Alle Ridley-Scott-Filme, Rangliste

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Als Filmliebhaber, der unzählige Stunden damit verbracht hat, in die Welt des Kinos einzutauchen, muss ich sagen, dass Ridley Scotts Arbeit als einer der einflussreichsten und einflussreichsten Regisseure unserer Zeit hervorsticht. Seine Filme haben das Publikum nicht nur mit ihren bildgewaltigen Landschaften und fesselnden Erzählungen in ihren Bann gezogen, sondern sie haben auch tiefe philosophische Diskussionen über die Natur des Menschen, die Technologie und den Platz der Menschheit im Universum ausgelöst.

Ursprünglich im Jahr 2021 veröffentlicht, wurde diese Liste nun überarbeitet, um Ridley Scotts neue Veröffentlichung mit dem Titel „Gladiator II“ aufzunehmen.

Seit mehr als vier Jahrzehnten enthüllt Regisseur Ridley Scott Bilder voller atemberaubender Pracht. Von den historischen Ausblicken auf Rom, das Mittelalter und das alte Ägypten bis hin zur grenzenlosen Trostlosigkeit des Weltraums und des offenen Meeres sowie smogbeladenen Städten wie Los Angeles und Osaka in Japan hat er ein breites Spektrum an Schauplätzen erkundet. Sein Talent für Genrefilme zeigte sich in der kraftvollen Trilogie, die seine Karriere ankurbelte – dem unkonventionellen Draufgänger „The Duellists“, dem furchteinflößenden Weltraum-Horrorfilm „Alien“ und der Science-Fiction-Dystopie „Blade Runner“. Was diese Werke jedoch wirklich verbindet, ist Scotts Streben nach ästhetischer Brillanz und die Fähigkeit, die Erzählung von einer detailreichen Kulisse vorantreiben zu lassen.

Eine überraschende Anmerkung in der Liste unten: Scott hat Regieschnitte mehrerer seiner Filme – Blade Runner, Legend, Kingdom of Heaven und < em>The Counselor – und alle davon sind Verbesserungen gegenüber den Kinofassungen, oft sogar deutlich besser. Die Kinofassung von Blade Runner, in der zur Verdeutlichung der Handlung ein Voice-Over-Kommentar hinzugefügt wurde, wurde größtenteils durch die (etwas kürzere) Fassung ohne Voice-Over ersetzt, aber die alternativen Versionen der anderen sind nicht so leicht zu finden , insbesondere beim Streaming. Im Extremfall von Kingdom of Heaven sind das ganze 50 verlorene Minuten und der Unterschied zwischen einer Gladiator-Wiederholung mit einem schwachen Zentrum und einer viel reichhaltigeren Behandlung der Kreuzzüge und a tief verwurzelter religiöser Konflikt, der bis heute andauert.

Man könnte darüber streiten, ob Scotts Karriere zu schnell ihren Höhepunkt erreichte oder ob er sein Potenzial als visionärer Science-Fiction-Regisseur im Rahmen der Studioproduktion nicht voll ausschöpfen konnte. Doch selbst seine am wenigsten erfolgreichen Filme bieten faszinierende Welten zum Erkunden, da Scott eine immense Menge an kreativem und technischem Aufwand in die Schaffung fesselnder Atmosphären und Bilder investiert. Selbst wenn die Dinge nicht ganz zusammenpassen, schwingen diese Elemente dennoch mit. Und wenn alles perfekt passt, haben seine Meisterwerke einen Maßstab gesetzt, den viele andere Filmemacher nur schwer erreichen können.

29.
1492: Eroberung des Paradieses (1992)

Unter den beiden 1992 erschienenen Christoph-Kolumbus-Filmen sticht „1492: Eroberung des Paradieses“ als der fesselndere hervor, während „Christopher Kolumbus: Die Entdeckung“ eine große historische Enttäuschung darstellt. Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass „1492“ Ridley Scotts Vorliebe für aufwändige Kulissen auf Kosten der erzählerischen Tiefe zeigt. Gerard Depardieu porträtiert Columbus überzeugender als George Corraface im anderen Film, aber keine der beiden Darstellungen bietet viel Dimension. Dies ist überraschend angesichts der komplexen Figur, die Kolumbus in der Debatte über den Kolonialismus und seine Auswirkungen auf die indigene Bevölkerung darstellt. Anstatt in die Komplexität einzutauchen, entscheidet sich „1492“ für die Mythologie und entscheidet sich für die Verherrlichung statt für die Frage. Der Film ist visuell atemberaubend, wenn er das offene Meer oder die üppigen Landschaften der Neuen Welt zeigt, aber der Kolumbus, der nach 150 Minuten auftaucht, ist eher ein verträumtes Symbol als eine vollständig verwirklichte Figur, was eine einfache Antwort in einem Sozialkundetest darstellt.

