ein Mosaik aus Fragmenten zu konstruieren, das in einer vollständigen Geschichte gipfelt. Einige Kritiker argumentieren, dass es den Kampf verherrlicht, doch jetzt scheint es eher um die Gefahren zu gehen, die entstehen, wenn man sich bei der Lösung der Probleme einer unruhigen Nation allein auf die militärische Macht der USA verlässt. (Streambar auf AMC+, Peacock und Tubi.)
43.
Der Zug (1964)
Basierend auf einer wahren Begebenheit folgt dieser Film von John Frankenheimer Burt Lancaster als Labiche, einem hartgesottenen französischen Widerstandskämpfer, der sich strategisch mit dem rücksichtslosen deutschen Oberst von Waldheim, dargestellt von Paul Scofield, auseinandersetzt. Von Waldheim ist ein Ästhet mit finsteren Absichten, eine wertvolle Kunstsammlung per Zug nach Deutschland zurückzutransportieren. Labiche setzt bei seiner Mission eine Mischung aus List und roher Kraft ein, und Frankenheimer baut gekonnt Spannung auf, während Labiches Entschlossenheit zunimmt. Die Spannung entsteht durch das mentale Schachspiel zwischen von Waldheim und Labiche, das sich während der gesamten Zugfahrt entfaltet, und auch durch Frankenheimers Schilderung, wie die Verwüstung des Krieges über das Schlachtfeld hinausgeht. Obwohl Labiche die Kunst verachtet, begreift er schließlich ihre Bedeutung für eine Nation, die danach strebt, ihre Identität zu bewahren. (Stream auf Tubi und Pluto TV.)
42.
Jarhead (2005)
Basierend auf Anthony Swoffords persönlichem Bericht über seinen Dienst bei den Marines während des Golfkriegs präsentiert Sam Mendes‘ Film Jarhead eine einzigartige Perspektive auf den Krieg. Im Gegensatz zu vielen Kriegsfilmen nehmen die Soldaten, darunter Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard und Jamie Foxx, nicht direkt am Kampf teil. Stattdessen erleben sie das Chaos und die Intensität des Krieges von der Peripherie aus, zunächst während ihres harten Trainings, dann in der fast traumhaften Wüstenlandschaft Kuwaits (wunderschön dargestellt durch die Kameraführung von Roger Deakins). Im Gegensatz zu anderen Kriegsfilmen, die sich auf den Kampf konzentrieren, geht Jarhead darauf ein, was es wirklich bedeutet, Soldat zu sein – von der Kameradschaft, die sich im Dienst entwickelt, bis hin zur seltsamen Trennung zwischen Militärleben und ziviler Existenz. (Jetzt auf Netflix ansehen.)
41.
Der letzte Mohikaner (1992)
Ich habe großen Respekt vor der Geschichte und habe eine tiefe Vorliebe für physische Materialien, was sich in Michael Manns düsterer Neuinterpretation von James Fenimore Coopers Meisterwerk „The Last of the Mohicans“ zeigt. In dieser fesselnden Produktion porträtiert Daniel Day-Lewis Hawkeye, den Adoptivsohn des Mohikanerhäuptlings Chingachgook, brillant gespielt von Russell Means. Mann, bekannt für seine akribische Herangehensweise an das Filmemachen, hat außergewöhnlich viel Recherche in dieses historische Stück gesteckt, das während des Franzosen- und Indianerkrieges spielt, einer Zeit, als die Schlachtfelder nicht weit von der Wildnis entfernt waren. Im Gegensatz zu seinen anderen Werken erlaubt Mann jedoch eine offene Zurschaustellung von Emotionen und eine großartige, mitreißende Kinematographie, Elemente, die man in seinem typischen Filmstil selten sieht.
40.
Hoffnung und Ruhm (1987)
John Boorman, sowohl Autor als auch Regisseur, stützte sich stark auf seine persönlichen Erfahrungen, als er inmitten des Zweiten Weltkriegs aufwuchs. Er bildete nicht nur die Londoner Straße nach, in der er seine Kindheit verbrachte, sondern blieb auch seinen eigenen Kriegserlebnissen treu. Als die Erwachsenen mit dem Ausbruch des Krieges und Schrecken wie dem Blitzschlag in England von Angst erfasst wurden, war es für Billy und seine Kollegen eine Zeit der Aufregung und Entdeckung. Boorman schildert meisterhaft die Reflexion eines Erwachsenen über die Vergangenheit und verdeutlicht gleichzeitig, warum es auf besondere Weise spannend wirken kann, in die Ruinen halb abgerissener Häuser einzutauchen oder die Schule zu schwänzen, um ältere Verwandte zu besuchen, die in sicherer Entfernung lebten. Das Leben geht weiter, auch inmitten von Tod und Verwüstung. (Stream auf Tubi.)
39.
Frohe Weihnachten, Mr. Lawrence (1983)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=F7-msZQak64
In dem Film „Merry Christmas, Mr. Lawrence“ unter der Regie von Nagisa Oshima, der sich nicht scheut, Debatten anzuregen, befasst sich die Erzählung mit den verborgenen Strömungen von Missbrauch, unterdrücktem Verlangen und Machtkämpfen in einem japanischen Kriegsgefangenenlager in Indonesien. Der britische Oberstleutnant John Lawrence (Tom Conti), der die Sprache beherrscht, versucht, einen Anschein von Höflichkeit zu bewahren, indem er sich mit dem launischen Sergeant Hara (Takeshi Kitano, damals als Komiker im japanischen Fernsehen weithin bekannt) beschäftigt. Die Ankunft des charmanten und scheinbar unbeeindruckten britischen Majors Jack Celliers (David Bowie) verschärft die ohnehin schon heikle Situation, insbesondere als sich herausstellt, dass Celliers den Lagerkommandanten in seinen Bann zieht. Ryuichi Sakamoto, der auch die Partitur komponiert, spielt diesen kommandierenden Offizier. Oshimas Arbeit deckt auf subtile Weise die in Kriegssituationen vorherrschende Unterströmung der Homoerotik auf und bietet Einblicke in zwei Kulturen, die solche Gefühle durch Verleugnung und Brutalität ausdrücken. Obwohl es einen Hoffnungsschimmer gibt, deutet Oshima an, dass es in solch kargen Landschaften möglicherweise Schwierigkeiten haben wird, zu gedeihen. (Dieser Film kann bei Prime Video ausgeliehen werden.)
38.
Lauf still, lauf tief (1958)
Im Mittelpunkt des Films Run Silent, Run Deep, bei dem Robert Wise Regie führte und der auf einem Bestseller-Roman basiert, steht ein einzigartiger Machtkampf. Die Geschichte dreht sich um die turbulente Reise einer US-U-Boot-Besatzung durch den Südpazifik. Clark Gable porträtiert Commander Richardson, einen Anführer, der nach dem Verlust seines vorherigen Schiffes und seiner Besatzung durch einen japanischen Zerstörer Groll hegt und möglicherweise den Wunsch nach dem Tod hegt. Ein Jahr später erhält Richardson Gelegenheit zur Vergeltung, allerdings nur, indem er das Kommando über ein U-Boot von seinem scheinbar nächsten Kommandanten, dem geliebten Oberstleutnant Bledsoe (Burt Lancaster), übernimmt. Trotz ihres professionellen Auftretens beginnt sich die Crew einzugewöhnen, während Richardson sie mit anstrengenden Übungen an ihre Grenzen bringt. Die Spannung eskaliert jedoch, als klar wird, dass Richardson über seine offiziellen Befehle hinaus auf Rache aus ist. Das U-Boot-Filmgenre steht für sich allein, und Wises Arbeit ist eine der besten. Sie schildert den intensiven Druck und die schwelende Feindseligkeit, die einem Job innewohnen, der bereits voller Gefahren ist – noch bevor Torpedos abgefeuert werden. Unentschlossenheit und widersprüchliche Loyalitäten können für alle an Bord den Tod bedeuten. (Streamen Sie auf Tubi und Pluto TV.))
