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Im dritten Teil der HBO-Dokumentarserie „Chimp Crazy“ kämpft Regisseur Eric Goode mit einem moralischen Dilemma. Tonia Haddix, eines seiner Hauptthemen, hatte einen Schimpansen namens Tonka ein ganzes Jahr lang heimlich in ihrem Keller versteckt und die Menschen über seinen Tod getäuscht. Selbst während einer Gerichtsverhandlung behauptete sie unter Tränen, dass der Affe nicht mehr lebe. Allerdings hat Goode kürzlich herausgefunden, dass Haddix beabsichtigt, Tonka aus Stressgründen einzuschläfern. Dies lässt ihn fragen, ob er eingreifen und Maßnahmen ergreifen soll.

Sie haben sehnsüchtig darauf gewartet, und hier ist es: Die lang erwartete Neuauflage von „Bob und Carol und Ted und Alice“, jetzt präsentiert von Pasek und Paul, Emmy, Grammy, Oscar- und Tony-Gewinner! Benj Pasek und Justin Paul haben ihrem EGOT kürzlich ein E mit einem Creative Arts Emmy für das Lied „Which of the Pickwick Triplets Did It?“ hinzugefügt. aus „Only Murders in the Building“ Staffel 3. Der Wettbewerb um herausragende Originalmusik und -texte war hart, wobei die häufige Creative Arts Emmy-Gewinnerin Maya Rudolph für ihren Muttertagsmonolog bei Saturday Night Live nominiert wurde , sowie das oft übersehene „Girls5Eva“.

Während wir uns der Halbzeit dessen nähern, was das letzte Kapitel der Industrie zu sein scheint, sind meine Gefühle tief. Die Lumi-Saga ist zu Ende, Harper kommandiert nun Leviathan Alpha und die Serie scheint sich langsam ihrem Höhepunkt zu nähern. Da Charles Hanani immer noch nirgends zu finden ist, bin ich damit beschäftigt, dieses Geheimnis zu lüften. Yasmin, Harper, Robert und Eric sind alle bereit für ihren nächsten großen Schritt, und ich bin mehr als bereit, ihn mitzuerleben. Ich stehe als Zuschauer da, entschlossen und unbeirrt!

Es ist klar geworden, dass die letzte Staffel von Snowpiercer ihren Science-Fiction-Ton gegen einen postapokalyptischen Western eingetauscht hat. New Eden ist die archetypische Grenzstadt, in der die Menschen trotz aller Schwierigkeiten zusammenkommen, um dieses kleine Stück vom Himmel zu errichten, und die Internationalen Friedenstruppen sind die Armee von Schurken, die mit dem Zug in die Stadt kommen, um Chaos anzurichten und alles zu zerstören. In der vorletzten Folge wird nun das Endspiel der Serie vorgestellt, bei dem die gesamte Stadt New Eden zusammenkommt, um ihr Zuhause im High Noon-Stil gegen die Invasionsarmee zu verteidigen. Es ist die Ruhe vor dem Sturm, eine süße Episode herzlicher Wiedersehen und Gespräche über die Vorbereitung auf das Schlimmste, aber nach der spannenden Episode der letzten Woche ist dies eine kleine Enttäuschung, die die Dinge erheblich verlangsamt.

Einfacher ausgedrückt vermitteln diese fantastischen animierten Familienfilme nicht nur fesselnde Erzählungen, sondern visualisieren die Geschichten auch auf kreative Weise auf eine Weise, die unsere Kreativität anregt. Das Medium bietet immense Freiheiten, daher erscheint es als unnötige Verschwendung, ja sogar als Fehler, es nur zum Geschichtenerzählen zu nutzen, ohne sein künstlerisches Potenzial auszuschöpfen. Chris Sanders‘ Adaption von „The Wild Robot“ aus Peter Browns Kinderbuch hat eine vertraute Prämisse und eine herzerwärmende Geschichte, die beruhigend wirkt. Bei näherer Betrachtung offenbart der Film jedoch ein völlig neues Universum, das darauf wartet, erkundet zu werden, ganz so, als würde man ein Gemälde bewundern.

Marielle Hellers neuester Film mit dem Titel „Nightbitch“ gleicht teilweise einer dokumentarischen Erzählung. In der Hauptrolle spielt Amy Adams eine Mutter, die sich mit wachsender elterlicher Verantwortung und Desillusionierung gegenüber der Welt, die sie zurückgelassen hat, auseinandersetzt und sich nach und nach in die Gestalt eines Hundes verwandelt. Der hochgelobte Roman reicht von der Satire bis zum Märchen, einer magisch-realistischen Fabel, einer Horrorgeschichte und vielem mehr. In dem Film präsentiert Adams ihre Metamorphose mit einer Mischung aus Gewissheit und Ungewissheit und bietet zuweilen philosophische Einblicke in die kosmische Ironie, eine Frau zu sein, die ihre Träume für die Mutterschaft aufgegeben hat, und fragt sich gleichzeitig, ob sie eine schlechte Mutter ist, weil sie solche Sorgen hat.

