Filumena-Rezension: Das gute Leben? Felicity lebt in dieser italienischen Liebeskomödie das Dolce Vita

Als erfahrener Theaterbesucher und Literaturliebhaber muss ich sagen, dass mich beide Inszenierungen voll und ganz beeindruckt haben. Die Adaption von Orwells „1984“ im Theatre Royal Bath ist eine erschreckende Erinnerung an die Gefahren des Totalitarismus, mit Aufführungen, die so intensiv sind, dass Sie sich auf Ihrem Sitz winden. Und die Inszenierung von Brace Brace im Royal Court Upstairs? Absolut fesselnd! Die steile Rampe und die Flugzeugabsturzszenen ließen mein Herz höher schlagen als je zuvor.

Filumena (Theater Royal, Windsor)

Urteil: Bella Felicity

Felicity Kendal verfügt über ein Theatertalent, das weiterhin blüht. Obwohl sie jünger ist als der achtzigjährige Sir Ian McKellen, der vor drei Jahren Hamlet spielte, hat der Lauf der Zeit ihre Vielseitigkeit oder Frische nicht beeinträchtigt (genau wie Shakespeare es vielleicht bewundert hätte).

Sie glänzt geradezu in der Titelrolle in Sean Mathias‘ charmanter Wiederaufnahme von Eduardo de Filippos neapolitanischer Liebeskomödie aus dem Jahr 1946, in der es um eine ehemalige Prostituierte und ihre lebenslange Liebesbeziehung mit dem wohlhabenden Stadtmenschen Domenico (Matthew Kelly) geht.

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Vor 35 Jahren wurde ich von einer Frau, die ich für aufrichtig und liebevoll hielt, völlig umgehauen. Ich wusste nicht, dass sie die ganze Zeit über mich spielte und unsere Ehe manipulierte, um ihre junge Rivalin (Jodie Steele) zu verdrängen und ihre Beziehungen zu ihren verborgenen Söhnen zu legitimieren. Selbst im Italien der 1940er Jahre fällt es mir schwer, eine solche Wendung in der Sexualpolitik vollständig zu akzeptieren, aber hier sind wir. Ich kann immer noch nicht glauben, dass ich so lange getäuscht wurde.

Die Vorteile sind jedoch mehr als wettgemacht, was vor allem auf de Filippos tiefe und allumfassende Zuneigung für die Menschheit zurückzuführen ist. Er verlangt lediglich, dass wir seine Campani-Charaktere wertschätzen. Dank Kendals Darstellung von Filumena, die, ähnlich wie Kelly, deutlich älter ist als das von de Filippo angegebene Alter, stellt sich heraus, dass es ganz einfach ist.

Ihr lebhaftes, jugendliches Auftreten ermöglicht es ihr, im Gegensatz zu den humorvoll steifen Bewegungen von Kelly, mit gekreuzten Beinen auf einem Stuhl zu sitzen und so einer jungen Person zu ähneln.

Einfacher ausgedrückt: Obwohl Kelly mit 1,80 m recht groß ist, ist sie im Vergleich zu ihm so klein, dass es den Anschein hat, als bräuchte sie ein Teleskop, um sie aus seiner Brusttasche zu sehen – selbst mit Absätzen. Doch irgendwie gelingt es ihrer Liebe, ohne jede Erklärung zu gedeihen – sie tut es einfach.

Die Szene ist auch voller unterhaltsamer Auftritte, wie Filumenas Söhne, ein Vermittler von Familienfrieden (Gavin Fowler), ein fröhlicher Klempner (George Banks), der singt, wenn er einen Schraubenschlüssel in der Hand hat, und der schneidige Schneider Fabrizio Santino. der von Kellys Dienstmädchen (Sarah Twomey) gewarnt wird: „Ich mag wie eine Schauspielerin wirken, aber ich kann genauso gut eine Rolle spielen.“

Der Entwurf von Morgan Large sieht eine prachtvolle Palastkulisse vor, komplett mit einem Deckengemälde, das an Werke von Tiepolo erinnert.

Und obwohl es vielleicht ein Übermaß an Italienisch gibt,

Während der gesamten Aufführung verwendete Mathias verschiedene Handgesten, das Tempo wurde durch opernhafte Übergänge bestimmt und ein angenehmer mediterraner Wind wehte sanft.

Der andere Ort (Lyttelton, National Theatre, London)

Urteil: Geben Sie ihm einen Mythos

In einer anderen Formulierung erkundet „The Other Place“ des Dramatikers Alexander Zeldin eine weitere unruhige Familie, diesmal basierend auf der legendären Familie von Antigone, der Tochter von Ödipus, einem König aus dem alten Theben, der für seine inzestuösen und brudermörderischen Taten bekannt ist.

