Alle von Clint Eastwood inszenierten Filme, bewertet

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Als Filmliebhaber, der unzählige Stunden vor der Leinwand verbracht hat, muss ich sagen, dass Clint Eastwoods Werk einfach außergewöhnlich ist. Seine Fähigkeit, Genre und Alter zu überwinden und Themen wie Krieg, Liebe und Erlösung mit solcher Tiefe und Menschlichkeit anzugehen, ist wirklich beeindruckend.

Dieser Artikel wurde erstmals im Jahr 2018 veröffentlicht und seitdem überarbeitet, um neuere Entwicklungen zu berücksichtigen, wie beispielsweise die Veröffentlichung von Clint Eastwoods neuestem Film „Juror No. 2“.

Im Laufe seiner über sechs Jahrzehnte dauernden Karriere hat Clint Eastwood sich immer wieder neu definiert, und andere haben seine Veränderungen oft zu gegebener Zeit nachgeholt. Er begann als Nebendarsteller und gab 1955 ein ungewöhnliches Debüt als Labortechniker im Monsterfilm „Die Rache der Kreatur“. Später erlangte er Fernsehruhm als Rowdy Yates in der beliebten Westernserie „Rawhide“. Interessanterweise fand Eastwood seinen Filmstar auf einem ungewöhnlichen Weg, als es vielen Fernsehstars schwerfiel, ins Kino einzusteigen. Er reiste nach Europa und spielte in drei Western des italienischen Regisseurs Sergio Leone mit, die schließlich als Mann ohne Namen bekannt wurden: „Eine Handvoll Dollar“, „Für ein paar Dollar mehr“ und „Das Gute, das Schlechte und das Hässliche“. .

Die Filme, in denen er mitwirkte, wurden zu weltweiten Sensationen und machten Eastwood zu einer Filmlegende. Doch nicht lange nachdem er seine Fernsehrolle abgelegt hatte, entdeckte er, dass er sich nach mehr sehnte. Mit den Einnahmen aus diesen Filmen gründete Eastwood die Malpaso Company (später bekannt als Malpaso Productions). Sein Ziel war es, mehr Kontrolle über die Projekte zu haben, an denen er beteiligt war, und schließlich begann er 1971 mit dem Thriller „Play Misty for Me“ Regie zu führen.

Obwohl er im Laufe seiner Karriere häufig beide Aspekte kombinierte, stand für Eastwood immer die Regie im Mittelpunkt, auch wenn sie in seinen frühen Jahren zunächst als gelegentlicher Zeitvertreib wahrgenommen wurde. Zunächst bekannt für seine Rollen in Filmen wie „Der Mann ohne Namen“ und „Dirty Harry“, traten andere Unternehmungen in den Hintergrund. Als er sich jedoch mit „The Outlaw Josey Wales“ und „The Gauntlet“ als kompetenter Regisseur von Genrefilmen einen Namen machte, wuchsen seine Ambitionen und damit auch sein Engagement für die Erstellung von Filmen, die sich mit seiner Leinwandpersönlichkeit auseinandersetzten und mit ihr spielten.

Das Jahr 1992 markierte einen bedeutenden Höhepunkt für diese Phase in Clint Eastwoods Karriere mit der Veröffentlichung des von der Kritik gefeierten Westernfilms „Unforgiven“, der den Oscar für den besten Film gewann. Anschließend verfolgte Eastwood weiterhin verschiedene Projekte, die ihn interessierten. Jetzt, im Alter von 94 Jahren, ist er stets aktiv und unberechenbar und produziert Filme verschiedenster Genres wie Polizeithriller, Melodramen und sogar ein traditionelles Musical.

Clifford Eastwoods schnelle Methode des Filmemachens lässt keine gleichbleibende Qualität zu, da er eine schnelle Produktion mit minimalen Proben und wenigen Takes bevorzugt. Seine Drehbücher bleiben gegenüber ihren ursprünglichen Entwürfen oft unverändert, was in einer Branche, die Überarbeitungen, Neuaufnahmen und markterprobte Konzepte schätzt, ungewöhnlich ist. Gelegentlich führt dieser Ansatz zu Meisterwerken; In anderen Fällen ist dies nicht der Fall. Es ist jedoch schwierig, einen Trend zur Verschlechterung in Eastwoods Werk zu erkennen. Nach einer Reihe weniger beeindruckender Filme kann er immer noch ein Meisterwerk schaffen. Interessanterweise haben selbst seine schwächsten Filme dank Eastwoods geschickter Regie besondere Qualitäten, ähnlich wie er es von seinem Kollegen Don Siegel gelernt hat. Wie Siegel geht Eastwood bei der Regie mit der Präzision eines Handwerkers vor und stellt sicher, dass jede Aufnahme und jede Kamerabewegung Bedeutung hat. Auch wenn seine Arbeit nicht in jedem Moment auffällig ist, hat Eastwood ein Gespür dafür, in einem Bild von erschreckender Kraft oder entwaffnender Schönheit zu gipfeln und die Tiefe seines Denkprozesses zu offenbaren – auch wenn er schneller denkt und Entscheidungen trifft als die meisten Regisseure.

Um das Debüt von „Juror #2“, Eastwoods 40. Regiearbeit, zu feiern, haben wir beschlossen, seine Filme als Regisseur einzustufen. Wir haben uns ausschließlich auf die Filme konzentriert, bei denen er als Regisseur genannt wurde. (Es heißt, dass Eastwood 1984 die Leitung des Thrillers „Tightrope“ übernahm, weil der ursprüngliche Regisseur zu langsam vorging – ein häufiges Problem für Filmemacher, die ihr nächstes Projekt in Angriff nehmen wollten.)

40. Der Neuling (1990)

In Eastwoods filmischem Werk sticht The Rookie als eine seiner eher kommerziell ausgerichteten Produktionen hervor, die versucht, mit der Intensität und Spannung von Actionfilmen wie Lethal Weapon und mitzuhalten Stirb langsam während seiner Zeit. Eastwood porträtiert einen älteren Polizisten, der mit dem titelgebenden Neuling, gespielt von Charlie Sheen, zusammenarbeitet. Die Chemie auf dem Bildschirm zwischen ihnen fehlt, und eine fragwürdige Szene mit sexuellen Übergriffen auf Eastwood durch Sônia Bragas Antagonistin hinterlässt einen sauren Beigeschmack. Trotz einiger gut umgesetzter Actionsequenzen bleibt der Gesamtfilm hinter den Erwartungen zurück. Auch wenn „Eastwood“ durchweg fesselnd bleibt, gibt es für Ihr Sehvergnügen eine weitaus bessere Auswahl.

39. Firefox (1982)

Um mit den modernen Markttendenzen konkurrenzfähig zu bleiben, wurde Firefox als hochmoderner Techno-Thriller präsentiert. In dieser Geschichte porträtiert Clint Eastwood Major Mitchell Grant, einen Vietnam-Veteranen, der gezwungen ist, zum Dienst zurückzukehren, und sich auf eine Mission jenseits des Eisernen Vorhangs begibt, um einen revolutionären sowjetischen Jet zu stehlen. Allerdings fliegt Eastwood erst gegen Ende eines ansonsten langen und dialoglastigen Spionagethrillers durch, und selbst dann weisen die Spezialeffekte von John Dykstra erhebliche Qualitätsunterschiede auf. Der Film verdient einige Anerkennung dafür, dass er Grant zeigt, der mit einer posttraumatischen Belastungsstörung zu kämpfen hat und von seinen Kriegserinnerungen gequält wird, was die Erzählung über den Kalten Krieg noch komplexer macht, aber insgesamt ist er nicht besonders fesselnd.