28.
Ein gutes Jahr (2006)

Peter Mayle, der vor allem für Werke wie „Das Leben in der Provence“ und andere populäre Memoiren bekannt ist, die die Besonderheiten und die Großartigkeit Südostfrankreichs hervorheben, hat sich mit Scott zusammengetan, um „Ein gutes Jahr“ zu konzipieren, einen Roman, der im Wesentlichen ähnliche Qualitäten lobt. Allerdings ist Scott kein Regisseur, der sich mit subtilen Nuancen auskennt – das Gleiche gilt auch für Russell Crowe, seinen Hauptdarsteller – und dieser Stilunterschied führt zu einem Film, der Mayles zarten Charme untergräbt. Obwohl die Handlung vorhersehbar ist, folgt sie Crowes geschicktem Investmentbanker, der durch das heruntergekommene Schloss und Anwesen seines verstorbenen Onkels in der Provence navigiert. Zunächst hatte er die Aufgabe, es für den Verkauf vorzubereiten, aber schließlich fand er sich auf das beruhigende Tempo ein. Anstatt die Exzentrizitäten des Weinberglebens einzufangen, präsentiert „A Good Year“ eine vereinfachte Wahl zwischen Crowes rasantem Londoner Lebensstil oder einem irdischen Paradies voller Wein und schöner Frauen. Es versteht sich von selbst, dass die Entscheidung leicht fällt.

27.
Hannibal (2001)

Abgesehen von Anthony Hopkins entschied sich das Team, das für „Das Schweigen der Lämmer“ Oscars gewann – Regisseur Jonathan Demme, Schauspielerin Jodie Foster und Drehbuchautor Ted Tally –, nicht an „Hannibal“ teilzunehmen nach der Veröffentlichung von Thomas Harris‘ Roman im Jahr 1999. Die Verfilmung könnte erklären, warum: Während der Originalfilm die grausamen Aspekte von Serienmördern effektiv behandelte, konzentrierte er sich hauptsächlich auf Fosters Figur Clarice Starling, eine junge Frau FBI-Agentin kämpft darum, sich in einem bedrohlichen, von Männern dominierten Umfeld zu etablieren. Im Gegensatz dazu besetzt Hannibal Foster neu als Julianne Moore, lässt sie dann aber weitgehend außen vor und spielt eine groteske Konfrontation zwischen Hannibal Lecter und einem rachsüchtigen früheren Opfer (Gary Oldman). Bei den Dreharbeiten in Florenz und an anderen unheimlichen Orten zollt Scott der kunstvollen Gewalt des italienischen Giallo Tribut, verfällt aber in grundlose, sinnlose Ausbeutung.

26.
Exodus: Götter und Könige (2014)

Bei der Aktualisierung von „Die Zehn Gebote“ für das Zeitalter digitaler 3D-Effekte hat Scott 200 Millionen US-Dollar ausgegeben, um biblische Wunder und Plagen im großen Stil zu inszenieren, scheint aber mehr am Spektakel als Selbstzweck interessiert zu sein als an einem Ausdruck wahrer spiritueller Überzeugung. Christian Bale und Joel Edgerton treten mit angemessener Intensität gegeneinander an, als Moses, der 600.000 hebräische Sklaven auf eine gefährliche Flucht aus Ägypten führt, und sein Bruder Ramses, der Pharao, der seine Streitkräfte gegen ihn aufstellt. Scotts Streben nach historischer Genauigkeit führt dazu, dass er den blutigen Nil und die Teilung des Roten Meeres eher als Naturphänomene denn als Taten Gottes erklärt, aber es ist nie klar, welchen religiösen Punkt er damit anführen will. Er betet am Altar der Technik.

25.
Jemand, der auf mich aufpasst (1987)

1987 markierte einen kurzen Höhepunkt in der Karriere von Tom Berenger und Mimi Rogers. Sting sang im Vorspann einen George-Gershwin-Klassiker, und die Welle hitziger heimischer Thriller nach „Fatal Attraction“ hatte noch nicht begonnen, da dieser Film erst ein paar Wochen zuvor in die Kinos gekommen war. „Someone to Watch Over Me“ ist ein Film, der seine Zeit widerspiegelt, ein ordentlicher Romantikthriller, der später im Vergleich zu den zahlreichen ähnlichen Filmen, die folgen sollten, bescheiden wirkte. Zwischen Berenger und Rogers herrschte eine starke Chemie zwischen einem NYPD-Detektiv aus der Arbeiterklasse und dem wohlhabenden Prominenten, den er vor einem unerbittlichen Mörder beschützen sollte. Der Regisseur J. Lee Thompson hatte Freude daran, die stimmungsvolle New Yorker High Society einzufangen. Allerdings wurden ihre Klassenunterschiede zu deutlich dargestellt und die Handlung wirkte allgemein gehalten, ähnlich wie bei einem von Berengers Anzügen.