37.
Drei Könige (1999)
David O. Russells Film mit dem Titel „Three Kings“ stellt zunächst eine humorvolle, aber düstere Raubgeschichte dar, in der es um drei Soldaten (George Clooney, Mark Wahlberg und Ice Cube) geht, die nach dem Mord mühelos Profit machen wollen Golfkrieg. Es entwickelt sich jedoch zu einer ergreifenden Erkundung des menschlichen Opfers und der anhaltenden Probleme, die sich aus diesem Konflikt ergeben, während das Trio in den Kampf von Flüchtlingen verwickelt wird, die versuchen, der Rache der irakischen Republikanischen Garde zu entkommen. Der Film spiegelt und hinterfragt gleichzeitig die Gefühle der Ära – er feiert einen schnellen, triumphalen Sieg am Golf – und lässt gleichzeitig das kommende Jahrhundert erahnen, in dem die Grenzen zwischen dem Nahen Osten und den Vereinigten Staaten verschwimmen würden. Zunächst geht es den Protagonisten darum, sich vom Konflikt fernzuhalten, ohne dass es zu Komplikationen kommt. Doch sie entdecken, dass ein solches Ergebnis unerreichbar ist. Der Film kann auf Plattformen wie (Apple TV, Prime Video und Google Play) gestreamt werden.
36.
Stalag 17 (1953)
Das Stück von Donald Bevan und Edmund Trzcinski, das auf ihren Kriegsgefangenenerfahrungen basiert, bietet Billy Wilder die Möglichkeit, einer Erzählung über den Zweiten Weltkrieg schwarzen Humor zu verleihen. Filme über Kriegsgefangene waren zunächst rar; Filme wie „Bridge on the River Kwai“ und „The Great Escape“ würden einige Zeit lang nicht veröffentlicht werden. Der Film beginnt mit einem vereitelten Fluchtversuch, und im Verlauf der Geschichte steigt die Spannung unter amerikanischen Kriegsgefangenen, die vermuten, dass sie einen Verräter in ihren Reihen haben. Der Fokus verlagert sich bald auf Sefton (William Holden), einen skeptischen Charakter, der den Schwarzmarkt im Lager kontrolliert und „Rennen“ mit Mäusen organisiert, die nach berühmten Rennpferden benannt sind. Trotz aller Anschuldigungen beteuert Sefton seine Unschuld und versucht, den tatsächlichen Informanten zu entlarven, während er gleichzeitig dem strengen Lagerkommandanten (Otto Preminger) entgegentritt. Wilder, der dafür bekannt ist, Sentimentalität und Jingoismus zu meiden, stellt die amerikanische Widerstandsfähigkeit gegen Unterdrückung gekonnt auf eine Weise dar, die zu seinem einzigartigen Stil passt. Der Film kann derzeit auf Tubi und Pluto TV gestreamt werden.
35.
Ritt mit dem Teufel (1999)
In der Verfilmung von Daniel Woodrells Roman „Woe to Live On“ aus dem Jahr 1999 mit dem Titel „Ride With the Devil“ von Ang Lee tauchen die Zuschauer in die turbulente Landschaft des Guerillakampfs im Bürgerkrieg ein. Der Film zeigt Tobey Maguire und Skeet Ulrich als Missouri Bushwhackers, die mit Union Jayhawkers aneinander geraten und sich dabei auf Konflikte einlassen, die nicht auf die Hauptkampflinien beschränkt sind. Dieser Krieg verwandelt sich in eine grausige Reise der Selbstfindung, die eine faszinierende Wendung nimmt, als sie einem ehemaligen Sklaven namens Holt (dargestellt von Jeffrey Wright) begegnen. Der Film befasst sich nicht tief mit seinem historischen Kontext, der 1999 von einigen kritisiert wurde und möglicherweise dazu beigetragen hat, dass der Film vom Publikum übersehen wurde. Diese Mehrdeutigkeit steht jedoch im Einklang mit dem zentralen Thema der Erzählung: den komplexen Motiven, die uns in den Krieg treiben, und den einfacheren Gründen, warum wir versuchen, seinen Schrecken zu entkommen. Der Film kann jetzt auf Apple TV, Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.
34.
Che (2008)
Steven Soderberghs zweiteiliger Film mit dem Titel „Che“ ist sowohl ein biografisches Drama als auch ein Kriegsfilm und schildert das Leben des Revolutionärs Che Guevara (gespielt von Benicio del Toro). Der Film beschreibt detailliert seine Rolle in der erfolgreichen kubanischen Revolution und seinen erfolglosen Versuch einer weiteren Revolution in Bolivien. Soderbergh verleiht jedem Teil einen einzigartigen ästhetischen und filmischen Ansatz und bietet einen komplexen Einblick in die Guerillakriegsführung – ihre Triumphe wie auch ihre Misserfolge. Der intensive Straßenkampf in der ersten Hälfte geht in den Aufruhr und die Enttäuschung der zweiten Hälfte über. Benicio del Toros fesselnde Darstellung verleiht der Figur Tiefe und geht über das stereotype Bild von Revolutionären auf T-Shirts hinaus. Der Film ist jetzt zum Streamen auf AMC+ verfügbar.
33.
Die Geschichte von G.I. Joe (1945)
Ernie Pyle, ein Journalist, gewann 1944 den Pulitzer-Preis für seine aus erster Hand verfassten Berichte über den Zweiten Weltkrieg, die er aus der Sicht eines durchschnittlichen Soldaten verfasste. Der Film „The Story of G.I. Joe“ von William Wellman, der nach Pyles Tod während der Schlacht von Okinawa veröffentlicht wurde, zeigt Burgess Meredith als Pyle. In diesem Film schließt sich Pyle der 18. Infanterie an und schließt Freundschaften mit Soldaten auf dem Schlachtfeld, wie etwa Robert Mitchum, der für seine Rolle als Kommandant, der darum kämpft, die emotionale Belastung seiner Position zu verbergen, als bester Nebendarsteller nominiert wurde. Wellmans Regie ist für seine Erfahrung sowohl mit Kampfhandlungen als auch mit Filmen darüber bekannt. Er spiegelt Pyles geradlinigen Stil wider und würdigt die dargestellten Soldaten, indem er ihnen erlaubt, sich authentisch auszudrücken. (Streamen Sie auf Prime Video, Pluto TV, The Roku Channel und Tubi.)
32.
Der Hirschjäger (1978)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=3Gqit3zVmyc
Seit seinem Debüt ist „The Deer Hunter“ von Michael Cimino wegen seiner rohen und fast überwältigenden Darstellung des Vietnamkriegs ein Thema für Debatten, ein Thema, das zu dieser Zeit in Mainstream-Filmen noch relativ unerforscht war. Der Film zeigt Robert De Niro, Christopher Walken, John Savage und John Cazale als eine Gruppe polnischer Amerikaner aus dem Pennsylvania Rust Belt, deren Leben durch die Auswirkungen des Krieges erheblich verändert wird. Kritiker haben Bedenken hinsichtlich der Darstellung der Vietnamesen und der anschaulichen Szenen des russischen Roulettes im Film geäußert, aber es ist die Darstellung der amerikanischen Kleinstadt, die diesen Film wirklich ausmacht. Die lange Hochzeitsszene zu Beginn des Films bringt auf wunderbare Weise ein Gefühl von Wärme und Tradition zum Ausdruck, das am Ende des Films leider verblasst und scheinbar von der Zeit im Ausland verschluckt wird. (Verfügbar zum Streamen auf Netflix.)