38. Breezy (1973)

Eastwoods am wenigsten gesehener Film ist zweifellos sein dritter Spielfilm, der die Romanze zwischen einem geschiedenen Immobilienmakler (William Holden) und einem sorglosen Hippie (Kay Lenz) schildert. Allerdings wirkt ihre Beziehung oft eher beunruhigend väterlich als revolutionär. Eastwood kämpft in diesem Film darum, viel Energie zu erzeugen, und seine Darstellung der sexuellen Freiheit besteht hauptsächlich darin, dass Lenz häufig ihr Hemd auszieht, während Holden schläfrig zusieht. Das Studio Universal war sich nicht sicher, wie es mit dem Film umgehen sollte, und versteckte ihn praktisch. Als Momentaufnahme des Los Angeles der frühen 1970er Jahre ist es faszinierend, ansonsten aber nicht besonders fesselnd.

37. Jersey Boys (2014)

In den frühen 2010er Jahren wurde Clint Eastwood häufig mit einer neuen Adaption von „A Star Is Born“ in Verbindung gebracht, ein Projekt, das schließlich an seinen Freund Bradley Cooper weitergegeben wurde. Anstatt mit einer möglichen Version fortzufahren, in der Beyoncé und Tom Cruise (oder Leonardo DiCaprio und Esperanza Spalding) hätten mitwirken können, führte Eastwood Regie bei dieser gut gemachten Adaption des zeitlosen Jukebox-Musicals und erzählt die Geschichte der Musiksensationen der 60er Jahre, Frankie Valli und die Vier Jahreszeiten durch Lieder. Diese Produktion bedeutet nicht, dass Eastwood der Öffentlichkeit bisher ein Musical vorenthalten hätte, da es sich lediglich um einen seiner zahlreichen Beiträge zum Kino handelt.

36. Die 15:17 nach Paris (2018)

In einer ungewöhnlichen Wendung für Eastwoods Filmografie zeigt der Film mit dem Titel „The 15:17 to Paris“ eine bemerkenswerte Geschichte seiner Karriere. Dieser Film erzählt die Ereignisse rund um Spencer Stone, Anthony Sadler und Alek Skarlatos, drei amerikanische Helden, die mit schnellem Denken und Mut einen Terroranschlag auf einen Zug auf der Strecke von Amsterdam nach Paris vereitelten. Die Erzählung verläuft chronologisch, beginnend mit ihren Kindheitsjahren, dargestellt von Kinderschauspielern, bis hin zu ihrem Erwachsenenalter, wo sie selbst die Hauptrolle im Film spielen. Es mag unkonventionell erscheinen, einen Film um entscheidende Momente herum zu konstruieren, aber Eastwood hatte diese Technik bereits in „Sully“ angewendet, einem Film weiter oben auf der Liste. Man könnte sich jedoch fragen, warum ein so großer Teil des Films der Tournee des Trios durch Europa vor dem Anschlag gewidmet ist. Trotz einiger unbeholfener Schauspielerei der Hauptdarsteller und der Besetzung komödiantischer Schauspieler (Jenna Fischer, Judy Greer, Jaleel White) in ihren Kindheitsszenen besitzt der Film eine seltsam fesselnde Energie. Leider fügt sich dieser einzigartige Ansatz nicht immer nahtlos zusammen, aber Sie werden keinen vergleichbaren Film finden.

35. Die Eiger-Sanktion (1975)

Als Filmfan habe ich gerade einen Film gesehen, in dem Clint Eastwood Jonathan Hemlock spielt, einen Kunsthistoriker, Bergsteiger und überraschenderweise einen pensionierten Attentäter. Nachdem er unfreiwillig seinen Ruhestand verlassen muss, hat er die Aufgabe, einen Bösewicht in den Schweizer Alpen zu eliminieren. Um ehrlich zu sein, ist dieser Film nicht gerade ein Meisterwerk, aber er hat einen herausragenden Aspekt: ​​die Klettersequenzen, in denen Eastwood seine eigenen Stunts vorführt. Eastwood passte jedoch nicht ganz in die Rolle eines internationalen Rätsels, und es scheint, dass er sich dessen nicht bewusst war. Nach Firefox traf er die kluge Entscheidung, die Spionagegeschichten in Zukunft anderen zu überlassen.

34. J. Edgar (2011)

Dieser biografische Film über J. Edgar Hoover unter der Regie von Clint Eastwood zeichnet die Karriere des FBI-Direktors von seiner Gründung bis zu Hoovers Tod im Jahr 1972 auf und macht ihn zu einer der einflussreichsten Figuren in Amerika zu dieser Zeit. Das Drehbuch aus der Feder von Dustin Lance Black (dem Autor von „Milk“) befasst sich mit Hoovers zwiespältiger Sexualität und seinem Machtmissbrauch. Doch trotz einer gut inszenierten Inszenierung fällt es dem Film schwer, den Fokus zu behalten, da er zwischen verschiedenen Ereignissen wie der Lindbergh-Entführung und Hoovers Versuchen, Martin Luther King Jr. zu erpressen, hin und her springt, was verhindert, dass sich die Haupterzählung vollständig entfaltet. Darüber hinaus beeinträchtigen Leonardo DiCaprios intensive Darstellung von Hoover und uneinheitliche Alterungseffekte in späteren Szenen das Gesamterlebnis.

33. Absolute Macht (1997)

Ein kompetentes Ensemble mit herausragenden Darbietungen von Eastwood und Laura Linney sowie eine zuverlässige Regie können in diesem gewöhnlichen Thriller mit einem faszinierenden Konzept keinen Eindruck hinterlassen. In dem Film porträtiert Eastwood einen Juwelendieb, der versehentlich miterlebt, wie der Präsident der Vereinigten Staaten (Gene Hackman) seine Geliebte ermordet. Wie erwartet folgt es den üblichen Handlungssträngen, bietet aber trotz seines hochkarätigen Setting und eines Drehbuchs von William Goldman keine aussagekräftigen Einblicke in die Macht oder ihre absolute Natur.

32. True Crime (1999) & 31. Blood Work (2002)

Eastwood leitete einen Trend ein, indem er sich Mitte der 90er Jahre mit Flughafenromanen und Mystery-Bestsellern beschäftigte, was schließlich mit Mystic River zu großem Erfolg führte. Bevor er jedoch diesen Punkt erreichte, musste er sich durch Filme wie True Crime und Blood Work navigieren. In True Crime porträtiert Eastwood einen Reporter, der die Unschuld oder Schuld eines Mannes in der Todeszelle nachweisen will, basierend auf einer Adaption von Andrew Klavans Roman. Blood Work hingegen ist eine Adaption eines Bestsellers von Michael Connelly, in dem ein FBI-Agent einen Serienmörder nach einer Herztransplantation untersucht, wobei Eastwood in beiden Rollen die Hauptrolle spielt. Bedauerlicherweise weisen beide Filme etwas von der Lethargie auf, die sich im Laufe seiner Karriere in Eastwoods Filmen einstellte, vor allem aufgrund ausgedehnter Dialogszenen ohne große Rücksicht auf Rhythmus oder Tempo. Obwohl sie akzeptabel sind, ist keiner der Filme besonders bemerkenswert.

