Als langjähriger Filmfan und jemand, der im goldenen Zeitalter des Kinos aufgewachsen ist, muss ich gestehen, dass ich zunächst skeptisch war, als ich von der neuesten Ergänzung der Beverly Hills Cop-Reihe hörte. Nachdem ich aus erster Hand miterlebt hatte, wie Hollywood im letzten Jahrzehnt eine enttäuschende Fortsetzung nach der anderen hervorbrachte, machte ich mich auf eine weitere müde und formelhafte Runderneuerung gefasst. Aber zu meiner Überraschung entpuppte sich Axel F als entzückender Rückblick, der es genau verstand, die Grenze zwischen Nostalgie und Innovation zu überwinden.
Der Film „Axel F“ war eine schöne Überraschung, nachdem er in den letzten Jahren zahlreiche enttäuschende Fortsetzungen aus Hollywood erlebt hatte. Obwohl er mit mehreren Verweisen auf den Originalfilm und einigen Meta-Witzen über das Franchise beginnt, gelingt es ihm, eine gute Balance zwischen der Aktualisierung der Geschichte und … zu finden Der auf Nostalgie basierende Charakter von Eddie Murphy, Axel Foley, bezaubert das Publikum weiterhin mit seiner Schlagfertigkeit und seinem Charisma, auch wenn einige sein charakteristisches Lachen als störend empfinden. Der Film versucht, aktuelle Themen wie Polizeikorruption anzusprechen, bleibt aber letztendlich dabei Die Formel der Franchise für ihren Höhepunkt, die ein klassisches 80er-Jahre-Motiv beinhaltet: ein Standbild-Ende.
Die 80er Jahre haben die Verwendung von Standbildern nicht erfunden; Sie waren bereits lange vor diesem Jahrzehnt beliebt. Bereits 1928 verwendete Alfred Hitchcock in seiner Komödie „Champagne“ ein Standbild für einen Szenenübergang. Darüber hinaus hat das ikonische Standbild-Ende eine lange Geschichte vor den 80er-Jahren. In „Die 400 Schläge“ (1959) von François Truffaut verwirklicht der Protagonist Antoine Doinel endlich seinen Traum, das Meer zu sehen, ist aber am Ende in diesem Moment gefangen, weil das Wort „FIN“ über seinem Bild liegt. Zehn Jahre zuvor verewigte „Butch Cassidy and the Sundance Kid“ (1969) ihre Outlaw-Helden, indem sie sie kurz vor ihrem Tod einfrierte, anstatt ihren Untergang als Leichen darzustellen. Hollywood-Filme der 70er Jahre haben die Vielseitigkeit von Standbildern auf unterschiedliche Weise demonstriert, etwa in Sydney Pollacks „Three Days of the Condor“ (1975), wo ein Standbild einem ansonsten optimistischen Ende Mehrdeutigkeit verleiht, und „The Taking of“. Pelham One Two Three“ (1974), der den Ausdruck von Walter Matthau verwendet, um auf das Folgende hinzuweisen.
Als Filmkritiker in der Ich-Perspektive würde ich sagen: Das ikonische Standbild-Ende ist ein prägendes Merkmal der Blockbuster der 80er Jahre und tief in unserem kulturellen Bewusstsein verwurzelt. Manche könnten es als eine Erweiterung des Materialismus und der Oberflächlichkeit dieses Jahrzehnts kritisieren – Wall-Street-Gier, chauvinistischen Patriotismus und schamlosen Konsumismus. Die Rocky-Filme sind ein Paradebeispiel. Im Original (1976) bildete das triumphale Standbild einen ermutigenden Kontrast zu den pessimistischen Enden der 70er-Jahre-Filme. Doch als wir bei Rocky IV (1985) ankamen, hatte sich Rocky in einen unbesiegbaren Superhelden verwandelt, sein letztes Standbild war ein fahnenschwenkendes Spektakel des „zerschlagenen Nationalismus“. In den 80er Jahren erforschten Filmemacher, wie John Hughes, subtilere Einsatzmöglichkeiten dieses Geräts. In The Breakfast Club symbolisierte das trotzige Erheben der Faust von John Bender den Triumph. Und in Planes, Trains & Automobiles vermittelte John Candys halbes Lächeln echte Freude, die tiefen Schmerz überdeckte. Jedes Standbild hinterlässt einen bleibenden Eindruck und dient als mentale Abkürzung für die emotionale Reise eines gesamten Films.
Stattdessen antwortet Ihr Verstand manchmal automatisch mit: „Wow, Axel Foley ist großartig!“ Die ersten beiden „Beverly Hills Cop“-Filme enden damit, dass Axel seinen Partnern Rosewood (Richter Reinhold) und Taggart (John Ashton) eine witzige Bemerkung macht, bevor er wegfährt, zurück in die Kamera blickt und einen der eingängigen Momente der Reihe hat Die Melodien beginnen mit dem Abspann. Dieses konsistente Finale bleibt fesselnd (trotz der einzigartigen Interpretation des dritten Films) und lässt Sie jubeln und darüber nachdenken: „Was wird sich dieser unkonventionelle Typ als nächstes noch einfallen lassen?“ Eine solch enthusiastische Resonanz ist wahrscheinlich das, wonach sich Filmproduzenten zum Abschluss einer Produktion sehnen. In „Axel F“ ändert sich die Erzählung leicht, sodass Axel sich verletzt zu Rosewood und Taggart im Auto setzt und sie davon überzeugt, trotz ihrer Proteste gegen das Alter einen anderen Fall zu übernehmen. Wie erwartet gelingt es ihm, sie für sich zu gewinnen, und wir werden mit einem Standbild von Axel verwöhnt, der triumphierend auf dem Rücksitz lächelt, während im Hintergrund die ikonische Synthesizer-Partitur läuft. Es zieht uns gleich wieder rein.
„Messiah“ könnte diesen Ansatz beim Abschluss ihrer Geschichten nutzen.
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2024-07-22 19:05