Ron Howards Ruf als erfahrener Hollywood-Regisseur, der dafür bekannt ist, ausgefeilte, hochwertige Filme zu schaffen, verschleierte oft seine wahren Talente – sein Talent, überlebensgroße Charaktere zusammenzubringen und eine faszinierende Dynamik zwischen ihnen zu erzeugen. Dies zeigt sich in vielen seiner Filme wie „The Missing“, „The Dilemma“, „Frost/Nixon“, „Night Shift“, auch solche, die auf Dan Browns Romanen basieren. In Wahrheit funktionieren einige dieser Filme eher wie Buddy-Filme, auch wenn dies nicht immer offensichtlich ist. Dieser Ansatz spiegelt sich auch in seinen Adaptionen wahrer Geschichten wider, darunter „Apollo 13“, „Cinderella Man“, „Thirteen Lives“ und sogar „Hillbilly Elegy“. Die Realität oder deren Illusion dienten als Hintergrund für seine Faszination für außergewöhnliche Individuen. Ebenso lieferte sein raffinierter, ausgefeilter Filmstil eine stabile Grundlage – er konstruierte solide, ausgewogene Erzählungen rund um Charaktere, die die Geschichten leicht in wilde Richtungen hätten lenken können. Er nutzte diese Technik auch in „Eden“, doch dieses Mal lässt er das Chaos regieren. Der Film zeigt eine einsame Insel auf den Galapagosinseln und fünf widerspenstige Individuen, die jeweils von einem Schauspieler dargestellt werden, der sein Bestes gibt. Doch in einem bemerkenswerten Schachzug lässt Howard den Wahnsinn in diesem Film in den Mittelpunkt rücken.

Andrew Garfields schauspielerische Fähigkeiten liegen eher darin, tiefe Emotionen zu vermitteln als unbedeutende Ausdrücke. Ob er eine Person, eine Tür oder einen leeren Raum ansieht, er strahlt Gefühle der Trauer und des Zweifels aus. Diese Eigenschaft kann gelegentlich intensiv sein, aber in dem emotionalen, zeitreisenden Liebesdrama „Wir leben in der Zeit“ unter der Regie von John Crowley wirkt sie sich im Allgemeinen zu seinem Vorteil aus. In diesem Film geht es um Tobias (gespielt von Garfield) und Almuts (Florence Pugh) komplexe, lange Beziehung als Weetabix-Vertriebsmitarbeiter bzw. renommierter Koch. Der Film dreht sich um wichtige Momente aus ihrem Leben, wie ihr erstes Treffen, leidenschaftliches Liebesspiel, Schwangerschaft und Almuts Kampf gegen den Krebs. (Bei diesen Ereignissen handelt es sich nicht um Spoiler; der Film erzählt die Geschichte auf nichtlineare Weise, beginnend mit der Schwangerschaft und dann mit der Krebsdiagnose.) Die Szenen beginnen häufig damit, dass Tobias ratlos erscheint oder ziellos umherirrt, um später das spezifische Stadium von Tobias zu enthüllen ihre Beziehung. Manchmal scheint es, als wäre er selbst unsicher – als ob wir Zeuge eines Mannes wären, der durch die Hallen seiner Trauer navigiert.

In einer neuen Interpretation von Elin Hilderbrands beliebtem Strandroman „Das perfekte Paar“ nimmt sich die Netflix-Adaption unter der Leitung von Showrunnerin Jenna Lamia und Regisseurin Susanne Bier beim Ausgangsmaterial erhebliche Freiheiten. Während beide Geschichten die grundlegende Handlung gemeinsam haben: Die Trauzeugin bei der Hochzeit einer wohlhabenden Familie aus Nantucket wird am Morgen der Zeremonie tot aufgefunden, was alle zum Verdächtigen macht. Die Netflix-Version befasst sich jedoch tiefer mit Exzentrizitäten – wie Tag Winburys ausgelassener Interpretation von Rick Astleys „Never Gonna Give You Up“ auf der Bücherparty seiner Frau – als das Buch jemals vorgibt. Darüber hinaus präsentiert es die Mitglieder der Familie Winbury und ihren beträchtlichen Reichtum aus einer bemerkenswert kritischen Perspektive, was sich in der Auflösung des Mordgeheimnisses von Merritt Monaco (Meghann Fahy) zeigt.

Trotz aller Oscar-Diskussionen, die normalerweise während des Toronto International Film Festival im Umlauf sind, wird es selten zu intensiven Debatten über die Kategorie „Bester animierter Spielfilm“ kommen. Normalerweise nehmen Disney und Pixar, zwei Hauptakteure bei den Oscars im Bereich Animation, nicht an diesen Festivals teil, was dazu führt, dass sich die Animationsfilme aus Venedig, Toronto, Telluride und New York eher wie Außenseiter fühlen. Letztes Jahr beispielsweise, als Hayao Miyazakis „Der Junge und der Reiher“ als TIFF-Gala das Festival eröffnete, gab es kaum Diskussionen über das Oscar-Rennen. Das lag vor allem daran, dass es kaum Konkurrenz gab. Miyazakis Film übertraf schließlich den gut aufgenommenen, aber etwas enttäuschenden „Spider-Man: Across the Spider-Verse“, und das war’s.