30. Amerikanischer Scharfschütze (2014)

Den Satz einfacher und natürlicher umformulieren: Clint Eastwood kämpft darum, die Balance zu finden und einen actiongeladenen Film zu schaffen, der auf den Memoiren von Chris Kyle basiert, einem Navy-SEAL-Scharfschützen mit 160 bestätigten Tötungen über einen Zeitraum von zehn Jahren, einschließlich umfangreicher Einsätze im Irak, der später ermordet wurde von einem unruhigen Marine zu Hause – mit einer Auseinandersetzung mit den emotionalen Auswirkungen des Krieges. Bedauerlicherweise fehlt es dem Film an einer umfassenden Auseinandersetzung mit diesem Thema, wird aber durch Bradley Coopers ergreifende Darstellung untermauert, die auf Schichten unausgesprochener Gefühle für seine Figur hinweist. Trotz seines Erfolgs zählt er zu Eastwoods am wenigsten introspektiven Kriegsfilmen.

29. Mitternacht im Garten von Gut und Böse (1997)

Aus einer neuen Perspektive adaptiert Clint Eastwood John Berendts unkonventionellen Bestseller „Mitternacht im Garten von Gut und Böse“, der sich um einen Mord in Savannah, Georgias High Society, dreht. Eastwood entführt uns in zeitgenössische Landschaften des Südens und taucht sowohl in ein echtes Rätsel als auch in die lebendige lokale Kultur ein. Das gemächliche Tempo von Eastwood ermöglicht jedoch ein übermäßiges Eintauchen, wodurch das Setting fesselnder ist als die Haupterzählung. Eine ungezügelte Darstellung von Kevin Spacey trägt zur Verwirrung bei, obwohl der Film eher eine verpasste Chance als eine Katastrophe ist.

28. Invictus (2009)

Anstatt das für „Midnight“ typische gleichmäßige Tempo beizubehalten, kann es manchmal ein Hindernis für eine weitere Geschichte aus dem wirklichen Leben darstellen, die sich auf ein bedeutendes Jahr für das südafrikanische Rugby-Team konzentriert. Ihr Sieg bei der Weltmeisterschaft 1995 war ein entscheidender Moment der Einheit im Südafrika nach der Apartheid. Matt Damon porträtiert Francois Pienaar, den Anführer einer überwiegend weißen Truppe, der seine Motivation aus seiner Bindung zum Präsidenten des Landes, Nelson Mandela (gespielt von Morgan Freeman), findet. Auch wenn der Film nicht allzu tief in die historischen Ereignisse eintaucht, liefern beide Schauspieler starke Leistungen und die eindringlichsten Momente sind unvergesslich. Dazu gehören spannende Rugbyspiele und eine emotionale Sequenz, in der Pienaar und sein Team die Zelle besuchen, in der Mandela nur wenige Jahre zuvor gelebt hat.

27. Jenseits (2010)

In erneuter Zusammenarbeit bündeln Damon und Eastwood ihre Kräfte für Eastwoods kommenden Film, ein unkonventionelles übernatürliches Drama. Dieses Mal porträtiert Damon einen Mann, der von seiner Gabe geplagt wird, mit den verstorbenen Angehörigen anderer zu kommunizieren. Die Erzählung verbindet drei unterschiedliche Geschichten: eine dreht sich um Damon, eine andere handelt von einem französischen Journalisten, der durch eine enge Begegnung mit dem Tod traumatisiert wurde (Cécile de France), und eine dritte handelt von einem Londoner Jungen, der mit dem Verlust seines Zwillingsbruders zu kämpfen hat. Der von Peter Morgan geschriebene Film, der für seine Werke wie „Frost/Nixon“ und „The Queen“ bekannt ist, tendiert eher zur Kontemplation als zur Tiefgründigkeit, obwohl er glühende Anhänger gefunden hat. Trotz seines nachdenklichen Charakters zeigt es einige der düstersten Bilder von Eastwood – eingefangen vom Kameramann Tom Stern, der seit 2002 Eastwoods bevorzugter Kameramann ist. In einer bemerkenswerten Szene in der Mitte des Films ist Damons Figur zu sehen, die eine zaghafte Beziehung mit einem Einzelgänger eingeht Frau, dargestellt von Bryce Dallas Howard, eine der besten Arbeiten, die beide Schauspieler bisher geliefert haben.

26. Der Handschuh (1977)

Der Film „The Eiger Sanction“ schien Eastwoods Interesse an rasanter Action zu wecken, ein Trend, den er in einem Film weiterverfolgte, in dem er einen raubeinigen Polizisten porträtiert, der eine Zeugin des Mafia-Prozesses (Sondra Locke) abtransportieren soll Las Vegas nach Phoenix. Während ihrer Reise entwickelt er Gefühle für sie und ahnt allmählich, manipuliert zu werden. Der Film zeichnet sich durch seine hohe Lautstärke, sein schnelles Tempo und die Fülle an Schüssen aus und dient als Vorläufer vieler Actionfilme der 80er und 90er Jahre. Auch wenn niemand eine besondere emotionale Bindung zu dem Film zu haben scheint, scheint es allen Spaß zu machen, ihn anzusehen.

25. Plötzlicher Aufprall (1983)

Zwischen 1971 und 1988 spielte Clint Eastwood in fünf Filmen die Rolle des „Dirty“ Harry Callahan, eines abtrünnigen Polizisten aus San Francisco. Interessanterweise führte er nur bei einem dieser Filme Regie, in dem die Figur nach einer siebenjährigen Pause wieder eingeführt wurde. Dieser besondere Film kombiniert Eastwoods charakteristische strenge Herangehensweise an die Strafverfolgung mit einer Prise Humor – denken Sie an lustige Bulldoggenfürze – und einer Handlung rund um Vergewaltigungsrache, die offen ihr Mitgefühl für Jennifer Spence zum Ausdruck bringt, dargestellt von Sondra Locke, die beide Eastwoods Filmpartnerin war und sein damaliger Off-Screen-Liebhaber. Sie sucht Vergeltung gegen Männer, die sie und ihre Schwester Jahre zuvor angegriffen hatten. Die Eröffnungsszenen des Films scheinen Hitchcocks (oder vielleicht Brian De Palmas) Stil nachzuahmen, obwohl sie diese Intensität nicht durchgehend beibehalten. Unter allen Fortsetzungen sticht jedoch diese als die beste hervor und dient als klare Veranschaulichung eines wiederkehrenden Themas in Eastwoods Filmen: die erschütternde Art und Weise, wie Männer Frauen oft behandeln, und die gerechtfertigte Wut, die eine solche Behandlung hervorruft.

