Das könnte das Ehrgeizigste und Wahnsinnigste sein, was Joe Wright je getan hat

von

Als Filmliebhaber, der die Entwicklung des Kinos über Jahrzehnte hinweg miterlebt hat, kann ich die Gefühle dieses geschätzten Regisseurs voll und ganz nachvollziehen. Die Kunst des Geschichtenerzählens ist eine Reise, die ständiges Wachstum und Anpassungsfähigkeit erfordert, ähnlich wie der Handwerker, der seine Fähigkeiten verfeinert.

Regisseur Joe Wright war nach einem Postproduktionsausflug zu seinem Debütfilm „Pride & Prejudice“ (2005) zunächst von Italien fasziniert und hegte schon lange den Traum, einen Film in diesem Land zu drehen. Dieser Wunsch ging mit dem Musical „Cyrano“ 2022 in Erfüllung. Doch Produzent Lorenzo Mieli machte einen kühnen Vorschlag: „M. Son of the Century“, eine Miniserie auf Italienisch, die den Aufstieg des faschistischen Diktators Benito Mussolini schildert. Die Idee weckte Wrights Interesse nicht nur aufgrund seiner Besorgnis über das weltweite Wiederaufleben rechtsextremer Bewegungen, sondern auch als Gelegenheit, das italienische Kino zu würdigen, eine Leidenschaft, die ihm am Herzen liegt.

Die achtteilige Miniserie, die kürzlich ohne US-Verleih auf den Filmfestspielen von Venedig und Toronto gezeigt wurde, stellt eines von Wrights bislang ehrgeizigsten und exzentrischsten Projekten dar. Adaptiert nach Antonio Scuratis Roman „M.“ aus dem Jahr 2018. Diese Produktion ist ein Sohn des Jahrhunderts und strotzt nur so vor komplizierten, hektischen und rhythmischen Szenen, die typisch für Wrights Stil sind. Szenen verdrehen sich, Hintergrundprojektionen dominieren und faschistische Kundgebungen verwandeln sich in Tanzpartys. In einem Fall vollführt Mussolini (dargestellt vom charismatischen italienischen Schauspieler Luca Marinelli) einen Bühnentauchgang als Akt triumphaler Ausgelassenheit. Die Serie verbindet einen rohen, unmittelbaren Realismus mit kühnen formalen Risiken, die an Abstraktion grenzen; es zieht uns an und stößt uns gleichzeitig ab. Dieses heikle Gleichgewicht erfordert, dass Wright eine bewusst veraltete Ästhetik verwendet, um die Macht des Faschismus darzustellen und gleichzeitig seine Brutalität unbeirrt darzustellen. Wie der Regisseur erklärt: „Wir möchten das Publikum herausfordern, eine kritische Distanz zu wahren und über seine eigenen Reaktionen auf Mussolini und seine Anziehungskraft nachzudenken, um zu begreifen, dass wir alle die Wahl haben.“

Da Sie eine ganze Fernsehserie auf Italienisch erstellt haben, bin ich neugierig auf Ihre Sprachkenntnisse. Lassen Sie es mich so sagen: Mein Italienisch ist … nun, sagen wir mal, es lässt Raum für Verbesserungen! Die Schönheit der italienischen Sprache liegt jedoch in ihrer Ausdruckskraft. Selbst wenn mein Verständnis begrenzt ist, kann ich oft anhand des Tonfalls und der Gesten eines Schauspielers die Wahrheit oder Emotion hinter dem, was er sagt, erkennen. Wenn ich das mit britischen Schauspielern versucht hätte, die in ihrer Darbietung weniger ausdrucksstark sind, wäre es vielleicht eine größere Herausforderung gewesen. Und sicherlich wäre es bei amerikanischen Schauspielern, deren Leistungen stark von der Psychoanalyse beeinflusst werden können, eine ganz andere Erfahrung gewesen.