24.
Schwarzer Regen (1989)

Vor seinen Rollen in „Basic Instinct“, „Falling Down“ und „Disclosure“ verkörperte Michael Douglas eine äußerst arrogante Figur in Scotts Thriller „Black Rain“. Im Mittelpunkt dieses Films steht ein in Schwierigkeiten geratener NYPD-Beamter, der die Yakuza in Osaka, Japan, konfrontiert. Sein Charakter als harter Kerl – inklusive Lederjacke, Pilotenbrille, Motorrad und endloser Gereiztheit – ist übertrieben, ebenso wie die karikierte Gefahr, die von der kriminellen Unterwelt ausgeht. Diese Darstellung japanischer Dominanz löste eine kurze kulturelle Panik aus. Doch trotz seiner fragwürdigen Erzählung ist „Black Rain“ visuell atemberaubend und fängt die smoggefüllten Straßen von Osaka mit der Lebendigkeit und Energie eines hochwertigen Comics ein. Die eindrucksvollen Bilder des Films können seine problematischen Grundlagen etwas verschleiern.

23.
G.I. Jane (1997)

Einfacher ausgedrückt ähnelt der Film „G.I. Jane“ von Scott der Arbeit seines Bruders Tony an „Top Gun“, da beide Filme militärische Themen darstellen und männliche Rituale verherrlichen. Im Gegensatz zu „Top Gun“ konzentriert sich „G.I. Jane“ jedoch auf eine Frau, die an einem Navy SEAL-ähnlichen Programm teilnimmt, um Geschlechterbarrieren zu überwinden. Trotz harter Behandlung und Übergriffen hält sie durch und sagt bekanntlich: „Lutsch meinen Schwanz!“

22.
Robin Hood (2010)

Der beliebte Film „Die Abenteuer des Robin Hood“ aus dem Jahr 1938 porträtiert Robin Hood als fröhlichen Unruhestifter, der seine einzigartige Form sozialer und politischer Gerechtigkeit mit der sorglosen Missachtung und dem geschickten Elan von Errol Flynn, Hollywoods größtem Draufgänger, austauscht. Im Gegensatz dazu ist „Robin Hood“ von Ridley Scott historisch zutreffender, was darauf hindeutet, dass jegliche Aufregung entfernt wurde. Anstelle von Spaß bietet Scott eine düstere Darstellung des Englands des 12. Jahrhunderts und stellt Russell Crowes Robin in den Mittelpunkt eines Kampfes gegen die Tyrannei, obwohl die Umverteilung des Reichtums nicht Teil seines Plans ist. Dennoch liefert der Film in seiner Erhabenheit epische Kampfszenen voller dramatischer Intensität und Gewalt, komplett mit Pfeilen, die vom Himmel fallen, und Armeen, die sich zu Land und zu Wasser sammeln. Im Wesentlichen handelt es sich um „Braveheart“ mit einer Schleife.

21.
Körper der Lügen (2008)

Body of Lies mit zwei weltweit anerkannten Schauspielern spielte an den Kinokassen über 100 Millionen US-Dollar ein, doch nur wenige können sich heute noch an viel davon erinnern. Dieser spannend inszenierte Thriller dreht sich um die gemeinsamen Bemühungen der CIA und des jordanischen Geheimdienstes, ein Terrornetzwerk zu zerschlagen. Allerdings schwächt Ridley Scotts langjährige Zurückhaltung gegenüber politischen Themen seine Perspektive. Im Sinne einer Katz-und-Maus-Verfolgungsjagd zwischen Behörden und einem Terroristen-Mastermind folgt Body of Lies konventionellen Mustern, unterstreicht jedoch auf subtile Weise eine faszinierende Trennung in der Verbindung zwischen Leonardo DiCaprios Außendienstmitarbeiter und Russell Crowes Analyst : Ersterer operiert an Hotspots weltweit, während Letzterer Entscheidungen von seinem Büro in Washington D.C. aus trifft, scheinbar ohne Rücksicht auf die Konsequenzen für die reale Welt. Es gibt hier einen Hinweis auf die Selbstüberschätzung der Amerikaner, die die Nahost-Politik aus der Ferne gestalten, aber die Details der Mission stehen weitgehend im Mittelpunkt.