31.
Da 5 Bloods (2020)
„Erforschung der amerikanischen kulturellen Dominanz und der Reise schwarzer Soldaten in Vietnam, dargestellt von Spike Lee in „Da 5 Bloods“ – Eine Filmkritik.“
30.
Sie waren entbehrlich (1945)
Obwohl der Schauspieler John Wayne nicht persönlich beim Militär diente, hatten die Macher des Films „They Were Expendable“ Erfahrungen mit dem Zweiten Weltkrieg, was sich im düsteren, aber dennoch engagierten Ton des Films widerspiegelt. Die Geschichte handelt von zwei Marinemännern, dargestellt von John Wayne und Robert Montgomery, die darum kämpfen, ihre Vorgesetzten davon zu überzeugen, dass kleine, wendige PT-Boote entscheidend für Schlachten sind, von denen andere glauben, dass sie von größeren Schiffen gewonnen werden. Der Film spielt in den frühen Tagen Amerikas im Zweiten Weltkrieg, als ein Misserfolg dem anderen folgte. Er unterstreicht die tragischen Opferzahlen des Krieges, die Abwertung des Soldatenlebens als bloßes Werkzeug und das ständige Bewusstsein dieser Realität unter den Soldaten. Bemerkenswerterweise bezieht sich „sie“ im Titel nicht nur auf Boote, sondern auch auf die dienenden Soldaten. (Der Film kann auf Apple TV, Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.)
29.
Von hier in die Ewigkeit (1953)
James Jones‘ Roman „From Here to Eternity“ aus dem Jahr 1951, der teilweise auf seinen persönlichen Dienst in der Armee in Hawaii vor dem Angriff auf Pearl Harbor zurückgeht, erregte Aufsehen mit seiner offenen Darstellung des Militärlebens, in dem er es oft kritisierte und lobte gleiches Maß. In ähnlicher Weise löste Fred Zinnemanns Verfilmung sowohl Kontroversen als auch Beifall aus, weil sie Missbrauch, außereheliche Affären und alkoholbedingte Auszeit deutlich schilderte – ganz anders als die idealisierten Porträts des amerikanischen Militärs während des Krieges. Montgomery Clift spielt einen moralisch aufrichtigen Hornisten, der Misshandlungen erleidet, weil er sich weigert, dem Boxteam des Lagers beizutreten, während Burt Lancaster einen müden Sergeant spielt, dessen Affäre mit der Frau seines befehlshabenden Offiziers (Deborah Kerr) seine Karriere gefährdet. Der Film zeigt eine vielfältige Besetzung komplexer Charaktere, darunter Donna Reed, Ernest Borgnine und Frank Sinatra. Wie Kerr wurde auch Reed gegen den Typus gecastet, was ihr einen Oscar als beste Nebendarstellerin einbrachte. Sinatra gewann den entsprechenden Preis für seine Darstellung eines selbstzerstörerischen Privatmanns, eine von sieben Auszeichnungen, die der Film erhielt, darunter „Bester Film“ und „Beste Regie“. Die leidenschaftliche Strandszene von Lancaster und Kerr ebnete den Weg für explizitere sexuelle Darstellungen in Hollywood-Filmen, während ihre Auszeichnungen zeigten, dass Amerika wieder einmal bereit war, seine Soldaten als fehlerhafte Individuen zu betrachten. (Verfügbar zum Ausleihen auf Apple TV, Prime Video und Google Play.)
28.
Paisan (1946)
Von 1945 bis 1946 produzierte der italienische Filmemacher Roberto Rossellini drei Filme, die unterschiedliche Aspekte des Zweiten Weltkriegs darstellten: „Rom“, „Offene Stadt“ und „Deutschland im ersten Jahr“. Diesen an sich herausragenden Filmen folgte „Paisan“, der den italienischen Feldzug anhand von sechs vor Ort gedrehten episodischen Erzählungen aufzeichnet. Rossellini wurde kurz nach den dargestellten Ereignissen gedreht und nutzte seinen neorealistischen Stil mit großer Wirkung, indem er professionelle und nicht-professionelle Schauspieler mischte, um die Härten und die groteske Realität des Krieges sowohl für Kombattanten als auch für Zivilisten darzustellen. Um die Auswirkungen des Krieges auf Italien (und später auf Deutschland) darzustellen, brauchte Rossellini lediglich eine Kamera und begann zu filmen. Ein Großteil von „Paisan“ wurde von der Besetzung vor Ort improvisiert, was zu einem rohen, authentischen Gefühl führte. Sie können es auf Max streamen.
27.
Gallipoli (1981)
Peter Weirs Titel Gallipoli ist nach der langwierigen, gewalttätigen Schlacht um die Gallipoli-Halbinsel im Ersten Weltkrieg benannt und scheint zunächst eine Fehlbezeichnung zu sein. Der Film berührt Gallipoli kaum bis spät in die Erzählung, und Kampfsequenzen sind bis zu den Schlussszenen rar. Die Wirkung des Films beruht jedoch größtenteils auf Weirs allmählicher Annäherung an einen brutalen Höhepunkt, der die Odyssee zweier unterschiedlicher junger Männer (Mark Lee und Mel Gibson) aufzeichnet – beginnend in ihren Häusern in Westaustralien, über die Rekrutierung und Ausbildung inmitten der Pyramiden Ägyptens bis hin zum Höhepunkt an den Stränden von Gallipoli. Während dieser Reise stoßen sie auf zunehmende Zweifel darüber, warum Australier Krieg führen sollten, da der Film die Sinnlosigkeit und Verwüstung eines jeden Krieges sowie das gebrochene Versprechen von Leben, das sich auf dem Schlachtfeld in bloße Opfer verwandelt, darzustellen versucht. (Kann auf Apple TV, Prime Video und ausgeliehen werden Google Play.)
26.
Der Stahlhelm (1951)
Der Koreakrieg, der gelegentlich als „übersehener Krieg“ bezeichnet wird, war nur die Quelle einiger amerikanischer Filme, von denen viele während seiner laufenden Periode produziert wurden. Sam Fuller führte bei zwei bemerkenswerten Filmen Regie: „Fixed Bajonett!“ und „The Steel Helmet“, in beiden spielte Gene Evans die Hauptrolle. In „The Steel Helmet“ spielt er Sergeant Zack, einen ergrauten Veteranen, der genug von jungen Offizieren und allen anderen hat, die ihn behindern könnten. Nachdem er sich mit einem kleinen koreanischen Jungen angefreundet hat, den er „Short Round“ nennt, findet sich Zack in einem buddhistischen Tempel gefangen, zusammen mit einer kleinen Gruppe Soldaten, denen möglicherweise die Kraft fehlt, den vorrückenden Feind abzuwehren. Unter Nutzung der beengten Umgebung und eines knappen Budgets schafft Fuller eine psychologisch fesselnde Erzählung, die sich mit der Widerstandsfähigkeit jedes einzelnen Charakters inmitten seiner misslichen Lage befasst. Dazu gehören afroamerikanische und japanisch-amerikanische Soldaten, die von einem nordkoreanischen Gefangenen wegen der Ungereimtheiten ihres Landes kritisiert werden. Für Fuller bedeutete echter Patriotismus, die Unvollkommenheiten des eigenen Landes auch in Konfliktzeiten anzuerkennen. (Ausleihbar auf Apple TV und Prime Video.)