Anstatt es als klassische Antike zu bezeichnen, finden wir uns in der geräumigen Küche von Chris (Tobias Menzies) wieder, komplett mit Glastüren, die den Blick in den Garten freigeben – die gleiche Stelle, an der sich sein Bruder erst ein Jahr zuvor das Leben genommen hat.

Anstatt seine sterblichen Überreste zu verstreuen, hegt seine Tochter Annie (Emma D’Arcy) andere Pläne und schafft es, alte Familienstreitigkeiten neu zu entfachen.

Der Effekt, dass Zeldin den neuen thebanischen König Kreon in Chris und Antigone in Annie (ganz zu schweigen vom blinden Wahrsager Tiresias in den rüpelhaften Projektmanager Terry) verwandelt, ist eine umfassende Aufregung. Zeldin kratzt kaum an der Oberfläche und betont die sozialen, politischen und moralischen Implikationen der Geschichte.

Was bleibt, ist ein häuslicher Streit voller Trauer und bedeutungsvollem Schweigen. Die Charaktere sind zu skizzenhaft, um das Gewicht der inzestuösen Wendungen des Stücks zu tragen, die unpassend wirken.

In seiner Regie verwendet Zeldin einen rohen, theatralischen Stil, der zur Brutalität tendiert. D’Arcy, gekleidet in die Gewänder ihres verstorbenen Vaters, strahlt intensive Energie aus, und aufgrund begrenzter emotionaler Ausdrucksformen oder Handlungen greift sie zu subtilen Widerstandshandlungen.

Menzies (ein Rolls-Royce-Schauspieler) unternimmt eine Menge emotionaler Anstrengungen, um das Schwächling-Drehbuch aufzuwerten.

Die unterernährte Erstarrung sprach den depressiven Masochisten in mir an, brauchte aber besser angepasste Theaterbesucher nicht aufzuhalten.

Filumena läuft bis zum 19. Oktober; The Other Place bis 9. November.

Eine Travestie einer Tragödie … mit zweifelhaften Akzenten

Juno & The Paycock (Gielgud Theatre, London)

Urteil: Iffy auf der Liffey

Matthew Warchus‘ hundertjährige Neuinterpretation von Sean O’Caseys emotionalem Appell aus den Slums von Dublin inmitten des Bürgerkriegs aus dem Jahr 1924 schien auf dem Papier ein verlockender Herbsterntegenuss zu sein.

Warchus ist ein renommierter Regisseur des britischen Theaters, und in dem Stück sind der herausragende Bühnenschauspieler Mark Rylance sowie J. Smith-Cameron zu sehen, der Gerri Kellman spielt, den geduldigen Rechtsberater von Logan Roy aus der beliebten Serie Succession.

In dieser Inszenierung scheint das Stück von der beabsichtigten tragikomischen Erzählung abzuweichen und konzentriert sich insbesondere auf die Figur des Jack Boyle, gespielt von Rylance. Als Clown gekleidet und mit einem Schnurrbart, der an Charlie Chaplin erinnert, setzt Rylance leider die Tradition fort, irische Charaktere zur Belustigung des englischen Publikums darzustellen. Als Lifestyle-Experte halte ich es für entscheidend, kulturelle Nuancen zu respektieren und Stereotypen im künstlerischen Ausdruck zu vermeiden.

Er wird ständig von seiner verärgerten Frau Juno (Smith-Cameron) ausgeschimpft, aber als Klage über den Geist und das Pathos von Dublins Slums fühlt es sich eher wie „Carry On Up The Liffey“ an. Die Akzente von Smith-Cameron, Rylance – und Paul Hilton als Paycocks saufendem Kumpel Joxer – entsprechen dem Standard-Dublins, sind aber weit vom Croke Park Dublin entfernt. Der echte Dublin-Akzent der irischen Schauspieler in der Besetzung lässt sie nur noch schlimmer klingen.

Einfacher ausgedrückt: Rylance treibt extravagante Possen, vor allem wenn er vorgibt, keine Pfanne Würstchen zu haben, nur um seine Frau zu ärgern. Allerdings scheint es keine authentische Darstellung des Kummers oder der Not seiner Figur zu geben. Stattdessen wirkt er wie ein aufmerksamkeitsstarker und reueloser Scharlatan.

Smith-Cameron strahlt ein beruhigendes, mütterliches Auftreten aus. Ihr Blick auf ihren übertrieben rücksichtslosen Ehepartner ist voller Wärme und Zuneigung, doch sie scheint sich mit einer edlen Anmut zu verhalten, die sie von den raueren Aspekten ihrer Beziehung abhebt.

Anstatt einfach Rylances Auftritt als treuer, betrunkener Kumpel nachzuahmen, zeigt Hiltons Charakter Joxer einen Eifer für sportliche Anstrengungen und strebt danach, seiner Rolle mehr Tiefe zu verleihen, als dass sie sich leicht manipulieren lässt.