20.
Alles Geld der Welt (2017)

Knapp zwei Monate vor der Veröffentlichung von „Alles Geld der Welt“ tauchten Nachrichten über das Fehlverhalten von Kevin Spacey auf. Scott beeilte sich, ihn zu ersetzen, besetzte Christopher Plummer als J. Paul Getty und drehte schnell alle seine Szenen neu. Das Besondere an dieser schnellen Entscheidung ist, dass Plummers Darstellung von Getty den Film erheblich beeinflusst, auch wenn er nicht physisch anwesend ist. Im Jahr 1973, als sein 16-jähriger Enkel in Italien entführt wurde und die Mutter des Jungen (Michelle Williams) verzweifelt Hilfe suchte, überrascht Getty alle mit seiner kaltherzigen Geizigkeit und bemerkt: „Wenn ich jetzt einen Penny bezahle, bekomme ich 14.“ Enkelkinder entführt. Scott bringt die Dringlichkeit der Situation wirkungsvoll zum Ausdruck, aber es ist Plummers Schauspiel, das am meisten fesselt. Sein Getty ist sowohl ein Monster als auch emotional distanziert, gefangen hinter einem Vermögen, das ihn ins Unglück geführt hat.

19.
Haus von Gucci (2021)

Der von Scott inszenierte Film „House of Gucci“ zeigt eine extravagante Darstellung des Aufstiegs und Untergangs der Gucci-Familie, berühmter Modemogule, die ihr Imperium letztendlich aufgrund von Missmanagement, internen Konflikten und einem bizarren, kaum zu glaubenden Mordkomplott vergeudeten . Lady Gaga übernimmt die Rolle von Patrizia Reggiani, einer Außenseiterin, die in die Gucci-Familie einheiratet und deren Dysfunktion auf tödliche Höhen steigert. Allerdings sorgen die vielfältigen schauspielerischen Leistungen, wie etwa Jared Letos übertriebene Darstellung eines extravaganten, erfolglosen Sohnes, für einen unzusammenhängenden Ton im Film. Es ist unklar, ob Scott „American Gangster“ als große italienische Tragödie oder als satirische Komödie über eine durch Inkompetenz und Extravaganz zerstörte Familie nachstellt. Unabhängig davon bietet „House of Gucci“ eine fesselnde Erzählung, aber es fehlt eine klarere Identität.

18.
Weiße Böe (1996)

Inspiriert von einem realen Vorfall im Jahr 1960, bei dem ein Sturm die Albatross, einen Zweimastschoner, der als Seefahrtsschule für junge Männer diente, versenkte, ist White Squall zu sehen als aquatische Version von Dead Poets Society. Jeff Bridges übernimmt die Rolle von Robin Williams im Original und porträtiert einen komplexeren Schiffskapitän als Williams ausgelassenes „Captain, my Captain“. Den Schülern fehlt jedoch die Tiefe und Komplexität ihrer Kollegen in der Dead Poets Society, da sie eine stereotype Gruppe von 60er-Jahre-Verrätern und Rebellen sind, die aufgrund ihrer körperlichen Eigenschaften faszinierender sind als aufgrund ihrer psychologischen. Ähnlich wie in Scotts Darstellung in „1492: Eroberung des Paradieses“ vier Jahre zuvor fängt der Regisseur die Erhabenheit des offenen Wassers ein. Wirklich lebendig wird der Film jedoch erst in der Titelsequenz, in der die mittlerweile erfahrenen und selbstbewussten Schiffskameraden von der Naturgewalt brutal gedemütigt werden.

17.
Gladiator II (2024)

Wenn bei der Entwicklung einer Fortsetzung von „Gladiator“ auch nur ein Hauch von Leidenschaft oder Unmittelbarkeit vorhanden gewesen wäre, hätte es keine erstaunlichen 25 Jahre gedauert, bis sie zum Leben erweckt wurde. Allerdings arrangiert dieses vorhersehbare Schwert-und-Sandalen-Abenteuer lediglich Szenen aus dem ersten Film neu, ohne ihm mehr Tiefe zu verleihen, mit Ausnahme der verbesserten CGI, die das Kolosseum in ein Haifischbecken verwandelt. Trotz Paul Mescals hervorragenden schauspielerischen Fähigkeiten hat seine Darstellung eines versklavten Soldaten, der durch das korrupte Rom navigiert, nur eine schwache Ähnlichkeit mit Russell Crowes Charakter. Den Doppelrollen von Joseph Quinn und Fred Hechinger als verweichlichten, böswilligen Kaisern der Stadt fehlt die Wirkung der Leistung von Joaquin Phoenix. Dennoch ist „Gladiator II“ eine visuell beeindruckende Produktion, die Ridley Scott mühelos im Schlaf erschaffen kann. Denzel Washington, der einen mächtigen Makler spielt, der Gladiatoren besitzt und ehrgeizige Pläne für Rom hegt, scheint in dieser Rolle großen Spaß zu haben.