25.
1917 (2019)
Basierend auf den Kriegsanekdoten seines Großvaters verfasste Sam Mendes eine Erzählung über den Ersten Weltkrieg, in deren Mittelpunkt zwei britische Gefreite, George McKay und Dean Charles-Chapman, stehen. Ihnen wird die Aufgabe übertragen, einen geplanten Angriff durch die Übermittlung einer Nachricht zu stoppen. Diese Reise entfaltet sich zu einer eintägigen Erkundung der harten Realitäten des Ersten Weltkriegs, mit Szenen wie dem Durchqueren feindlicher Schützengräben, der Interaktion mit einem abgestürzten Piloten, der Begegnung mit Zivilisten, die in einem vom Krieg heimgesuchten Gebiet gefangen sind, und schließlich einem heftigen Angriff über das Schlachtfeld . Die gesamte Sequenz wird in einer fortlaufenden Einstellung gefilmt, was zu einem intensiven und oft nervenaufreibenden Erlebnis führt. Jede Szene ist eine ergreifende Erinnerung an das brutale Chaos und den Schrecken des Krieges und an die unzähligen Einzelleben, die allzu oft übersehen werden, wenn es sich bei den Opferzahlen lediglich um Statistiken handelt. (Sie können es auf Netflix ansehen.)
24.
Patton (1970)
George S. Patton, ein berühmter General im Zweiten Weltkrieg, vertrat die ungewöhnliche Überzeugung, dass er unter anderem die wiedergeborene Verkörperung von Soldaten aus dem Römischen Reich und der Ära Napoleons sei. Dieser und andere Glaube verschafften ihm in den Augen seiner Mitmenschen ein exzentrisches Bild. Es spiegelte jedoch auch die Denkweise eines Mannes wider, der sich vor allem als Soldat identifizierte und sich keine andere Rolle vorstellen konnte. Das von Edmund H. North und Francis Ford Coppola gemeinsam geschriebene epische Biopic „Patton“ unter der Regie von Franklin J. Schaffner konzentriert sich hauptsächlich auf Pattons Erlebnisse im Zweiten Weltkrieg. Allein dieser Zeitraum reichte mehr als aus, um einen Film zu schaffen, der ein vielschichtiges, teilweise harsches Porträt des aggressiven Generals bietet. Seine Schlachtsiege in Nordafrika, Sizilien und anderen Regionen wurden oft von diplomatischen Fehlern, einem aufgeblähten Ego und Vorfällen von Misshandlungen überschattet, wie zum Beispiel der Prügel gegen Soldaten, die er für Feiglinge hielt. Der Film fasst zwei solcher Vorfälle zu einem zusammen, erspart Patton jedoch nicht die Kritik, sodass George C. Scotts kraftvolle Darstellung die komplexe Natur eines Soldaten einfängt, bei dem Ruhm und Hässlichkeit oft miteinander verflochten waren. Der Film kann auf Apple TV, Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.
23.
Die Schlacht von Algier (1966)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=Wd5Pz8KJeU4
„Die Schlacht von Algier“ von Gillo Pontecorvo wurde vor Ort und mit Laienschauspielern gedreht und schildert den Kampf zwischen den algerischen Rebellen und der französischen Regierung während des Algerienkrieges. Der Film fängt eine dokumentarische Authentizität ein, aber seine Hingabe an den Realismus geht über seine Ästhetik hinaus. Pontecorvo schildert anschaulich die brutalen Taktiken beider Seiten, von Folter bis hin zu Bombenanschlägen auf Zivilisten. Trotz seines Anspruchs auf Objektivität tendiert der Film leicht zur kolonisierten Perspektive und präsentiert eine erschreckende Darstellung, in der jede Eskalation dazu führt, dass mehr Unschuldige ihr Leben verlieren und jeder Sieg mit einem hohen Preis einhergeht. (Streaming auf Max.)
22.
Zug (1986)
In dem von Oliver Stone inszenierten Film „Platoon“ tritt Armeegefreiter Chris Taylor (gespielt von Charlie Sheen) aus Patriotismus dem Militär bei, muss sich aber schnell mit den komplexen moralischen Dilemmata auseinandersetzen, die mit dem Krieg einhergehen. Aufgrund seiner intensiven Kampfsequenzen und der sorgfältigen Darstellung des Lebens während des Vietnamkriegs erhielt der Film viel Lob von der Kritik und zahlreiche Auszeichnungen, darunter für den besten Film und die beste Regie. Stone schildert meisterhaft einen fast opernhaften Kampf um Chris‘ Seele zwischen dem rücksichtslosen Sergeant Barnes (Tom Berenger) und dem einfühlsameren Sergeant Grodin (Willem Dafoe). Der Film zeichnet sich besonders dadurch aus, dass er die verschwommene moralische Landschaft eines Krieges schildert, in dem der Druck der Kommandeure und das Überlebensbedürfnis die Unterscheidung zwischen richtig und falsch erschweren können. Sie können „Platoon“ auf MGM+, Pluto TV, The Roku Channel und Tubi streamen.
21.
Das schmutzige Dutzend (1967)
Mitte der 1960er Jahre waren die meisten amerikanischen Filme über den Zweiten Weltkrieg eher konventionell geworden. Es gab jedoch Ausnahmen wie „The Great Escape“, und eine davon war Robert Aldrichs „The Dirty Dozen“. Dieser Film, der sich durch Gewalt und gute Laune auszeichnet, fängt die Essenz dieser Ära ein. Ein talentiertes Ensemble, darunter Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Telly Savalas, Donald Sutherland und Lee Marvin, porträtierte eine Gruppe von Militärsträflingen, die vor dem D-Day mit einer äußerst riskanten Mission hinter den feindlichen Linien beauftragt wurden. In den ersten Akten des Films geraten die Charaktere aneinander und bilden schließlich ein Team. Das düstere Finale führt jedoch zu einer erheblichen Zahl an Todesopfern und einigen brutalen Gewalttaten, die alles andere als heroisch sind. Krieg kann wie ein Spiel wirken, bis das Töten beginnt. (Der Film kann auf Apple TV, Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.)
20.
Briefe von Iwo Jima (2006)
In einer anderen Sicht auf die Schlacht von Iwo Jima und ihre Folgen befasste sich Clint Eastwood mit seinem Film „Letters From Iwo Jima“ mit der Perspektive der japanischen Soldaten. Dieses Begleitstück zu „Flags of Our Fathers“ zeigt den intensiven Kampf der japanischen Truppen, die von ihren Tunneln aus kämpften, ihnen die Vorräte ausgingen und sie einer Krankheit erlagen. Es sind jedoch die persönlichen Beziehungen, die insbesondere zu einem Privatmann und einem General (dargestellt von Kazunari Ninomiya und Ken Watanabe) entstehen, die den Film zutiefst bewegend machen. Am Ende des Films erhalten die Zuschauer Einblicke in die Gründe, die diese Männer zu diesem schicksalhaften Moment führten – von denen, die von der Ehre getrieben wurden, bis zu denen, die an die Befehle ihrer Regierung gebunden waren. Diese menschlichen Darstellungen beleuchten einen der entscheidenden Momente des Krieges und machen ihn zu einem unvergesslichen Erlebnis (jetzt auf Paramount+ streamen).
19.