24. Flaggen unserer Väter (2006)

Im Jahr 2006 stellte Clint Eastwood zwei Filme vor, die die Schlacht von Iwo Jima dokumentieren – einer mit der Sichtweise der amerikanischen Truppen und ein anderer mit der Darstellung der japanischen Seite. Der auf die USA ausgerichtete Film mit dem Titel Flags of Our Fathers wurde zuerst veröffentlicht, wird jedoch aufgrund der außergewöhnlichen Qualität seines Begleitstücks allgemein als weniger beeindruckend angesehen. Das bedeutet jedoch nicht, dass es diesem Film an Wert mangelt. Basierend auf dem gleichnamigen Buch von James Bradley und Ron Powers folgt der Film drei amerikanischen Soldaten, die an der Schlacht teilnahmen und beim Hissen der Flagge am Mount Suribachi dabei waren, einem ikonischen Moment, der auf einem berühmten Foto festgehalten und in Arlingtons Marine dargestellt wurde Corps-Denkmalskulptur. Interessanterweise hebt der Film hervor, dass das berühmte Bild tatsächlich eine Nachstellung für einen Fototermin war, nachdem der Marineminister die ursprüngliche Flagge als Trophäe beansprucht hatte. Der Film beleuchtet den Krieg nicht nur als militärischen Konflikt, sondern auch als PR-Maßnahme. Trotz der Anerkennung ihrer Tapferkeit kämpfen diese Soldaten weiterhin mit ihren Kriegserlebnissen, die auch Opfer mit sich bringen.

23. Pale Rider (1985)

Als Kinoliebhaber, der schon immer ein Faible für Western hatte, muss ich sagen, dass Clint Eastwood in zahlreichen Westernfilmen auf unseren Leinwänden zu sehen war, aber wenn es um die Regie geht, hat er nur bei vier Regie geführt – einige sind gut, andere geradezu meisterhaft. Nun fällt „Pale Rider“ in die Kategorie „gut“, obwohl er aufgrund der schieren Brillanz, die er ausstrahlt, möglicherweise nicht so hell glänzt wie einige seiner anderen Filme. In diesem Fall befinde ich mich in der Rolle eines mysteriösen Fremden oder vielmehr eines rachsüchtigen Geistes namens „The Preacher“. Ich fahre in eine kleine kalifornische Bergbaustadt, die von einer mächtigen Bergbaufamilie schikaniert wird, und ihre Gier wird bald zu ihrem Untergang werden.

22. Heartbreak Ridge (1986)

1983 führten die USA eine Militäroperation in Grenada durch, ein Ereignis, das einige Jahre später, als dieser Film in die Kinos kam, bereits weitgehend aus der öffentlichen Erinnerung verschwunden war. Der Film konzentriert sich geschickt auf Aspekte, die über die Invasion in Grenada hinausgehen, und nutzt sie als Höhepunkt und Abschlusskapitel für die Geschichte von Gunnery Sergeant Thomas Highway (gespielt von Eastwood), einem erfahrenen Marinesoldaten, der die Aufgabe hat, eine bunt zusammengewürfelte Truppe neuer Rekruten zu disziplinieren . Clint Eastwood zeichnet sich durch seine Darstellung eines unverblümten, fluchenden Soldaten aus, den die Männer zunächst verachten, aber mit der Zeit Respekt entwickeln. Der Film fängt die Idee gut ein, dass es Personen wie Highway sind und nicht diejenigen, die im Rang über ihm stehen, die das Wesen des Militärs prägen. Dieser Film führt auch ein wiederkehrendes Thema ein: den Übergang von einer Generation zur anderen. Indem er das Alter seiner Figur deutlich macht, verkörpert Eastwood einen Mann, der kurz vor dem Ruhestand steht und über sein Erbe, seine Erfolge, seine Opfer und das, was vor ihm liegt, nachdenkt.

21. Spiel Misty für mich (1971)

Eastwood startete seine Karriere als Regisseur mit diesem packenden Thriller, in dem er Dave Garver, einen Smooth-Jazz-Discjockey, verkörperte. Er beginnt versehentlich eine Beziehung mit einem übermäßig besitzergreifenden Verehrer, gespielt von Jessica Walter. Mit begrenzten Mitteln und als Schauplatz der Handlung in Nordkalifornien, seiner Heimatregion, stellte Eastwood von Anfang an sein Regietalent unter Beweis und konstruierte einen spannenden Thriller, der die Auswirkungen der Einmischung in die Zuneigung einer instabilen Frau untersuchte. Es ist erwähnenswert, dass dieser Film vor Fatal Attraction gedreht wurde, der Filme über Stalker als eigenständiges Subgenre populär machte. Der Film diente als Bestätigung von Eastwoods Fähigkeit, kommerziell erfolgreiche Projekte umzusetzen, und deutete seine künstlerischen Ambitionen an, dank eines kurzen Ausflugs zum Monterey Jazz Festival und einer beeindruckenden Szene, begleitet von Roberta Flacks „The First Time Ever I Saw Your Face“.

20. Space Cowboys (2000)

Eastwood scheint seine Rolle in einer bestimmten Ära filmischer Legenden zu begreifen – einer Ära, die irgendwann verblassen wird. Der Film mit dem Titel „Space Cowboys“ vereint ein herausragendes Ensemble reifer Schauspieler, darunter Eastwood mit James Garner, Tommy Lee Jones und Donald Sutherland. Diese Veteranen der Luftwaffe, die ihre Chance auf einen Ausflug ins All verpasst haben, werden aus dem Ruhestand zurückgerufen, um zu verhindern, dass ein alter sowjetischer Satellit mit der Erde kollidiert. Obwohl die Handlung einfach und die Wendungen vorhersehbar sind, sorgt die Besetzung für Unterhaltung und eine subtile Melancholie durchdringt den Film. Es ehrt eine bestimmte Generation von Amerikanern und würdigt gleichzeitig, dass sich ihre Herrschaft dem Ende zuneigte und neuen Ansätzen, neuen Gesichtern und innovativen Gedanken Platz machte – ein Thema, das an „Heartbreak Ridge“ erinnert, das er in zukünftigen Werken wieder aufgreifen würde.

19. White Hunter Black Heart (1990)

In den 1990er Jahren, als die 80er in die 90er übergingen, ließ sich Eastwood von Legenden des 20. Jahrhunderts inspirieren, als er John Wilson porträtierte, eine überragende Figur in Hollywood, die während der Filmproduktion in Afrika einen Elefanten jagen wollte. Jeff Fahey spielte Pete Verrill, eine Figur, die an Peter Viertels Erfahrungen bei der Zusammenarbeit mit John Huston im Film „The African Queen“ erinnert. Eastwood kombinierte für diese Rolle gekonnt Hustons einzigartigen Gesangsstil und seine eigene raue Stimme und drängte sich als Schauspieler an den Rand seiner Fähigkeiten. Allerdings war der Auftritt wirkungsvoll in einem Film, der eher als Kritik an einer bestimmten Art männlicher Tapferkeit diente, die sowohl von Huston als auch von Eastwood vertreten wurde, denn als Hommage an sie. Der Dialog des Films „Es gibt Zeiten im Leben, in denen man sich nicht fragen kann, ob das richtig oder falsch ist“ spiegelt die Zurückhaltung des Films wider, die düsteren Auswirkungen einer solchen Denkweise zu vermeiden. Ursprünglich unterschätzt, war der Film ein Vorgeschmack auf Eastwoods Entschlossenheit, in den kommenden Jahren seine Grenzen auszutesten.