16.
Black Hawk Down (2001)

Das von Mark Bowden verfasste Buch „Black Hawk Down“ bietet eine rohe Erzählung aus erster Hand, die sich ausschließlich um amerikanische Militärangehörige dreht, die 1993 in Mogadischu, Somalia, in heftige Stadtkämpfe verwickelt waren. Diese Perspektive bringt jedoch mehrere Herausforderungen mit sich, wie z Kontext für den Konflikt und die Darstellung unzähliger Somalier als gesichtslose Opfer. Scotts Bericht befasst sich eingehend mit den technischen Aspekten eines Gefechts, bei dem 18 amerikanische Soldaten und über 500 Somalis verloren gingen. Während eine unvoreingenommene Haltung zu einem politisch brisanten Konflikt ethische Bedenken hervorrufen kann, ist es schwierig, die geschickte Art und Weise zu widerlegen, mit der Scott das strategische Bild sowie die Unruhen vor Ort einfängt und so eine überzeugende und genaue Darstellung schafft.

15.
Amerikanischer Gangster (2007)

Laut einem Artikel des New York Magazine über Frank Lucas, einen skrupellosen Drogenbaron in den 1970er Jahren, erzählt „American Gangster“ eine direkte Geschichte von Macht und Verbrechen. Die Geschichte dreht sich um einen ehemaligen Chauffeur und Protegé von Harlems Boss Ellsworth „Bumpy“ Johnson, der das Unternehmen nach dem Tod seines Chefs im Jahr 1968 übernimmt. Denzel Washington porträtiert Lucas als eine ruhige, aber kraftvolle Figur, die lieber hinter den Kulissen arbeitet, aber mit ihnen zuschlägt brutale und oft dreiste Kraft, um sein Territorium zu schützen. Sein neues Unternehmen, das mit reinem thailändischem Heroin namens „Blue Magic“ handelt, erregt unerwünschte Aufmerksamkeit sowohl bei der kriminellen Unterwelt als auch bei einem Detektiv aus Essex County (Russell Crowe), der gegen eine korrupte New Yorker Polizei kämpft. Scott verbindet gekonnt diese packende Gangstergeschichte mit der Polizeikorruptionserzählung und zeichnet so ein lebendiges Bild einer Zeit, in der die Stadt ein fruchtbarer Boden für Gesetzlosigkeit war.

14.
Königreich des Himmels (2005)

In vielen Fällen sind Scotts „Director’s Cut“-Versionen seiner Filme ihren ursprünglichen Kinoveröffentlichungen überlegen, einschließlich der erweiterten Ausgabe von „Kingdom of Heaven“. Dieser epische Kreuzzugsfilm verfügt über zusätzliche 50 Minuten und bietet eine umfassendere, eindringlichere und differenziertere Perspektive auf religiöse Konflikte im 12. Jahrhundert und liefert wertvolle Einblicke in moderne Konflikte zwischen Christen und Muslimen. Allerdings kann Orlando Blooms glanzlose Darstellung als Schmied, der Trost in Jerusalem sucht und die Stadt später gegen eine Belagerung durch den Westen verteidigt, durch keine noch so große Bearbeitung verbessert werden. Dennoch hat Scott mit seiner sympathischen Darstellung der islamischen Welt großen Mut bewiesen und sich mit einem historisch bedeutsamen Brennpunkt auseinandergesetzt, der auch heute noch relevant ist.

13.
Legende (1985)

Nach seinem Debüt mit drei aufeinanderfolgenden Meisterwerken erlebte Scott eine Flaute, als er sich mit der komplizierten Fantasie auseinandersetzte, die sich um Einhörner, Feen, Kobolde, Zwerge und den Kampf dreht, ein böses Wesen, das die Dunkelheit verkörpert, daran zu hindern, in ein magisches Waldreich einzudringen. Obwohl es Tom Cruises flinkem Auftritt als Retter und Mia Saras Darstellung der keuschen Prinzessin an Tiefe mangelt, passt die geradlinige Erzählung in Legend. Überraschenderweise übertrifft es seine landläufige Meinung, insbesondere in einem Director’s Cut, der etwa 20 Minuten länger als die Erstveröffentlichung läuft und einen mitreißenden Jerry-Goldsmith-Soundtrack wieder einführt. Das Universum des Films stellt einen atemberaubend atemberaubenden Wald dar, der Reiz und Gefahr nahtlos miteinander verbindet und in der Lage ist, in einer Sequenz von einem ruhigen Paradies in eine düstere Grimm-Märchenkulisse in der nächsten überzugehen.

12.
Streichholzmänner (2003)

Im Film „Matchstick Men“ liegt der Triumph im Gegensatz zu anderen Charakteren, die über ihre Behinderung hinauswachsen, darin, der bestmögliche Gauner zu werden. Der Protagonist, dargestellt von einem engagierten Nicolas Cage, ist ein Betrüger, der sich mit Zwangsstörungen und Tourette auseinandersetzt. Sein Kumpel, gespielt von Sam Rockwell, bringt Humor in ihren Betrug mit Poolfiltersystemen. Das von Ted Griffin von „Ocean’s Eleven“ mitgeschriebene Drehbuch ist voller cleverer Wendungen und häufigem Gelächter. Was „Matchstick Men“ jedoch einzigartig macht, ist die Auseinandersetzung mit tieferen Themen, insbesondere Cages Bindung zu seiner 14-jährigen Tochter (Alison Lohman), von deren Existenz er nie wusste.