An der Westfront ist es ruhig (1930)
Lewis Milestones Film, der auf Erich Maria Remarques gefeiertem Roman basiert, schildert die Strapazen einer Gruppe deutscher Schüler, die zunächst durch die nationalistische Rhetorik eines Lehrers dazu motiviert wurden, am Ersten Weltkrieg teilzunehmen. Nach kurzen Triumphphasen stürzen sie sich in die Schrecken des Krieges selbst. „Milestone“ veranschaulicht meisterhaft das zermürbende Leben eines Soldaten im Ersten Weltkrieg, in dem Nahrungsknappheit, unerbittliche Explosionen, die den Schlaf behindern, und sogar kleinere Verletzungen tödlich sein können. Die lebendigen Kampfsequenzen des Films nutzen wirkungsvoll den Ton, eine neuartige filmische Technik, die Milestone nutzt, um ein beeindruckendes Seherlebnis zu schaffen. (Einige schauspielerische Leistungen scheinen jedoch nicht vollständig an das Zeitalter des Tons angepasst zu sein.) Obwohl der Film aus der Sicht deutscher Soldaten erzählt wird, dient er eher als Kommentar zum Krieg selbst als zu den militärischen Strategien einer einzelnen Nation. Dies führt zu einem ergreifenden Finale, das die Tragödie, eine ganze Generation in den Kampf zu schicken, und den unersetzlichen Verlust, wenn sie nicht zurückkommt, auf den Punkt bringt. Als Gewinner des Preises für den besten Film ist sein Einfluss – von den intensiven Kampfszenen bis hin zur Botschaft, dass Krieg der Natur widerspricht – in fast jedem nachfolgenden Kriegsfilm offensichtlich. (Sie können es auf Tubi ansehen.)
18.
Full Metal Jacket (1987)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=sOpuEhyAq5U
In Stanley Kubricks Vietnamkriegsfilm „Full Metal Jacket“ erhält der erste Abschnitt oft mehr Anerkennung als der zweite, aber beide Hälften sind miteinander verbunden und präsentieren zwei Teile einer einheitlichen Erzählung. Der erste Teil konzentriert sich auf J.T. „Joker“ Davis (Matthew Modine), während er sich einer brutalen militärischen Ausbildung unterzieht, einem Prozess, der darauf abzielt, rohe Rekruten in tödliche Maschinen zu verwandeln – es sei denn, sie zerfallen dabei, wie in Vincent D’Onofrios „Private Pyle“. In der zweiten Hälfte kämpft Joker darum, seine Menschlichkeit inmitten des Chaos und der Brutalität des Krieges zu bewahren. Kubrick schildert eine albtraumhafte Landschaft aus Gewalt und Orientierungslosigkeit, in der fragile Emotionen und Verbindungen kaum Bestand haben. D’Onofrios Auftritt strahlt das Gefühl einer innerlich untergegangenen Seele aus. Dieses Thema wird im zweiten Teil durch die vietnamesischen Prostituierten widergespiegelt, die in ihren Begehrensbekundungen nicht überzeugend wirken und bei der Ausübung ihres Gewerbes scheinbar keine echte Leidenschaft empfinden. Letztendlich sind selbst diejenigen, die den Krieg überlebt haben, oft auf irgendeine Weise geistig entleert. (Stream auf Tubi.)
17.
Die große Flucht (1963)
Auf den Spuren zahlreicher gefeierter Filme über den Zweiten Weltkrieg porträtiert John Sturges‘ Meisterwerk „The Great Escape“ ein deutsches Kriegsgefangenenlager voller James Garner, Richard Attenborough, Charles Bronson, Donald Pleasence, James Coburn und der ikonische Steve McQueen als widerstandsfähige alliierte Gefangene, die eine gewagte Flucht anstreben. Jeder Charakter bringt einzigartige Talente in diese Mission ein, die Sturges in präzisen, komplizierten Details präsentiert. McQueen verkörpert den rebellischen Geist, der in den 60er-Jahren aufflammen sollte, und verleiht ihm einen Hauch von Unbeschwertheit und Spannung, der an einen cleveren Raubüberfallfilm erinnert. Doch im weiteren Verlauf der Geschichte erinnert uns ein brutales Finale grimmig daran, dass wir die ganze Zeit einen Kriegsfilm gesehen haben. (Streamen Sie auf Prime Video, Pluto TV, The Roku Channel und Tubi.)
16.
Die Brücke am Kwai (1957)
Auf der Liste stehen mehrere Gewinner des Besten Films, darunter „Die Brücke am Kwai“ von David Lean, der Auszeichnungen für die Beste Regie, den Besten Hauptdarsteller (Alec Guinness) und das Beste adaptierte Drehbuch erhielt. Allerdings erhielten Michael Wilson und Carl Foreman, die auf der schwarzen Liste stehenden Autoren, erst spätere Anerkennung. Die Akademie tendiert dazu, Kriegsfilme wegen ihrer Größe und Spektakel zu bevorzugen und gewichtige Themen anzusprechen. „Die Brücke am Kwai“ verkörpert diese Elemente, zeichnet sich jedoch durch die intime Darstellung einiger Charaktere aus, darunter Sessue Hayakawa, William Holden, Alec Guinness und andere. Dieser aus widersprüchlichen Kulturen entstandene Film zeigt die Reaktion jeder Figur auf ihre Erfahrungen in einem japanischen Gefangenenlager in Burma unterschiedlich. Doch keiner ist faszinierender als Colonel Nicholson von Alec Guinness, der den Bau der Titelbrücke als einen Test für die britische Widerstandsfähigkeit betrachtet. Der Film stellt seine Besessenheit sowohl als bewundernswertes Symbol des Nationalgeistes als auch als kriegsbedingten Wahnsinn dar, dessen Komplexität bis zum Ende verstrickt bleibt. (Verfügbar zum Ausleihen auf Apple TV, Prime Video und Google Play.)
15.
Glockenspiel um Mitternacht (1965)
Orson Welles‘ lang erwartete (und schwer zu fassende) Adaption von Shakespeares Stücken rund um den ausschweifenden Charakter John Falstaff ist aus zwei wichtigen Gründen ein Kriegsfilm, den man unbedingt gesehen haben muss. Mit einem äußerst knappen Budget gelang es Welles meisterhaft, die Illusion großartiger Kampfszenen zu schaffen, die die rohe Intensität mittelalterlicher Kriegsführung perfekt einfingen. Es ist jedoch auch ein Film, der die ernüchternden Auswirkungen von Krieg und Pflicht auf unsere menschliche Natur untersucht.
14.
Inglourious Basterds (2009)
Quentin Tarantinos umfangreicher, vernetzter Film „Inglourious Basterds“ ist ein Film über den Zweiten Weltkrieg, der auf der Fülle der vor ihm produzierten Kriegsfilme aufbaut und die Macht der Fiktion anerkennt, Geschichte neu zu definieren. Die Erzählung stellt zunächst eine antagonistische Beziehung zwischen dem rücksichtslosen, aber charmanten SS-Oberst Hans Landa (Christoph Waltz) und einer Gruppe jüdisch-amerikanischer Soldaten unter der Führung von Leutnant Aldo Raine (Brad Pitt) dar. Während sich die Geschichte in Paris ihrem Höhepunkt nähert, untersucht Tarantino Themen, die von den rassistischen Untertönen in „King Kong“ über die Auswirkungen der Propaganda bis hin zu den verschiedenen Darstellungen des Zweiten Weltkriegs in verschiedenen Epochen und Genres von Kriegsfilmen reichen. Schließlich entpuppt sich „Inglourious Basterds“ als eine Rachegeschichte im großen historischen Maßstab. Der Film ist sowohl humorvoll als auch gewagt, hat jedoch unterschwellig einen melancholischen und verlustreichen Unterton, der vor allem auf Mélanie Laurents bewegende Darstellung der einsamen Überlebenden in der Eröffnungsszene zurückzuführen ist, in der Landa nach einer versteckten jüdischen Familie sucht. Dies ist eine eindringliche Erinnerung daran, dass Filme die Geschichte zwar umschreiben und eine Chance auf Rache bieten können, sie aber nicht wirklich rückgängig machen können. (Stream auf Paramount+.)