18. Richard Jewell (2019)

Der von Eastwood inszenierte Film über Richard Jewell ist in vielerlei Hinsicht bemerkenswert, aber ein Aspekt droht, seine Vorzüge in den Schatten zu stellen. Lassen Sie uns zuerst dieses Problem ansprechen: die Darstellung der Reporterin des Atlanta Journal-Constitution, Kathy Scruggs (Olivia Wilde), die mit einer FBI-Quelle (Jon Hamm) schläft, um etwas zu erfahren. Diese Darstellung wurde von der Zeitung und denen, die Scruggs kannten, bestritten, und es ist ironisch, dass einem Film über unberechtigten Verdacht selbst eine solche Tat vorgeworfen wird. Wenn Sie diesen umstrittenen Punkt sowie Eastwoods offensichtliche Gelegenheit, die Regierung und die Medien zu kritisieren, beiseite lassen, werden Sie eine zutiefst bewegende Charakterstudie eines unwahrscheinlichen Helden entdecken. Paul Walter Hauser liefert eine überzeugende Darstellung des Jewell ab, der sowohl frustrierend in seinem Eifer als auch liebenswert in seinen guten Absichten dargestellt wird. Obwohl er für seine mutige und selbstlose Tat zu Unrecht gelitten hat, bleibt er der einzige Charakter, der die Unterstützung von Schlüsselfiguren wie Sam Rockwells unglücklichem Anwalt und Kathy Bates‘ beschützender Mutter erhält, während sich Jewells öffentliches Image vom Medienliebling zum Staatsfeind wandelt fast über Nacht.

17. Changeling (2008)

Vor der Kulisse von L.A. der 1920er-Jahre spielt sich der Film „Changeling“ ab, inspiriert von einem rätselhaften, wütenden Ereignis im wirklichen Leben. Angelina Jolie porträtiert Christine Collins, eine alleinerziehende Mutter, deren neunjähriger Sohn verschwindet. Nach mehreren Monaten bringt die Polizei von Los Angeles Mutter und Kind wieder zusammen. Es gibt jedoch ein Problem: Das Kind scheint nicht ihr zu gehören. Obwohl medizinische Beweise ihre Behauptung stützen, dass ihr der falsche Junge gegeben wurde, wird sie in eine Anstalt eingewiesen, weil sie auf dieser Tatsache beharrt. Der Film befasst sich mit der erschütternden Geschichte einer Frau, die in einem korrupten und patriarchalischen System, das keine Hemmungen hat, Stereotypen über weibliche Instabilität auszunutzen, die Macht verliert. Jolies Leistung ist genau richtig, auch wenn die Erzählung gegen Ende etwas ins Stocken gerät. Es bietet eine erschreckende, zeitgenössische Reflexion darüber, wie Autoritäten ihre Macht missbrauchen und wie Institutionen zulassen, dass den Schwachen Leid widerfährt.

16. Cry Macho (2021)

Als leidenschaftlicher Filmliebhaber war ich schon immer fasziniert von den langjährigen Bemühungen, N. Richard Nashs Roman „Cry Macho“ auf die Leinwand zu bringen, seit er 1975 erstmals veröffentlicht wurde. Legendäre Schauspieler wie Robert Mitchum, Arnold Schwarzenegger, Roy Scheider und sogar Clint Eastwood selbst waren einst mit diesem Projekt verbunden. Interessanterweise hätte Eastwood schon vor Jahrzehnten beinahe Regie geführt, entschied sich aber stattdessen für die Arbeit an „The Dead Pool“. Obwohl es vielleicht nicht ideal gewesen wäre, Dirty Harrys letztes Abenteuer zu verpassen, deuten Eastwoods spätere Filmarbeiten darauf hin, dass sich die Geduld ausgezahlt hat.

15. Honkytonk Man (1982)

Clint Eastwood hatte im Laufe seiner Karriere eine tiefe, nicht triviale Verbindung zur Musik. Auf dem Höhepunkt seiner Popularität durch „Rawhide“ veröffentlichte er 1959 ein Album mit dem Titel „Rawhide’s Clint Eastwood Sings Cowboy Favorites“. In der anspruchsvollen Musicalproduktion „Paint Your Wagon“ gelang es ihm, sich zu behaupten. Eastwood, der für seine Klavierkünste bekannt ist, hatte eine lebenslange Leidenschaft für Jazz und schuf die minimalistischen, aber wunderschönen Filmmusiken für Filme wie „Mystic River“ und „Million Dollar Baby“.

In einer anderen Welt wäre es nicht schwer, sich vorzustellen, dass er seinem Herzen folgen und dieser Leidenschaft nachjagen würde. In dem Film „Honkytonk Man“ verkörperte Eastwood Red Stovall, einen fiktiven Sänger aus der Zeit der Depression, dem der Untergang drohte. Geplagt von Alkoholproblemen, Tuberkulose und unerbittlichem Ehrgeiz sah er in einem Vorsprechen für die Grand Ole Opry seine letzte Chance auf Ruhm. Mit seinem 14-jährigen Neffen Whit (Kyle Eastwood) im Schlepptau begab er sich auf eine Reise nach Nashville. Der Film vermeidet Melodram und bietet eine entspannte, authentische Darstellung von Stovalls chaotischem Leben, das sich einem ergreifenden Ende nähert – eine Hommage an diejenigen, deren Stimmen nie vollständig gehört wurden. Kyle Eastwood lieferte in einer herausfordernden Rolle eine lobenswerte Leistung ab, doch im Gegensatz zu einigen anderen Kindern Eastwoods entschied er sich für eine Karriere in der Musik statt als Schauspieler.

14. Vogel (1988)

Im Jahr 1982 wurde „Honkytonk Man“ unterschätzt, doch Clint Eastwood ließ sich nicht beirren und beschloss, ein paar Jahre später das Leben eines weiteren unruhigen Musikers darzustellen. Charlie Parker widersetzte sich Mitte der 1940er Jahre den Konventionen des Jazz und ebnete den Weg für den Bebop, der die Richtung des Jazz für die folgenden Jahrzehnte prägte. Der Kampf gegen die Sucht hielt jedoch während seiner gesamten Karriere an und verkürzte letztendlich seine Lebensspanne. Eastwoods Biopic versucht nicht, das Genre zu revolutionieren, sondern verfolgt stattdessen einen würdevollen und zurückhaltenden Ansatz, der darauf verzichtet, Parkers Kampf gegen die Sucht zu sensationslüstern oder zu verherrlichen. Es vermeidet auch Stereotypen, dass Sucht und Genie untrennbar miteinander verbunden seien. Besonders hervorzuheben ist die kraftvolle Darstellung von Forest Whitaker, der das menschliche Element in der ikonischen Figur hervorhebt.

13. Das Maultier (2018)

In diesem Film, bei dem ich zum ersten Mal seit „Gran Torino“ aus dem Jahr 2008 Regie geführt habe, übernehme ich die Rolle von Earl Stone, einem 90-jährigen Gärtner, der in finanzielle Schwierigkeiten gerät und sich dem Drogenhandel für ein Kartell zuwendet. Als FBI-Agent, gespielt von Bradley Cooper, der mich unerbittlich verfolgt, setzt sich Earl mit seiner Vergangenheit auseinander, in der er seine Familie vernachlässigte, und sucht nach Erlösung – und das alles, während er durch die rauen Gewässer der Drogenwelt navigiert und seinem Unmut darüber Ausdruck verleiht, dass die Jugend von heute zu sehr von ihrem Handy abhängig ist Telefone. Erneut arbeite ich an der Seite des „Gran Torino“-Drehbuchautors Nick Schenk und spiele eine Figur, die dem Tod gegenübersteht und auf der Suche nach dem ist, worauf es im Leben wirklich ankommt. Obwohl dieser Film in die moralischen Grauzonen des Drogenhandels eintaucht und die Herausforderungen des Überlebens in einer rauen amerikanischen Wirtschaft untersucht, ist er überraschend unterhaltsam, da ich der Geschichte eine liebenswerte Verschrobenheit verlieh.