11.
Napoleon (2023)

In Scotts Film „Gladiator“ schlüpfte Joaquin Phoenix in die gefettete Rüstung und schlüpfte in die Rolle des charmanten, aber psychopathischen Commodus, ein typisches Motiv in Schwert-und-Sandalen-Epen. Er greift diese Formel noch einmal mit Scott auf und porträtiert Napoleon Bonaparte. Obwohl seine militärische Brillanz unbestreitbar ist, gelingt es ihm nicht, die Mauern seiner egozentrischen Arroganz zu überwinden. Der Film „Napoleon“ bietet Scott die Möglichkeit, in großartige Schlachtsequenzen einzutauchen, die an Filme wie „Königreich der Himmel“ und „Exodus: Götter und Könige“ erinnern, insbesondere an die Schlacht von Austerlitz, bei der Kanonenfeuer eingesetzt wird, um einen zugefrorenen See zum Zertrümmern zu bringen. Es ist jedoch die Leistung von Phoenix, die diesen kurzen historischen Bericht zusammenfasst, wobei seine stürmische Beziehung zu Kaiserin Joséphine (Vanessa Kirby) im Mittelpunkt steht. Phoenix scheut sich nicht, Dummheiten darzustellen, und weist auf die tödlichen Folgen eines Anführers hin, der nicht nur kleinwüchsig ist, sondern auch in vielerlei Hinsicht.

10.
Das letzte Duell (2021)

Regisseur Ridley Scott meistert in diesem Projekt meisterhaft die Zusammenarbeit zwischen Ben Affleck und Matt Damon für ein Drehbuch seit „Good Will Hunting“. Es ist jedoch erwähnenswert, dass auch Nicole Holofcener maßgeblich zum Drehbuch beigetragen hat. Scott meistert gekonnt die anschauliche Gewalt und die grausamen Aspekte eines mittelalterlichen Reiches, in dem eine Prüfung im Kampf immer noch eine Option ist.

9.
Gladiator (2000)

Als einziger Film von Scott, der den Preis für den besten Film erhielt, erhielt er jedoch nie den Preis für die beste Regie – diesmal verlor er gegen Steven Soderberghs „Traffic“ – „Gladiator“ erinnert an große Schwert-und-Sandalen-Epen wie „Ben-Hur“ und „Spartacus“, die für die damalige Zeit neu interpretiert wurden von CGI. Die Größe von „Gladiator“ hat wahrscheinlich mehr zum Oscar-Gewinn beigetragen als seine fragwürdige Tiefe. Russell Crowes roher Charme als charismatischer Held treibt die Erzählung jedoch voran, während sein gefallener General Verrat, Versklavung und zahlreiche Kämpfe auf Leben und Tod überwindet, um sich an dem despotischen Bösewicht (Joaquin Phoenix) zu rächen, der seinen Untergang verursacht hat. Obwohl der Film mit digital verbesserten Landschaften geschmückt ist, die aufgrund der Fortschritte in der Technologie weniger eindrucksvoll geworden sind, ist er eine zeitlose Heldengeschichte, die auf einer Familientragödie aufbaut und durch die Entschlossenheit eines unterdrückten Mannes, der nach Gerechtigkeit strebt, gestärkt wird. Interessanterweise würde dieser Gewinner des besten Films vielleicht mehr verehrt werden, wenn er nicht gesiegt hätte.

8.
Alien: Covenant (2017)

Mit seiner Fortsetzung von Prometheus entfernt sich Scott von den künstlerischen Besonderheiten des früheren Films und schafft etwas, das einem traditionellen Teil der Alien-Reihe näherkommt, wenn auch immer noch von strenger Handwerkskunst und Verzierung geprägt himmlische Architektur und einige berauschende Ideen über die Menschheit, die vor ihrer eigenen Ausrottung steht. Außerdem entwickelt sich David, der von Michael Fassbender gespielte Androide, zu einem unglaublich kaltblütigen Bösewicht, dessen Pläne im Widerspruch zu der Crew und den Kolonisten stehen, die unerwartet auf dem von Außerirdischen heimgesuchten Planeten Origae-6 landen. Katherine Waterston tritt als fähiger Ripley-Typ auf, der ein immer dezimierteres Team auf die Probe stellt, und Fassbender verkörpert in einer Doppelaufführung als David und dem freundlicheren Walter der nächsten Generation sowohl das Versprechen als auch die Bedrohung künstlicher Intelligenz. Die Serie, die Scott mit „Alien“ begann, hatte sich in „Aliens“ und den darauf folgenden Fortsetzungen in ein Action-Abenteuer verwandelt, und hier führt er sie zurück zu ihren kalten, klinischen Wurzeln.