13.
Das Boot (1981)
Der Film „Das Boot“, basierend auf einem berühmten deutschen Roman von Lothar-Günther Buchheim, schildert das Leben auf einem U-Boot aus dem Zweiten Weltkrieg. Jürgen Prochnow spielt den Kapitän, einen erfahrenen, aber desillusionierten Anführer, der Pflicht und Kameradschaft über seine persönliche Abneigung gegen Hitler, den Nationalsozialismus und den andauernden Krieg stellt. Der Titel „The Boat“ spiegelt die Themen des Films wider. Die ersten Szenen verdeutlichen die Intensität der Kriegszeit, doch bald verlagert sich die Erzählung auf die einzigartigen Herausforderungen des Lebens unter Wasser, wo die Besatzung sowohl Monotonie als auch Terror sowie immer unangenehmere Bedingungen erlebt. Regisseur Wolfgang Petersen nutzt meisterhaft enge Räume, die Geräusche von Unterwasserschlachten und die kraftvollen Darbietungen einer erschöpften Besetzung, um eine authentische und kritische Darstellung des U-Boot-Lebens inmitten des Krieges zu schaffen. (Der Film kann bei Amazon Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.)
12.
Die burmesische Harfe (1956)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=x1ChSdFyxnk
Obwohl Kon Ishikawa The Burmese Harp und Fires on the Plain nicht absichtlich als Paar geschaffen hat, ergänzen sie sich aufgrund ihres gemeinsamen Themas japanischer Soldaten während des Zweiten Weltkriegs gut wenn sie zusammen gezeigt werden. Es wird empfohlen, sich „Fires on the Plain“ vorher anzusehen, um ein allzu deprimierendes Ende zu vermeiden. Der Protagonist Tamura (gespielt von Eiji Funakoshi) betritt die Geschichte, leidet bereits an Tuberkulose und stellt fest, dass sich seine Situation verschlechtert, während er eine trostlose, vom Krieg zerrüttete Landschaft voller Leichen, Mittelloser und Hungernder durchquert. Ishikawa stellt den Krieg als einen nicht enden wollenden Ansturm der Brutalität dar, und zwar in einer Erzählung, in der das Überleben oft weniger wünschenswert erscheint als der Tod. The Burmese Harp wurde drei Jahre zuvor produziert und bietet Hoffnungsschimmer inmitten der Düsternis, indem es die Geschichte eines japanischen Soldaten (Shoji Yasui) erzählt, der ein höheres Ziel entdeckt, als er sich als Mönch verkleidet, um zu überleben. Obwohl der Film den Krieg nicht beschönigt, zeigt er auch das Potenzial für spirituelle Erleuchtung und die zaghaften Bindungen, die sich zwischen Kriegsgegnern bilden könnten, wenn sie im Frieden eine gemeinsame Basis finden. Diese Anzeichen von Optimismus deuten darauf hin, dass sich Hoffnung breit machen könnte und dass der Krieg eines Tages ein Ende haben könnte.
11.
Dünkirchen (2017)
Christopher Nolans kühne Darstellung der Evakuierung von Dünkirchen, einer entmutigenden Niederlage im Jahr 1940, die die deutschen Streitkräfte verstärkte, versucht, das gesamte Ausmaß des Ereignisses zusammenzufassen, indem er es in drei miteinander verwobenen Zeitlinien gleichzeitig darstellt. Eine Erzählung, die sich auf auf See gestrandete Soldaten konzentriert, erstreckt sich über eine Woche. Ein zweiter Film, der die Geschichte von Zivilisten erzählt, die lossegeln, um diese Soldaten zu retten, spielt sich über die Zeitspanne eines einzigen Tages ab. Schließlich dauert ein Bericht über einen Luftlandepiloten, der den Strand angriff, nur eine Stunde. Anstatt eine komplexe intellektuelle Übung zu sein, baut es gekonnt Spannung in drei Dimensionen auf. Der kraftvolle Höhepunkt und die ergreifende Auflösung vermitteln den tief empfundenen Geist einer Nation, die inmitten schlimmer Umstände nach Hoffnungsschimmern sucht. (Stream auf BritBox.)
10.
Der verletzte Spind (2008)
Das Publikum zeigte sich im Allgemeinen zurückhaltend gegenüber Filmen rund um den Irak-Krieg, möglicherweise aufgrund der anhaltenden politischen Debatte seit seiner Darstellung in Filmen (und ist auch heute noch ein umstrittenes Thema). Eine Ausnahme von diesem Trend bildet jedoch Kathryn Bigelows von der Kritik gefeierter Film „The Hurt Locker“, der bei den Oscars sowohl den Preis für den besten Film als auch für die beste Regie gewann. Im Gegensatz zu anderen Filmen zu diesem Thema scheut er die Politik des Konflikts nicht, sondern befasst sich stattdessen mit den erschütternden Erfahrungen eines Kampfmittelbeseitigungsteams unter der Leitung von William James (dargestellt von Jeremy Renner). Bigelow fängt meisterhaft den hohen Stressfaktor eines Berufs ein, bei dem eine falsche Bewegung zum Tod führt, und wie diese intensive Erfahrung andere Lebensformen unvorstellbar erscheinen lässt. (Streamen Sie auf Paramount+ und Pluto TV.)
9.
Der große Rote (1980)
Vor seiner Tätigkeit als Regisseur hatte Sam Fuller eine vielfältige Karriere als Kriminalreporter, Romanautor, Drehbuchautor und Soldat. Er ließ seine Erfahrungen aus dem Zweiten Weltkrieg in viele seiner Filme einfließen, insbesondere in die Produktion dieses umfangreichen Kriegsfilms mit dem Titel „The Big Red One“. Zunächst versuchte er in den 1950er Jahren, es zu verfilmen, war jedoch erfolglos. Mit der Zeit schien es unwahrscheinlich, dass das Projekt jemals verwirklicht werden würde, doch Fuller ließ sich nicht beirren. Er ist dafür bekannt, mit minimalen Budgets zu arbeiten, und produzierte eine kriegsübergreifende Geschichte, die in Nordafrika, Italien, dem D-Day und einem tschechischen Konzentrationslager spielt, ohne Israel zu verlassen. Robert Carradine, Mark Hamill und Lee Marvin spielten in dem Film die Hauptrollen, wobei Marvin einen Veteranen beider Weltkriege verkörperte. Fuller inszenierte den Krieg kreativ im Rahmen seines Budgets und nutzte insbesondere während der Normandie-Sequenz eine Uhr. Die Begrenztheit seiner Ressourcen hat den Film letztendlich bereichert, indem er sich auf die Erfahrungen der Soldaten beim Durchqueren von Kontinenten konzentrierte und schließlich den Kern des Konflikts erreichte. Während der gesamten Produktion schilderte Fuller die Verwüstungen, die der Krieg sowohl bei Soldaten als auch bei Zivilisten anrichtete, und zeigte gleichzeitig, warum Kämpfe manchmal notwendig sind. Der Film ist ab sofort auf „Apple TV“, „Prime Video“ und „Google Play“ zum Ausleihen verfügbar.