12. High Plains Drifter (1973)

In seinem zweiten Regieprojekt und Debüt-Western übernimmt Eastwood erneut die Rolle einer Figur, die seinem Mann ohne Namen ähnelt, und porträtiert dieses Mal einen namenlosen Mann, der in eine abgelegene Bergbaustadt reist. Seine Aufgabe besteht darin, es vor einer Gruppe von Gesetzlosen zu schützen, doch erst später erfahren wir, dass er auch persönliche Motive hat. Eastwood schafft zusammen mit dem Kameramann Bruce Surtees eine bedrohliche und spannende Atmosphäre im gesamten Film, der aus der Feder des Schöpfers von „Shaft“, Ernest Tidyman, stammt. Bemerkenswert ist, dass die anhaltende Düsterkeit des Films eine verstörende Szene mit sexuellen Übergriffen beinhaltet, ein Spiegelbild derselben beunruhigenden kulturellen Ära, die Filme wie „Straw Dogs“ hervorgebracht hat.

11. Mystic River (2003)

Dieser von einer fast überwältigenden Traurigkeit erfüllte Film adaptiert Dennis Lehanes in Boston spielenden Roman und befasst sich mit dem komplizierten Tanz von Zufall und Schicksal bei der Gestaltung von Leben und zeigt gleichzeitig, wie die Vergangenheit die Zukunft unerbittlich im Griff hat. Im Kern handelt es sich um einen Krimi, aber der Schwerpunkt liegt weniger auf den komplizierten Wendungen der Handlung, die für Kriminalgeschichten typisch sind, als vielmehr auf den verheerenden Auswirkungen, die der Mord an Katie Markum (Emmy Rossum), der Tochter des ehemaligen Sträflings Jimmy Markum (Sean Penn), verursacht hat ). Jimmy betreibt einen Tante-Emma-Laden in ihrer alten Nachbarschaft, wo er zusammen mit Sean (Kevin Bacon) und Dave (Tim Robbins) aufgewachsen ist. Als Polizist hat Sean einen anderen Weg eingeschlagen, während Dave mit den Folgen einer Entführung in seiner Kindheit zu kämpfen hat, die ihn zurückgelassen hat, während Jimmy und Sean verschont blieben. Die Leben dieser drei Männer verflechten sich, während sich das Geheimnis um Katies Tod entfaltet. Die kraftvollen, stark akzentuierten Darbietungen von Penn und Robbins laufen manchmal Gefahr, den Film zu überfordern, aber sein düsterer Ton und sein starkes Ortsgefühl sorgen dafür, dass er verankert bleibt. Es ist eine Geschichte darüber, wie Geister verweilen und wie die Orte, die uns geprägt haben, uns weiterhin festhalten, unabhängig davon, ob wir bleiben oder gehen.

10. Gran Torino (2008)

Bei einer Diskussion über Clint Eastwood geht es zwangsläufig darum, seine politischen Ansichten anzusprechen, die komplex und schwer zu kategorisieren sein können. Er bezeichnet sich selbst als Libertären, setzt sich für Waffenkontrolle ein, kritisiert viele Konflikte seit dem Zweiten Weltkrieg und unterstützt die Homo-Ehe. In den 1980er Jahren bestand ein interessanter Aspekt seiner Philanthropie darin, Spenden an beide Gruppen zu spenden, die sich für den Equal Rights Amendment einsetzten, sowie an Bo Gritz, einen ehemaligen Militäroffizier, der zum Söldner wurde und auf der Suche nach vermeintlichen Kriegsgefangenen in Vietnam war. Seine Ansichten tendieren zu einer minimalen Einmischung der Regierung in das tägliche Leben der Menschen, wie er es einfach ausdrückt: „Lasst alle in Ruhe.“ (Obwohl ihn diese Haltung nicht davon abhielt, auf dem Parteitag der Republikaner 2012 eine unangenehme Rede zu halten, bei der er vor einem leeren Stuhl sprach.)

Eastwood findet nicht viel Anklang bei den herkömmlichen Überzeugungen, die oft mit Liberalen in Verbindung gebracht werden, was seine Faszination für Walt Kowalski, die Hauptfigur in seinem Film „Gran Torino“ aus dem Jahr 2008, erklären könnte. Kowalski ist ein pensionierter Autoarbeiter aus Detroit, der sich nicht scheut, beleidigende Ausdrücke zu verwenden, eine Eigenschaft, die der Film als typisch für Männer dieser Zeit zu erklären versucht. Allerdings ist diese Rechtfertigung weder in der Realität noch auf der Leinwand schwer zu akzeptieren. Die Essenz von „Gran Torino“ liegt nicht in Walts Worten, sondern in seinen Taten. In der Geschichte freundet er sich mit Thao Vang Lor (Bee Vang) an, einem Hmong-Teenager, den er dabei erwischt, wie er unter Zwang einer örtlichen Bande versucht, seinen geliebten Ford Gran Torino von 1972 zu stehlen. Diese Beziehung verändert beide Charaktere, und der Film bietet eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit einem von Eastwoods bleibenden Themen: der Transformation und Kontinuität, die auftreten, wenn eine Generation der nächsten Platz macht. Trotz Kowalskis offensichtlicher Bigotterie porträtiert der Film Amerika als einen riesigen, integrativen Raum, der Vielfalt beherbergt.

9. Juror Nr. 2 (2024)

Geschworener Nr. 2 widersetzt sich dem Geflüster, dass es Clint Eastwoods letzter Film sein könnte, aber seien Sie nicht zu voreilig, es zu glauben. Obwohl Eastwood weit über neunzig ist, trotzt er weiterhin den Zwängen, die typischerweise mit dem Alter einhergehen. Wenn dieser Film tatsächlich seinen Ruhestand markiert, wird er keine Anzeichen dafür aufweisen, dass der Regisseur müde ist oder es ihm an Beweglichkeit mangelt. Unter der Regie von Clint Eastwood nach einem scharfsinnigen Drehbuch von Jonathan Abrams befasst sich „Juror #2“ mit den Themen Moral, Gerechtigkeit und Schuld im Rahmen eines packenden Genrefilms – in diesem Fall eines Justizthrillers mit einer unerwarteten Wendung. Nicholas Hoult porträtiert Justin, einen sympathischen einfachen Mann, der als Geschworener in einem Mordprozess gerufen wird, nur um zu vermuten, dass er und nicht der Angeklagte für den Tod des Opfers verantwortlich sein könnte (dieser Handlungspunkt scheint auf der Leinwand weniger weit hergeholt). als in der Beschreibung). Toni Collette spielt Faith, eine Staatsanwältin, deren Wahl auf dem Spiel steht und die einen aufsehenerregenden Sieg braucht. Während sich der Prozess entfaltet, kämpfen beide Charaktere mit ethischen und moralischen Dilemmata, während der Film sich mit dem Wesen von Tugend und Schuld befasst und fragt, wie viel von uns aufgegeben oder von uns verlangt werden sollte, um das Richtige zu tun.