Angesichts der Tatsache, dass die Geschichte der Italiener bis in die Commedia dell’arte zurückreicht, eine Form, die sowohl in der körperlichen als auch in der musikalischen Darbietung tief verwurzelt ist, schien dies machbar. Ich hatte die englische Übersetzung und das italienische Originalskript direkt nebeneinander. Und ich erinnerte mich an Danny Boyles Regie bei „Slumdog Millionaire“, bei der ein erheblicher Teil auf Hindi gedreht wurde. Das brachte mich zum Nachdenken: Wenn er das auf Hindi hinbekommt, dann schaffe ich es vielleicht auch auf Italienisch.

Ich habe die Theorie, dass dort eine eher physische Tradition des Filmschauspiels entstanden ist, weil die Dialoge im italienischen Kino so lange postsynchronisiert waren. Den Schauspielern war klar, dass ihre Lieferungen nicht zwangsläufig zum fertigen Produkt führen würden, daher konzentrierten sie sich mehr auf die physischen Aspekte ihrer Darbietung.  
Ich denke, das funktioniert auch aufgrund einer Tradition, die weit zurückreicht. Viele der großen italienischen Schauspieler kommen aus Neapel. Warst du schon in Neapel? Die ganze Stadt ist ein Theater. Es ist so performativ. Es ist so ausdrucksstark. Ich denke, das ist wahrscheinlich der Grund. Es ist eher eine süditalienische als eine norditalienische Sache.

Was hat Sie dazu bewogen, an „M. Sohn des Jahrhunderts‘?

Ich hatte das Vergnügen, mit dem bemerkenswerten italienischen Schauspieler Luca Marinelli zusammenzuarbeiten, der zweifellos einer der besten Schauspieler seiner Generation ist, wenn nicht sogar der absolut beste. Sein Talent liegt in seiner Fähigkeit, sich vollständig in jede Figur, die er spielt, zu verwandeln. Bei unserem Projekt verließ er sich nicht auf Prothesen; Stattdessen rasierte er sich den Kopf, trug Kontaktlinsen und führte sogar zwei kleine Röhrchen in seine Nasenlöcher ein, um das Aussehen seiner Nase subtil zu verändern. Die Verwandlung war so überzeugend, dass selbst seine eigene Mutter ihn am Set nicht erkannte! Lucas starke Vorstellungskraft fesselt das Publikum und lässt es glauben, Zeuge einer historischen Persönlichkeit wie Mussolini zu sein. Der Zweck des Filmemachens besteht meiner Meinung nach darin, die Vorstellungskraft des Publikums anzuregen und zu stärken und seine Fähigkeit zu fördern, sich eine bessere Welt vorzustellen – nicht unbedingt Empathie, da dies potenziell schädlich sein kann. Stattdessen wollen wir die Fantasie des Publikums anregen, um es dazu zu inspirieren, sich eine bessere Zukunft vorzustellen.

Fanden Sie das Buch genauso unkonventionell wie Ihre Arbeit? Auch wenn ihm das gleiche Maß an Humor fehlt, ist es recht komplex und kombiniert verschiedene Elemente wie Zeitungsartikel, Briefe und sogar fiktive Szenen. Diese Stilmischung hatte einen erheblichen Einfluss auf das Gesamtbild und die Haptik des Stücks. Im Wesentlichen schien die Präsentation des Romans seine einzigartige Struktur perfekt einzufangen, indem er verschiedene Elemente wie Schwarzweiß- und Farbabschnitte, direkte Ansprachen und fast musikalische Sequenzen einbezog.

Es scheint, dass Sie diesem Stück eine einzigartige Note verliehen haben, sodass es sich wie Ihr eigenes Werk anfühlt. Sie erwähnen, dass grundlegende Elemente vorhanden waren, aber die Frage ist, wo die Grenze gezogen werden soll. Ich gehe davon aus, dass Mussolinis Bühnentauchen nicht Teil des Buches ist, aber aufgrund seiner energischen und dynamischen Natur scheint es für eines Ihrer Projekte passend zu sein.