8.
Kommen Sie und sehen Sie (1985)
Der fesselnde Film „Come and See“ des russischen Filmemachers Elem Klimov beginnt damit, dass ein weißrussischer Teenager namens Flyora (Aleksey Kravchenko) vorgibt, ein Soldat zu sein, während er und ein Begleiter in einem Schützengraben nach Waffen suchen. Dies ruft scheinbar einen Krieg in seinem Dorf hervor, der zunächst als Partisanenmiliz auftritt, die ihn für den Kampf gegen die deutschen Angreifer rekrutiert, gefolgt von den Deutschen selbst, die nicht nur als Eroberer, sondern als freudige Peiniger ohne Rücksicht auf menschliches Leben eintreffen. Eine Abschlusskarte enthüllt, dass 628 belarussische Dörfer zusammen mit ihrer gesamten Bevölkerung während des Krieges vernichtet wurden und dass Klimov gemeinsam mit Ales Adamovich das Drehbuch schrieb und ein Buch adaptierte, das auf Adamovichs Erfahrungen in einer belarussischen Miliz basiert. Um diesen Horror darzustellen, verwendet Klimov eine mobile Kamera und reichlich Steadicam, bewegt sich durch eine trostlose, immer düstere Landschaft und zeigt ein beunruhigendes Ereignis nach dem anderen. Im Laufe des Films wird Flyoras Gesicht zu einem Diagramm des Traumas (das Kravchenko teilweise im Alter von 13 Jahren unter Hypnose erreichte). Es bietet eine erschreckende Darstellung der verlorenen Unschuld, die auf unerschütterlichen Nachstellungen der Gräueltaten des Zweiten Weltkriegs basiert. Dennoch ist es auch faszinierend – eine filmische Reise durch die Hölle voller surrealer Bilder (wie etwa eines Nazi-Offiziers mit einem Lemuren auf der Schulter) und Szenen überwältigenden Chaos. Es schildert meisterhaft die dunkelsten Aspekte des Krieges auf eine Weise, die uns daran hindert, uns abzuwenden. (Leihbar auf Apple TV, Prime Video und Google Play .)
7.
Das Leben und der Tod von Colonel Blimp (1943)
Die Figur des Karikaturisten David Low, Colonel Blimp, erschien erstmals 1934 im Evening Standard und symbolisierte mit seiner betagten, walrossbärtigen, dickbäuchigen Figur veraltete und berührungslose britische Militärs einer bestimmten Art. Der während des Zweiten Weltkriegs erschienene Film The Life and Death of Colonel Blimp unter der Regie von Michael Powell und Emeric Pressburger bietet eine Entstehungsgeschichte dieser Figur und verteidigt gleichzeitig vor allem seine historische Bedeutung und seinen Einfluss auf die Gestaltung des Nationalstaats Identität. Roger Livesey porträtiert Clive Candy, einen lebenslangen britischen Soldaten, der zunächst eine Kriegsübung verliert, weil sein Gegner gegen die Regeln verstößt. Anschließend führt uns der Film zurück in Candys jüngere Jahre, als Regeln noch die Norm waren. Es zeichnet sein Leben vom Versuch, der deutschen Propaganda um die Jahrhundertwende entgegenzuwirken, bis hin zu den darauffolgenden Höhen und Tiefen auf. Unterwegs verliebt er sich in eine Reihe von Frauen, gespielt von Deborah Kerr, und freundet sich mit einem deutschen Offizier (Anton Walbrook) an, dessen Ansichten sich je nach den Umständen seines Landes weiterentwickeln. Es kombiniert Humor und Melancholie und bietet einen aufschlussreichen Blick auf die sich verändernden Zeiten, die Candys Kampfstrategien überholt haben. Doch es feiert auch seine Verkörperung der besten Eigenschaften Englands – einer Gesellschaft, die Höflichkeit und Fairplay auch im Kampf schätzt – eine Vision, die gezwungen ist, sich an die Anforderungen eines Gegners anzupassen, der in solchen Prinzipien keinen Wert sieht. (Streamen auf Max, Pluto TV und Tubi.)
6.
Apokalypse jetzt (1979)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=30QzJKCUekQ
Francis Ford Coppolas Film „Apocalypse Now“ ist eine Neuinterpretation von Joseph Conrads „Heart of Darkness“ vor dem Hintergrund des intensiven Vietnamkrieges. In dieser Adaption porträtiert Martin Sheen Captain Willard, einen Spezialeinheitssoldaten, der die Aufgabe hat, die Karriere von Colonel Kurtz (Marlon Brando) zu beenden, einem verrückten und tyrannischen Anführer, der ein Lager tief im feindlichen Gebiet befehligt. Auf seiner gefährlichen Reise trifft Willard auf verschiedene Charaktere, darunter einen Helikopterkommandanten (Robert Duvall), der Krieg und Surfen liebt, USO-Darsteller (einschließlich Playboy Playmates), deren Anwesenheit Willard an den Rand des Wahnsinns zu treiben scheint, und Einheimische, die im Chaos gefangen sind des Krieges. Die 2001 und 2019 erschienenen Langfassungen enthalten zusätzliche Sequenzen, darunter eine Plantagenszene, die die Verbindung zwischen dem Film und Conrads Buch sowie die kolonialistischen Ursprünge des Vietnamkrieges verstärkt.
Apollona (Coppola) stand während des Filmemachens vor zahlreichen Herausforderungen, Kämpfe, die so heftig waren, dass sie als Grundlage für den Dokumentarfilm Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse dienten. Auch wenn dieser Aufruhr vielleicht nicht unbedingt notwendig war, um das Gefühl einer außer Kontrolle geratenen Welt zu vermitteln, so verstärkte er doch die Wirkung. Martin Sheen porträtiert Willard als einen Mann, der ständig am Rande des Wahnsinns steht, der seine Umgebung durchdringt, eine Umgebung, die immer unverständlicher und bösartiger wird, je näher er Kurtz kommt. Coppolas Film ist beunruhigend und verwirrend. Er verwendet Vietnam als Hintergrund, um den Wahnsinn darzustellen, der jeder Kriegsführung innewohnt, und deutet die Möglichkeit an, dass Krieg eine Manifestation eines angeborenen Übels in der Menschheit selbst sein könnte. (Stream auf Plex).
5.
Der Soldat James Ryan (1998)
Während wir uns der Wende zum 21. Jahrhundert nähern, wurde viel über die Ereignisse in der Mitte des 20. Jahrhunderts nachgedacht, mit besonderem Schwerpunkt auf dem Zweiten Weltkrieg. Der Lauf der Zeit hat die schreckliche Natur dieses Konflikts nicht getrübt, der wie ein Kampf um die Existenz des Planeten wirkte und an mehreren kritischen Punkten schwankte – ein Beispiel dafür war die D-Day-Invasion in der Normandie. Steven Spielbergs Film „Saving Private Ryan“ beginnt mit einer gruseligen Nachbildung dieser Invasion und bietet eine rohe, blutige Perspektive aus der Sicht der Soldaten am Boden. (Wenn ein Film den Krieg einfach dadurch beenden könnte, dass er die Schrecken der Schlacht darstellt, hätte diese Szene allein den Weltfrieden gebracht.) Diese bemerkenswerte Eröffnungssequenz stellt oft den Film selbst in den Schatten, der gekonnt die Nöte einiger Soldaten unter dem Kommando von Tom Hanks‘ widerstandsfähigem Captain schildert Müller. Die Erzählung bietet eine unromantisierte und unsentimentale Darstellung von Kriegserlebnissen, geht offen auf die Realitäten der Kriegsführung ein und stellt sogar die Mission der Gruppe in Frage – die Jagd nach einem einzelnen Soldaten, um seine Mutter davor zu bewahren, alle vier Söhne im Kampf zu verlieren –, die eher wie eine Öffentlichkeitsarbeit wirkt Aufwand als eine strategische Operation. Obwohl er die Bedeutung des Kampfes nicht in Frage stellt, ist der Film letztendlich eine kraftvolle Hommage an diejenigen, die ihr Leben geopfert haben, um die Welt, in der wir heute leben, zu schützen. (Stream auf Paramount+ und Pluto TV.)