7.
Prometheus (2012)

Die Art und Weise, wie Scotts neuestes Werk dem Science-Fiction-/Horrorfilm ähnelt, der seine Karriere ankurbelte, kann als eine Reminiszenz an „Alien“ beschrieben werden – er selbst bezeichnete es damals als Teil des genetischen Materials mit „Alien“. Allerdings ist dieses Projekt mit dem Titel „Prometheus“ ein wenig rätselhaft, da es als Vorläufer des Franchise dient und darauf abzielt, die gruselige Monsterfilm-Spannung zu liefern, für die die Serie bekannt ist. In Zusammenarbeit mit Damon Lindelof, Mitschöpfer von „Lost“, erweitert Scott das Originaldrehbuch von Jon Spaihts und erschafft eine komplexe Mythologie, die sich um Astronauten dreht, die ihre Schöpfer, die „Ingenieure“, suchen, und die Gefahren, denen sie auf ihrer Reise begegnen. Um die komplizierten Symbole und Mysterien in diesem Film zu entschlüsseln, sind viel Zeit und wiederholte Betrachtungen erforderlich, ganz zu schweigen davon, diese abstrakten Themen mit den erwarteten Schreckensschüben der Außerirdischen in Einklang zu bringen. Doch Scotts Entschlossenheit, die „Alien“-Reihe auf einen unvorhergesehenen und unheimlich fesselnden Weg zu führen, erweist sich als lohnend.

6.
Der Berater (2013)

Unter Scotts Filmen ist eines seiner am wenigsten populären, aber wohl besten Werke erwähnenswert. Obwohl Cormac McCarthy für die Feder des Originaldrehbuchs viel Lob verdient, übertrifft sein Einfluss in diesem Film den, der in der Adaption von „No Country for Old Men“ der Coen-Brüder zu sehen war. Der Film dreht sich um eine Standardhandlung über einen Amateur-Gauner (Michael Fassbender), der versucht, einen 20-Millionen-Dollar-Drogendeal mit einem Kartell aus Ciudad Juárez abzuwickeln. McCarthy taucht tief in die Tiefen der menschlichen Bosheit ein, und der Abgrund spiegelt sich ebenso unerbittlich wider.

5.
Der Marsianer (2015)

In vielen Filmen werden Qualitäten wie Entschlossenheit und Überlebensinstinkt verherrlicht, aber „The Martian“, eine Adaption des Romans von Andy Weir, geht noch einen Schritt weiter und betont die entscheidende Rolle von Wissen und intellektueller Leistungsfähigkeit bei der Erreichung des scheinbar Unmöglichen. Als der Astronaut Mark Watney (gespielt von Matt Damon) auf dem Mars strandet, nachdem er aufgrund von Trümmerverletzungen und schwindender Sauerstoffversorgung für tot gehalten wird, muss er auf raffinierte Weise Wege finden, um sein Leben auf einem unwirtlichen Planeten aufrechtzuerhalten, und klammert sich dabei an die Hoffnung auf Rettung. Obwohl „The Martian“ eine positive Einstellung ausstrahlt, die in scharfem Kontrast zur Hoffnungslosigkeit von „Alien“ steht, teilen beide eine überlebensistische Essenz, die aus einem einsamen Charakter entsteht, der sich der scheinbaren Unvermeidlichkeit einer Niederlage widersetzt. In einer Zeit, in der wissenschaftliche Methoden in bestimmten politischen Bereichen manchmal lächerlich gemacht werden, ist es ein tröstlicher Reiz, einen Film anzusehen, der einfache Problemlösungen als heroisch darstellt.

4.
Thelma & Louise (1991)

Aus meiner Sicht gab es Fälle, in denen Scotts großartiger Regieansatz nicht mit Callie Khouris Drehbuch übereinstimmte, das sich mit dem intimen Leben von Frauen auf der Flucht befasst. Mit der Zeit ist der expansive Charakter von „Thelma & Louise“ jedoch passender geworden – an manchen Stellen sogar ikonisch. Dieser Film ist ein Beweis für die Kraft und Freiheit, die der amerikanische Roadtrip verkörpert, aber es ist das Bild zweier Frauen, die zunächst auf der Suche nach Abenteuern und später auf der Flucht vor gesellschaftlichen Zwängen fliehen, das wirklich mitschwingt. Die Chemie zwischen Geena Davis und Susan Sarandon ist außergewöhnlich. Ihre Charaktere sind wunderschön geschrieben, um einen Kontrast zu schaffen und dennoch die gemeinsame Sehnsucht nach einer Flucht aus ihrem alltäglichen Leben in der Arbeiterklasse zu offenbaren. Wenn man an das Finale denkt, ist es bemerkenswert, wie tief sich „Thelma & Louise“ in den feministischen Diskurs eingegraben hat und Freundschaft, Selbstfindung und Rebellion symbolisiert, unabhängig vom Ausgang der Reise.

