„Oh, Canada“ von Paul Schrader ist das Geständnis eines Mannes, dem der Tod bevorstand

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Als Kinoliebhaber, der das Labyrinth der Filmgeschichte durchquert hat, muss ich gestehen, dass mich Paul Schraders neuestes Meisterwerk „Oh, Canada“ völlig in seinen Bann gezogen hat. Es kommt nicht jeden Tag vor, dass man einem Filmemacher begegnet, der es versteht, die Fäden des Lebens, der Kunst und der Sterblichkeit so geschickt miteinander zu verknüpfen und dabei gleichzeitig einen Hauch unnachgiebiger Eleganz zu bewahren.

Ursprünglich während der Filmfestspiele von Cannes am 18. Mai 2024 geteilt, teilen wir diese Rezension heute noch einmal im Vorfeld der Veröffentlichung des Films in den kanadischen Kinos.

Wenn Paul Schraders jüngste Filme dadurch berühmt geworden sind, dass sie einen einsamen Mann zeigen, der in einem leeren Raum schreibt, stellt sein neuestes Werk dieses Konzept auf den Kopf. Für einige mag es seltsam erscheinen, dass diese krassen Filme, insbesondere die „Man in a Room“-Trilogie bestehend aus „First Reformed“ (2017), „The Card Counter“ (2021) und „Master Gardener“ (2022), Anklang gefunden haben mit jüngerem Publikum. Betrachten Sie seine unruhigen Protagonisten jedoch als Figuren, nach denen man streben kann, als Individuen, die lernen, ihre tiefsten Gedanken mit ihren Taten in Einklang zu bringen. Aus dieser Perspektive treffen diese Filme den Nerv eines Publikums, das in Zeiten ständiger Einsamkeit und ständiger gemeinschaftlicher Kontrolle aufgewachsen ist.

In dieser Adaption von Russell Banks Roman „Foregone“ mit dem Titel „Oh, Canada“ von Schrader begegnen wir einem sterbenden Mann, dargestellt von Richard Gere als Leonard Fife, der die wahrgenommene Diskrepanz zwischen seinem privaten Selbst und seiner öffentlichen Person beklagt. Er überlegt: „Wenn es keine Zukunft mehr gibt, bleibt nur die Vergangenheit.“ Er fährt fort: „Wenn deine Vergangenheit falsch ist, dann verblasst du.“ Dies ist keine einsame Figur in einem kargen Raum; Stattdessen ist Fife trotz seiner offensichtlichen Krankheit inmitten von Lichtern und Mikrofonen vor der Kamera. Er stimmt diesem letzten Interview als Gelegenheit zur Ehrlichkeit zu und bittet um die Anwesenheit seiner Frau Emma (Uma Thurman), sodass sich die Begegnung wie eine Beichtsitzung anfühlt, die für ihn wirklich authentisch ist.

Als Filmliebhaber bin ich von der faszinierenden Geschichte von Fife fasziniert, dessen politisch aufgeladene Filme ihm in Kanada große Anerkennung eingebracht haben. Als er in seinen Zwanzigern dem US-Militär entkam, hinterließ er unauslöschliche Spuren im Kino. Der Film webt zwischen den Reflexionen dieses kränkelnden Dokumentarfilmers und Fragmenten aus seiner Vergangenheit und erzeugt so einen labyrinthischen Effekt, der an Bernardo Bertoluccis Meisterwerk „Der Konformist“ erinnert. Erinnerungen fließen ineinander, Rückblenden unterbrechen die Gegenwart. Jacob Elordi porträtiert den jüngeren Fife, doch in Szenen, in denen die Zeit verschwimmt, taucht gelegentlich Richard Gere selbst in den Erinnerungen seiner Figur auf. Thurman taucht als eine weitere Figur aus seiner Vergangenheit wieder auf und spiegelt Dominique Sandas komplexe und symbolische Rollen in „The Conformist“ wider.

Aus meiner Sicht erzähle ich lieber Geschichten aus meinem Privatleben, als über meine Karriere zu sprechen, da sie meine Frau und meinen kleinen Sohn in Virginia sowie andere ergreifende Momente betrifft, die meine Reise geprägt haben. Ich habe eine Karriere aufgebaut, die auf Prinzipien und ideologischen Kämpfen basiert, doch meine Vergangenheit mit ihren Ruinen schwebt weiterhin in meinen Gedanken. Im Verlauf der Erzählung weise ich subtil auf dunklere Geheimnisse hin – Geheimnisse, von denen Emma meiner Meinung nach nichts weiß. Der Film behält diese Rätsel bis kurz vor dem Ende bei. Wenn die lang erwarteten Enthüllungen ans Licht kommen, könnten sie enttäuschend wirken. In diesem Film geht es nicht um einen einzelnen Fall von Verrat oder Täuschung, sondern er befasst sich mit dem universellen Thema, dass unser Leben von Scham und Unzulänglichkeiten heimgesucht wird, Geheimnissen, die wir aus Bequemlichkeit und Angst geheim halten.

Es ist verständlich, warum Schrader dieses Material ansprechend fand. Nicht nur, dass das Altern oft Gedanken an Sterblichkeit hervorruft, auch Schrader selbst erlebte vor ein paar Jahren eine Gesundheitskrise und sprach damals offen darüber. Darüber hinaus verstarb Banks, ein Freund von Schrader und Autor des Romans, auf dem er einen seiner beliebtesten Filme, „Affliction“, basierte, Anfang 2023. All diese Faktoren trugen wahrscheinlich zu der Idee bei, einen Film über einen sterbenden Filmemacher zu drehen Testament. Doch trotz der narrativen Trostlosigkeit von „Oh, Canada“ ist der Film stilistisch leicht und beweglich, fast ätherisch. Die häufigen Übergänge zwischen den Zeitleisten verleihen dem 91-minütigen Film einen reibungslosen Ablauf, während Lieder von Matthew Houck (auch bekannt als Phosphorescent) Fifes Wanderungen eine poetische Qualität verleihen, ähnlich wie die Lieder von Michael Been, die in Schraders Film „Light Sleeper“ von 1992 verwendet wurden. Obwohl „Oh, Canada“ aus einer dunklen Zeit der Gewissenssuche entstanden sein mag, bewegt es sich in Richtung Hoffnung und Potenzial. Ob diese Helligkeit Kanada symbolisiert oder das, was wir das Leben nach dem Tod nennen, ist offen für Interpretationen. Dennoch scheint es, als sei sowohl dem Protagonisten als auch dem Schöpfer eine große Last von den Schultern genommen worden.

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2024-12-04 22:54