4.
Große Illusion (1937)
Als leidenschaftlicher Bewunderer möchte ich meine Gedanken zu Jean Renoirs Meisterwerk „Grand Illusion“ mitteilen. Dieser Film, der während des Ersten Weltkriegs spielt und die komplexe Beziehung zwischen französischen Kriegsgefangenen und ihren deutschen Häschern schildert, stieß auf heftigen Widerstand. Bemerkenswert ist, dass Joseph Goebbels, eine Schlüsselfigur im nationalsozialistischen Deutschland, den Film als „filmischen Staatsfeind Nr. 1“ bezeichnete, weil seine Kritik am Ersten Weltkrieg ein schlechtes Licht auf das Deutschland wirft, das den Zweiten Weltkrieg auslöste.
3.
Die dünne rote Linie (1998)
Terrence Malicks Verfilmung von James Jones‘ Roman „The Thin Red Line“ aus dem Jahr 1962 erfuhr auf seinem Weg auf die Leinwand erhebliche Veränderungen. Dies war Malicks erster Film seit zwei Jahrzehnten und er zog sowohl etablierte als auch aufstrebende Schauspieler an, von denen einige ihre Rollen entweder geschmälert oder ganz aus der endgültigen Fassung entfernt sahen. Es gibt eine alternative Version des Films, in der Bill Pullman, Mickey Rourke, Lukas Haas und Adrien Brody in bedeutenden Rollen anstelle kurzer Auftritte zu sehen sind. Malicks Redakteure, die für die Versionen des Films der Criterion Collection interviewt wurden, erklären seine Entscheidungen am besten. Anstatt sich auf die Entwicklung der Handlung zu konzentrieren, kürzte Malick den Film, um ihn an die Voice-Overs anzupassen. Diese Voice-Overs, kombiniert mit atemberaubenden Bildern von Szenen aus dem Pazifikkrieg, bieten poetische Einblicke in die Kriegserlebnisse der Charaktere und den Verlust ihrer Unschuld, den sie ertragen mussten. Als Malick zum Filmemachen zurückkehrte, bewies er, dass er seine einzigartige Fähigkeit, Ehrfurcht einzuflößen, meisterhaft beherrscht, aber bei der Darstellung einer Art irdischer Hölle nutzte er diese Fähigkeit auf beunruhigende Weise. Nach Malicks Ansicht verdirbt der Krieg alles, was er berührt, von den Teilnehmern über die Umstehenden bis hin zum Land selbst. Für ihn ist Krieg ein entsetzlicher Akt der Missachtung der Schöpfung. (Der Film kann auf Apple TV, Prime Video und Google Play ausgeliehen werden.)
2.
Wege des Ruhms (1957)
Wenn man den Filmklassiker „Paths of Glory“ betrachtet, muss man sich unbedingt an Truffauts Bemerkung in der Chicago Tribune aus dem Jahr 1973 erinnern, dass selbst Antikriegsfilme manchmal den Krieg verherrlichen können. Stanley Kubricks Adaption von Humphrey Cobbs Roman über den Ersten Weltkrieg aus dem Jahr 1957 kommt dieser Falle am nächsten. Der Film schildert anschaulich die zermürbende Realität des Stellungskrieges und kritisiert die Kriegshandlung selbst. Im gesamten Film befehlen Offiziere ihren Soldaten den sicheren Tod in einer Schlacht, von der sie wissen, dass sie sie nicht gewinnen können, ein Soldat verrät einen anderen zum Zweck der Vertuschung und Selbstaufopferung wird nicht als edle Tugend dargestellt, sondern als etwas, das nur wegen seines militärischen Nutzens geschätzt wird. Der Film präsentiert Heldentum vor allem als die Entschlossenheit von Colonel Dax (gespielt von Kirk Douglas), die Korruption und Ungerechtigkeit der Hinrichtung von drei Männern wegen Feigheit aufzudecken.
Stanley Kubrick lässt das Publikum meisterhaft in die düstere Realität des Stellungskrieges eintauchen und befreit Operationen und Konflikte von jeglicher Romantik. Was bleibt, ist die spürbare Angst. Doch es ist sein Talent, den menschlichen Tribut darzustellen – von den zum Scheitern verurteilten Soldaten, von Dax und denen, die sich der Verantwortung entziehen –, die diesen Film so gruselig macht, während er sich einem atemberaubenden Höhepunkt nähert. Das Finale beinhaltet eine ergreifende Interpretation eines deutschen Liedes, gesungen von einer Schauspielerin namens Susanne Christian (später bekannt als Christiane Kubrick, nachdem sie den Regisseur geheiratet hatte), was sowohl für die Sängerin als auch für die Zuschauer einen Moment der Empathie und Verletzlichkeit schafft. Während des Liedes verschwinden für kurze Zeit alle Unterschiede. Dann geht der Krieg erneut los. (Stream auf Pluto TV und Tubi.)
1.
Ran (1985)
https://youtube.com/watch?v=watch?v=YwP_kXyd-Rw
Als Akira Kurosawa mit der Erschaffung von Ran begann, erkannte er darin seine letzte Chance, einen starken Eindruck zu hinterlassen. Im Laufe der Jahre war er bei der Finanzierung jeder Art von Film auf zahlreiche Hürden gestoßen, ganz zu schweigen von einem großen Epos wie diesem, das schließlich zum damals teuersten japanischen Film werden sollte. Sein Sehvermögen verschlechterte sich und das Gespenst der Sterblichkeit lauerte ständig auf. Tragischerweise verlor er während der Produktion des Films seine langjährige Frau. Deshalb steckte er seine ganze Energie in den Film und verknüpfte Elemente aus William Shakespeares „König Lear“ mit einer Erzählung, die vom Leben des Feudalherrschers Mori Motonari aus dem 16. Jahrhundert inspiriert war. In dieser Adaption porträtiert Tatsuya Nakadai Ichimonji Hidetora, einen alternden Daimyō, der sein Königreich unter seinen drei Söhnen aufteilen möchte. Ein Sohn verachtet den Vorschlag als dumm, während die anderen beiden durch ihre rücksichtslosen Taten, die Hidetoras brutale Herrschaft widerspiegeln, einen Krieg im Land entfachen.
In einer bemerkenswerten Mischung aus Erhabenheit und Intimität schildert der Film mit dem Titel „Ran“, was „Chaos“ bedeutet, sowohl kolossale als auch winzige Erzählungen. Regisseur Kurosawa setzte riesige Armeen von Statisten ein und verbrannte umfangreiche Sets, um den Aufruhr anschaulich darzustellen. Allein aus technischer Sicht gehört er zu den großartigsten Kriegsfilmen aller Zeiten. Doch es geht nicht nur um den epischen Kampf; Es befasst sich mit der herzzerreißenden Geschichte des tragischen Ablebens eines Mannes und seiner eindringlichen Selbstbeobachtung und Reue.
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2024-11-22 23:58