3.
Die Duellanten (1977)

In seinem bahnbrechenden ersten Film soll sich Scott zwei Jahre zuvor von der aufwändigen Kulisse von Stanley Kubricks „Barry Lyndon“ inspirieren lassen, doch der langwierige Konflikt in „The Duellists“ weist Ähnlichkeiten mit einigen von Kubricks Antikriegsproduktionen auf. Keith Carradine und Harvey Keitel porträtieren französische Soldaten, die unter Napoleon dienen und einen anhaltenden Groll hegen, der im Morgengrauen in Duellen, Turnieren und schließlich in Schießereien mündet. Scotts Beherrschung des Genres und seine Wertschätzung für natürliche Ästhetik sind von Anfang an offensichtlich, und er persifliert geschickt die Konventionen dieser endlosen Fehde, die nur vorübergehend unterbrochen werden kann, wenn Carradine einen höheren Rang innehat oder wenn Napoleon sie zum Kampf einsetzt. Mit der Zeit verschlingt ihre Rivalität nach und nach ihre gesamte Existenz, was eine Versöhnung unerreichbar und eine Eskalation unausweichlich macht. Dies ist eine differenzierte Darstellung davon, wie Nationen in einen Krieg abdriften können.

2.
Blade Runner (1982)

Der bahnbrechende Film „Blade Runner“ prägte maßgeblich die Darstellung von Science-Fiction-Dystopien und Neo-Noir-Ästhetik in zahlreichen Genrefilmen, insbesondere in solchen mit glamourösen, in Regen und Schatten gehüllten Städten. Die ersten Aufnahmen zeigen ein Los Angeles im Jahr 2019, das durch Technologie (wie fliegende Autos!) und allgegenwärtige Werbung dramatisch verändert wurde. Vor Ort deuten Szenen auf das Chaos und die Risiken hin, die damit verbunden sind, dass synthetische Wesen in die Gesellschaft eindringen und ihre Schöpfer überwältigen. Der vom Studio auferlegte Voice-Over für den Kinostart war ein Fehltritt; Es wurde zunächst weder von Kritikern gelobt noch vom Publikum angenommen. Der Director’s Cut (und schließlich „The Final Cut“) bietet jedoch eine konzentriertere Perspektive auf Rick Deckard (gespielt von Harrison Ford), einen hartgesottenen Polizisten, der die Aufgabe hat, eine Gruppe abtrünniger Replikanten aufzuspüren. Durch seine Perspektive durchqueren wir eine Welt, von der man einst glaubte, dass sie unter menschlicher Kontrolle sei, die aber entglitten ist. Die Debatte darüber, ob Deckard ein Mensch oder ein Replikant ist, dient als faszinierender philosophischer Diskurs über das Wesen der Menschheit. Ridley Scotts stilvolle Inszenierung weist auf eine Zukunft hin, in der die Technologie so viel Macht besitzt, dass solche Unterscheidungen möglicherweise keine Rolle mehr spielen.

1.
Außerirdischer (1979)

In den Fortsetzungen der „Alien“-Reihe sind die Kämpfe zwischen Menschen und furchterregenden Außerirdischen zu chaotischen Spektakeln geworden, die oft die eindringliche Einfachheit des Originalfilms in den Schatten stellen. Mit nur einer Kreatur gelang es dem „Alien“, die Besatzung eines Tiefsee-Bergbauschiffs zu verwüsten, die auf eine solche Bedrohung nicht vorbereitet war. Als Anwärter auf einige der besten Horrorfilme aller Zeiten orientiert sich „Alien“ stark an der stillen Erhabenheit und dem unheimlichen Gefühl der Isolation, die in Stanley Kubricks „2001: Odyssee im Weltraum“ zu finden sind. Sigourney Weavers Darstellung von Ellen Ripley, einer Warrant Officer, die der außerirdischen Bedrohung standhält, ist ein ikonisches Symbol für Stärke und Widerstandskraft. Ripley ist jedoch mehr als nur ein willensstarker Charakter; Sie ist außerdem eine prinzipielle Führungspersönlichkeit, die bereit ist, die schwierigen Entscheidungen zu treffen, die echte Führung erfordert. Wenn ihre Entscheidung, ein infiziertes Besatzungsmitglied vom Schiff fernzuhalten, nicht von ihren Untergebenen aufgehoben wird, betritt der Außerirdische das Schiff nicht einmal. „Alien“ bietet eine erschreckende Vision davon, was eine echte Begegnung mit außerirdischem Leben bedeuten könnte, wobei Ripley gegen ein mysteriöses und feindliches Wesen antritt, ohne die Mittel, es aufzuhalten.

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2024-11-20 23:56