Sie beschreiten einen faszinierenden und heiklen Weg in der Produktion, die wir als Film bezeichnen, aber technisch gesehen handelt es sich tatsächlich um eine TV-Show.

In unserer Darstellung wollten wir Mussolinis fesselnde Persönlichkeit und Energie einfangen, doch es ist wichtig anzuerkennen, dass er kein Mensch war, den man von Natur aus liebenswert finden würde. Angesichts des historischen Kontexts und seines zukünftigen Handelns war dies offensichtlich. Obwohl wir über einen längeren Zeitraum mit einer so komplexen Figur verbracht haben, bestand unsere Herausforderung darin, dieses Gleichgewicht aufrechtzuerhalten. Für uns war es wichtig, Mussolini als Mensch zu betrachten, nicht als Karikatur oder Feind. Wir wollten ihn nicht entmenschlichen, sondern vielmehr seine Komplexität, Fehler und Stärken verstehen und darstellen, wie es auch jeder andere Mensch tun könnte. Auf diese Weise könnten wir der Falle entgehen, ihn als „anderen“ zu bezeichnen, was uns oft erlauben kann, uns von den schwierigen Aspekten seines Charakters und seiner Handlungen zu distanzieren.

Eine mögliche Möglichkeit, den gegebenen Text natürlicher und leichter lesbar umzuformulieren, ist:

Aus meiner Sicht ist der Rhythmus der grundlegende Aspekt des Filmemachens. Wenn ich eine Szene oder Bühne entwerfe, berücksichtige ich ständig den rhythmischen Ablauf. Ich glaube, dass ich bei diesem speziellen Projekt eine faszinierende Harmonie entdeckt habe. Rhythmus kann das Publikum auf subtile Weise zu Gefühlen wie Euphorie oder Ekstase führen und es dann genauso effektiv in einen plötzlichen, rhythmischen Abstieg versetzen. Diese Technik ist stark von meiner Leidenschaft für DJs und der fesselnden House-Musik der 90er Jahre beeinflusst. Kürzlich sah ich mir einen Film an und fragte mich: „Wo ist der Höhepunkt?“ oder genauer: „Wo ist der Beat Drop?“ Es ist, als würde man ein Stück Schicht für Schicht aufbauen, nur um am Ende das explosive Finale – diesen Höhepunkt – zu wollen, der gleichbedeutend mit House-Musik und Techno ist. Dieser Augenblick ist pure Glückseligkeit.

Als Anhänger beflügele ich es nicht einfach; Stattdessen habe ich mich im Vorfeld umfassend vorbereitet. Bei einem 127-Tage-Shooting wird die Planung zu einer besonderen Herausforderung. Jeden Morgen wache ich zwei Stunden bevor ich das Hotel verlasse, trinke eine starke Tasse Kaffee und erstelle eine Shot-Liste. Es geht darum, die Szene in meinem Kopf zu visualisieren und aufzuschreiben, was ich sehe, was ich morgens mache, da ich einem Traumzustand näher bin als nachts. Dies muss unmittelbar nach dem Aufwachen erfolgen, um Selbstverurteilung zu vermeiden und im Grenzbereich zwischen unbewusstem und bewusstem Denken zu bleiben. Ideen finde ich aber auch am Set, indem ich mich an Vorschläge von Schauspielern oder Änderungen aufgrund der Lichtverhältnisse anpasse. Bei der Planung geht es vor allem darum, meine Angst, an diesem Tag nicht inspiriert zu sein, zu überwinden und ein Sicherheitsnetz für den Fall zu schaffen, dass Inspiration zuschlägt.