8. Bronco Billy (1980)

1978 wurde ich an der Seite eines Orang-Utans für Warner Bros. fündig, als ich in der charmanten, nackten Komödie „Every Which Way But Loose“ mitspielte. Mit einem Teil der erzielten Gewinne wagte ich mich an ausgefallene Unternehmungen wie den herzerwärmenden Film „Bronco Billy“, der sich mit dem Leben einer bunt zusammengewürfelten Gruppe hinter einer altmodischen, temperamentvollen Wildwest-Wandershow befasst. In dieser Produktion schlüpfe ich in die Fußstapfen von „Bronco“ Billy McCoy, einem Meister des Trickreitens und Seildrehens, und gebe meinen jungen Partnern, die die leidenschaftlichsten Mitglieder meines immer bescheidenen Publikums sind, weise Ratschläge. Sondra Locke gesellt sich noch einmal zu mir, dieses Mal als versnobte Erbin, die gezwungen ist, mit unserer Show zu reisen – und schließlich erkennt sie, dass Billy einst Schuhverkäufer in New Jersey war und dass der Rest unserer Truppe auch keine geborenen Cowboys sind. Ich definiere meine Persönlichkeit auf subtile Weise neu, indem ich die Stereotypen des Alten Westens auf ihren komödiantischen Höhepunkt treibe, ohne sie jedoch zu verspotten. Der Film würdigt Amerika als ein Land, in dem selbst die klischeehaftesten Ikonen zu unseren Werten beitragen und jeder die Chance hat, sich in die Person zu verwandeln, die er sein möchte – und sollte.

7. Eine perfekte Welt (1993)

In „J. Edgar“ (ein anderer Titel für den Film) führt Clint Eastwood eine weitere tiefgreifende Untersuchung der Justiz in Amerika durch, diesmal anhand der Geschichte von „Butch“ Haynes (Kevin Costner), einem Sträfling auf der Flucht im Texas der frühen 1960er Jahre der einen 8-jährigen Jungen namens Phillip (T.J. Lowther) als Geisel nimmt. Butch entwickelt unerwartet eine Verbindung zu seinem vaterlosen Gefangenen. Clint Eastwood porträtiert einen traditionellen Texas Ranger, der mit Sally Gerber (Laura Dern) zusammenarbeitet, einer Kriminologin, die bei der Fahndung hilft, deren mitfühlende Perspektive ihn dazu bringt, seine eigene Vergangenheit mit Butch neu zu bewerten. Das von John Lee Hancock („The Blind Side“) verfasste Drehbuch bietet eine durchdachte Erkundung von Butchs komplexem Charakter und zeigt eine von Costners stärksten Leistungen. Der Film befasst sich mit dem moralischen Dilemma von Butchs Charakter und wirft schwierige Fragen zu seiner Herkunft und seinem zukünftigen Handeln auf. Die Chemie zwischen Butch und Phillip ist fesselnd und macht den Film in seinen letzten Momenten sowohl fesselnd als auch eindringlich. Eastwood und Dern teilen einige kraftvolle Szenen miteinander, da dieser Film ein weiteres Beispiel darstellt, in dem Eastwood einen Mann porträtiert, der mit den Herausforderungen der jüngeren Generation konfrontiert ist.

6. Sully (2016)

Wie lässt sich die Geschichte von Chesley „Sully“ Sullenberger, dem Piloten, der 2009 sein Flugzeug sicher im Hudson River landete, nachdem ein Vogelschlag beide Triebwerke zerstört hatte, dramatischer gestalten? Der Vorfall selbst ist kurz – Vögel kollidieren mit Flugzeug, Pilot landet Flugzeug, alle überleben. Doch im Film Sully verwenden Regisseur Clint Eastwood und Drehbuchautor Todd Komarnicki dieses Ereignis als zentrales Thema und greifen es immer wieder als Schlüsselmomente auf, die Sullys Leben prägten. Tom Hanks porträtiert Sully als einen Mann, dessen Heldentum und Professionalität eng miteinander verbunden sind. Die wundersame Landung ist die Fortsetzung seines lebenslangen Engagements, seinen Job trotz persönlicher oder beruflicher Herausforderungen gut zu machen. Der Film übertreibt leicht, indem er die Untersuchung des Vorfalls durch das National Transportation Safety Board als einen Prozess darstellt, der einen guten Mann diskreditieren soll, aber dieses dramatische Mittel ermöglicht eine genaue Untersuchung dieser kritischen Momente und bietet einen Einblick in Sullys Denkprozess, in dem er stillen Mut findet Szenen, in denen er seine Pflichten unter enormem Druck bewundernswert erfüllt.

5. Der Gesetzlose Josey Wales (1976)

Um herauszufinden, wann Eastwood als Künstler wirklich aufblühte, sollten Sie mit diesem Film beginnen. Es ist jedoch wichtig zu beachten, dass seine Entstehung anfangs mit einigen Herausforderungen verbunden war. Es handelt sich um eine Adaption des Buches „The Rebel Outlaw: Josey Wales“ (auch bekannt als „Gone to Texas“) von Forrest Carter, einem Pseudonym, das von Asa Earl Carter verwendet wurde, der später eine kontroverse Falschmeldung mit dem Titel „The Education of Little Tree“ schrieb. “ Später stellte sich heraus, dass Carter ein weißes, supremacistisches Klan-Mitglied und Redenschreiber von George Wallace war. Die Authentizität seiner literarischen Karriere – ob es sich um einen Erlösungsversuch, einen kalkulierten Schachzug oder eine Mischung aus beidem handelte – bleibt umstritten. Die Produktion begann zunächst unter Philip Kaufman, aber als es zu Meinungsverschiedenheiten kam, entließ Eastwood ihn aus dem Film, was die Directors Guild of America dazu veranlasste, die „Eastwood-Regel“ einzuführen, die es jedem in der Produktion verbietet, einen Regisseur zu entlassen und zu ersetzen.

Obwohl seine Ursprünge auf eine turbulente Zeit zurückgehen, ist „The Outlaw Josey Wales“ alles andere als eine schlechte Frucht. Clint Eastwood porträtiert die Titelfigur, einen Mann, der nach dem brutalen Massaker an seiner Familie unfreiwillig auf die Seite der Konföderierten in den Bürgerkrieg gezogen wurde. Anstatt sich zu ergeben, begibt er sich auf eine Rachereise nach Texas und erlangt dabei als Gesetzloser Berühmtheit. Zu seinen Gefährten gehören ein Cherokee-Häuptling (Häuptling Dan George), einige zum Scheitern verurteilte Siedler aus Kansas und andere. Der Film dient nicht nur als Erkundung eines Mannes, der das Leben aufgegeben hat, sich dann aber aufgrund der Bedürfnisse anderer wieder engagieren muss; Josey sehnt sich nach Einsamkeit, doch das Schicksal scheint entschlossen einzugreifen. Vollgepackt mit der für Eastwoods Western-Genre typischen Gewalt plädiert der Film im Kern für Empathie und Heilung nach einer Zeit tiefgreifender Spaltung – eine Botschaft, die in der Zeit nach dem Vietnamkrieg großen Anklang fand.