Haben sich Ihre Fähigkeiten im Filmemachen im Laufe der Zeit verbessert, weil Sie mehr Filme gemacht haben? Ja, ich habe mehr Selbstvertrauen in meine Fähigkeiten gewonnen, aber auch meine Kunst entwickelt und verbessert sich wie ein erfahrener Handwerker weiter. Meine Kunst ist meine Inspirationsquelle und sie erinnert mich ständig an ihre Überlegenheit und treibt mich zu ständiger Selbstverbesserung an. In diesem speziellen Fall war es für mich eine große Befriedigung, meine Fähigkeiten einzusetzen, um zu etwas Größerem und Bedeutenderem beizutragen – einem Aufschrei gegen die rechtsextreme Ideologie. Ich halte dieses Anliegen für viel wichtiger als mich selbst.

Apropos Bedeutung: Fühlt es sich so an, als lebten wir in einer Zeit, in der manche Menschen zu viel Angst davor haben, etwas über abscheuliche Menschen zu machen oder zu konsumieren? Ich gehe davon aus, dass es Leute geben wird, die sagen: „Oh mein Gott, warum solltest du eine Show über Mussolini machen?“
Die einzige schlechte Kritik, die wir in Italien hatten, war eine rechtsextreme Zeitung, in der es hieß: „ Warum sollten Sie eine Show über Mussolini machen?“ Und sie sagten, dass sich die Politik aus dem Fernsehen fernhalten sollte. Ich finde, dass Hollywood unglaublich unpolitisch geworden ist. Ich denke, es ist wichtig, die Kontrolle über die Erzählung zu übernehmen, und wir als Geschichtenerzähler haben die Verantwortung, dies zu tun. Ich behaupte keineswegs, dass ein Stück Fernsehen unbedingt die Welt verändern kann, aber wir können unseren Teil dazu beitragen. Denn in Italien und der Welt wird seit 75 Jahren eine falsche Erzählung verbreitet. In Italien trifft man Leute auf der Straße, Taxifahrer oder wen auch immer, und sie werden sagen: „Nun, Mussolini war in Ordnung.“ Mussolini hat viel Gutes für das Land getan, aber dann hat er sich diesem faulen Apfel Hitler angeschlossen, und das war eine große Schande. Aber bis dahin war er großartig.“ Es ist eine falsche Erzählung! Das ist nicht wahr, und wir müssen diesen falschen Narrativen entgegenwirken.

In Hollywood kann es politischen Erzählungen aufgrund ihrer Vorhersehbarkeit manchmal an Tiefe und Überraschung mangeln. Im Film „M“ scheut sich der Schöpfer jedoch nicht, den Charme Mussolinis darzustellen und den Zuschauer dazu einzuladen, seine Anziehungskraft zu erfassen, was der Handlung Komplexität verleiht. Ich glaube, dass es wichtig ist, in Diskussionen Nuancen zu berücksichtigen, da es irreführend sein kann, Dinge als rein gut oder schlecht zu kategorisieren. Darüber hinaus halte ich es für wichtig, das Verständnis des Publikums nicht zu unterschätzen, denn es handelt sich im Allgemeinen um intelligente und einfühlsame Menschen.

Als Anhänger muss ich gestehen, dass „Cyrano“ einer meiner am meisten geschätzten Filme war, als er auf die Leinwand kam, doch sein vorzeitiges Ende in den Kinos hinterließ eine beunruhigende Lücke. Musicals aus derselben Zeit, darunter die legendäre „West Side Story“, fanden nicht den Anklang, den sie hätten haben sollen. In diesen modernen Zeiten scheint innerhalb der Branche ein Paradoxon im Spiel zu sein – eine Fülle von Musicals gepaart mit einem Schleier der Geheimhaltung, der ihre Identität verbirgt. Der aktuelle Stand des Genres ist wirklich eigenartig.

Long after the silent era ended in Hollywood, Cinecittà movies were still being shot without sound and Italian filmmakers were adding dialogue in post-production.

Weiterlesen

2024-09-18 19:57