4. Die Brücken von Madison County (1995)

Robert James Wallers Roman „The Bridges of Madison County“ aus dem Jahr 1992 stieß bei Kritikern zunächst auf Skepsis, erlangte aber trotzdem Blockbuster-Status. Manche Bücher scheinen für die große Leinwand bestimmt zu sein, und dieses scheint eines davon zu sein. (Kommt mir da das Buch „Der Pate“ in den Sinn? Es ist auch nicht gerade ein literarisches Meisterwerk.) Basierend auf einem Drehbuch von Richard LaGravenese verwandelte Eastwood es in einen seiner besten Filme, obwohl es in die Jahre gekommen war Rahmengerät, auf dem zwei Geschwister die Habseligkeiten ihrer verstorbenen Mutter Francesca durchsuchen. Sie finden Hinweise auf ihre frühere Affäre mit einem Fotografen von National Geographic namens Robert Kincaid. Die Erzählung wechselt dann zu einer Rückblende, die Mitte der 1960er-Jahre spielt und in der sich eine zärtliche und sich allmählich steigernde Liebesgeschichte entwickelt. Meryl Streep und Eastwood spielen die Hauptrollen und ihre Verbindung vertieft sich, während sie malerische Brücken überqueren. Eastwood hat eine solche Verletzlichkeit selten zuvor auf der Leinwand zur Schau gestellt, und er schafft eine bemerkenswerte Chemie mit Streep, der eine Frau porträtiert, die Gefühle wiedererweckt, die sie längst begraben geglaubt hatte. Der Film erzählt eine unkomplizierte Geschichte auf unkomplizierte Weise und betont die ergreifenden Sehnsüchte seiner Charaktere und ihre Erkenntnis, dass das Ausleben dieser Sehnsüchte zu Herzschmerz führen könnte.

3. Briefe von Iwo Jima (2006)

Im zweiten Teil von Clint Eastwoods Iwo-Jima-Duologie verlagert sich der Fokus auf die japanischen Soldaten, die Tunnel gruben und die Invasionstruppen erbittert bekämpften. Ähnlich wie „Flags of Our Fathers“ legt Eastwood großen Wert auf die Darstellung nicht nur des Kampfes, sondern auch des Privatlebens und der politischen Einflüsse, die diese Männer auf das Schlachtfeld führten. Die Erzählung handelt von General Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) im höchsten Rang und einem Fußsoldaten namens PFC Saigo (Kazunari Ninomiya), während sich der Kampf verschärft und klar wird, dass ein Sieg unmöglich ist. Eastwoods Werk zeigt eine Mischung aus militärischem Respekt, einer Abneigung gegen den Krieg und der Grausamkeit von Offizieren, die ihre Truppen als bloße Maschinerie betrachten. Der Film zeigt anschaulich das Leben in den Tunneln, wo das Ausharren unmenschlicher Bedingungen beim Warten auf den Tod zu einer eigenen Form der Qual wurde. Es verdeutlicht die Notlage der Soldaten, die von ihren Kommandeuren als verfügbare Ressourcen ausgebeutet werden. Man kann es zwar unabhängig voneinander würdigen, in Kombination mit „Flags of Our Fathers“ ist es jedoch noch eindrucksvoller, da der Perspektivenwechsel unterstreicht, dass die Kriegserfahrung für Soldaten unabhängig von ihrer Loyalität gleich bleibt. Eastwood ist stets bestrebt, die Menschlichkeit zu finden und hervorzuheben, selbst unter den entmenschlichendsten Umständen.

2. Million Dollar Baby (2004)

In einer neuen Interpretation des klassischen Melodramas entfaltet sich der Film „Million Dollar Baby“ als inspirierende Underdog-Sportgeschichte mit einem schroffen Boxtrainer namens Frankie (Eastwood) und einer ehrgeizigen Anwärterin namens Maggie (Hilary Swank). Trotz Frankies Vorbehalten und ermutigt durch seinen langjährigen Kollegen „Scrap-Iron“ Dupris (Morgan Freeman, der auch als Erzähler fungiert) erklärt er sich bereit, sie auszubilden. Ihre Partnerschaft bringt beeindruckende Ergebnisse, doch dann ereilt sie ein Unglück. Der im 21. Jahrhundert angesiedelte Film zeichnet sich durch außergewöhnliche Leistungen von Eastwood, Swank und Freeman aus, die Charaktere darstellen, die eine familiäre Bindung aufbauen, während sie gemeinsame Ziele anstreben und ihre persönlichen Wunden heilen. Eastwood führt mit Überzeugung Regie und vertraut darauf, dass die emotionale Tiefe des Films die Zuschauer fesseln wird, während die Hoffnung auf ein freudiges Ende schwindet. Der Film erhielt zahlreiche Oscars: Bester Film, Beste Regie für Eastwood, Beste Hauptdarstellerin für Swank und Bester Nebendarsteller für Freeman – allesamt hochverdiente Anerkennungen für ihre außergewöhnlichen Leistungen.

1. Unvergeben (1992)

In den 1980er Jahren erhielt Clint Eastwood ein Drehbuch mit dem Titel „The Cut-Whore Killings“ aus der Feder von David Webb Peoples. Er ignorierte die Warnungen seiner langjährigen Story-Redakteurin Sonia Chernus, die es aufgrund übermäßiger Obszönitäten als „Müll“ einstufte, und entschied sich für eine Adaption, wenn auch nicht sofort. Jahre später hatte er das Gefühl, dass die Reife der Darstellung von William Munny, einem ehemaligen gefürchteten Mörder, der zum bescheidenen Schweinezüchter und Witwer wurde, Authentizität verleihen würde. Als sein Vieh erkrankte, zwang ihn die Notwendigkeit dazu, sich mit dem dreisten und unerfahrenen „Schofield Kid“ (Jaimz Woolvett) und dem alten Revolvermann-Freund Ned Logan (Morgan Freeman) auf eine Reise zu begeben, mit dem Ziel, einige Cowboys aufzuspüren, die eine Prostituierte verstümmelt hatten ein beträchtliches Kopfgeld, das ihre Kollegen ausgesetzt hatten. Ihr Weg war jedoch voller Herausforderungen wie dem skrupellosen Kopfgeldjäger English Bob (Richard Harris), Sheriff „Little“ Bill Daggett (Gene Hackman) und Munnys eigenem Gewissen, das sich mit seinen vergangenen Taten und der Aussicht, sie zu wiederholen, auseinandersetzte.

The Unforgiven besticht zunächst als klassischer Western, befasst sich aber auch mit tiefgreifenden Themen wie der Rolle der Gewalt in der Populärkultur und der amerikanischen Geschichte, Eastwoods Leinwandbild, Sünde und der Frage, ob Erlösung möglich ist auf der Erde gefunden. Es wurde zu einem günstigen Zeitpunkt veröffentlicht und dient Eastwood als Abgesang auf das Genre, das ihn zum Star gemacht hat. Es brachte ihm seine ersten Oscar-Nominierungen für den Besten Film und die Beste Regie ein, zusammen mit einem Preis als Bester Nebendarsteller für Hackman und einer Trophäe für den Besten Schnitt für Joel Cox. Obwohl ihm diese Auszeichnungen die längst überfällige Anerkennung einbrachten, bleibt Eastwood auf die Arbeit konzentriert und immer bereit, mit dem nächsten Film fortzufahren.

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2024-11-01 20:57