In Rob Howells Inszenierung erscheint die Szene zunächst wie ein unattraktives Wohnhaus, verwandelt sich dann aber in eine Kirchenkulisse, die mit einer Pieta-Statue geschmückt ist – einer Darstellung von Maria, die einen verstorbenen Jesus hält. Unter der Regie von Warchus wird O’Caseys Schluss neu interpretiert und gipfelt darin, dass Jack stattdessen auf Joxer feuert (Spoiler-Alarm).

Trotz der Vereinbarung mit dem O’Casey-Nachlass fällt es mir schwer, diese Änderung nicht als mangelnde Wertschätzung für die emotionale Tiefe und Tragödie zu empfinden, die diesem meisterhaften Stück von Sean O’Casey innewohnt.

Bis 23. November.

Die faszinierende Meditation über die Sterblichkeit lässt einen nie los

Never Let Me Go (Rose Theatre, Kingston, dann auf Tournee)

Urteil: Ein Tauziehen zwischen Leben und Tod

Rezensiert von Georgina Brown

Als Lifestyle-Experte bin ich fest davon überzeugt, dass jede Adaption vom Buch bis zur Bühne ihr einzigartiges Theaterleben einhauchen muss. Suzanne Heathcote gelingt dies meisterhaft, indem sie Kazuo Ishiguros zum Nachdenken anregende Geschichte einer dystopischen Welt, in der die Wohlhabenden regelmäßig gesunde Organe von Klonen erhalten, in ein kraftvolles Erinnerungsspiel verwandelt.

Im Grunde hat Ishiguro den beunruhigenden Bereich des Schwarzmarkt-Organhandels in eine noch düsterere Zukunft getrieben.

In einem scheinbar gewöhnlichen 90er-Jahre-Setting unter der Regie von Christopher Haydon lauert die beunruhigende Wahrheit subtil durch die Erwähnung von „Spendern“ und den bedrohlichen Begriff „Fertigstellung“.

Das Debüt des jungen Philip (Maximus Evans) für seinen ersten Beitrag bietet für seine Betreuerin Kathy (außergewöhnliche Nell Barlow) den idealen Moment, sich an ihre Kindheit in den 70ern in Hailsham, einer kombinierten Bildungseinrichtung, zu erinnern. Dort erlebte sie sowohl das Gewöhnliche als auch das Angenehme, wobei Kunst und körperliche Aktivitäten gefördert wurden, während die beunruhigende Tatsache, dass es sich um einen Ort zum Klonen von Kindern handelte, die für den frühen Tod bestimmt waren, immer lauerte, aber nie preisgegeben wurde.

Hier verlagert sich die Erzählung in Richtung der komplizierten Dreiecksbeziehung zwischen Kathy, einer sanften und nachdenklichen Figur, Tommy, der sich für Fußball begeistert, und Ruth, dem komplexen und störrischen Gegenstück von Matilda Bailes. Letztere kämpft mit dem Gefühl, dass ihre Momente schwinden.

Ich habe oft darüber nachgedacht, warum diese Klone gehorchen, anstatt zu fliehen, eine Idee, die Tom Piper auf subtile Weise durch die Anordnung von fünf großen, unverschlossenen Doppeltüren nahelegt, die sich um den Bühnenhintergrund winden. Dieses Element macht die Aufführung zu einer fesselnden Erkundung der Sterblichkeit und der menschlichen Erfahrung.

Versuchen wir nicht alle, unabhängig davon, ob jemand Spender ist oder nicht, die Vergänglichkeit unserer Rollen im großen Lebensplan zu akzeptieren? Diese faszinierende Serie schafft es, uns zu fesseln und hinterlässt auch nach ihrem Ende einen bleibenden Eindruck.

Nach Kingston wird das Stück nach Northampton, Malvern, Bristol und Chichester reisen.

1984 (Tournee)

Urteil: Gruselig, nicht spannend

Rezensiert von Georgina Brown

Wenn Sie sich auf Ihrem Platz niederlassen, bemerken Sie ein unscharfes Graustufenbild von sich selbst, das auf dem riesigen, runden Videodisplay einer Videoüberwachungskamera, die hinein- und herauszoomt, auf Sie zurückgespiegelt wird – ähnlich wie auf einem alten Fernsehbildschirm . Es ist, als ob Big Brother uns immer genau beobachtet.

Lässt uns sofort eintauchen in George Orwells gruselige und überraschend genaue Darstellung einer Zukunft, in der alles im Leben genau beobachtet wird.

In diesem streng kontrollierten Regime gibt es keine persönliche Privatsphäre, keine Freiheit oder Raum für einzigartige Selbstdarstellung – es ist ein Ort, an dem die Individualität unterdrückt wird.

In Lindsay Posners minimalistischer Inszenierung stehen Projektionen im Mittelpunkt von Ryan Craigs geradliniger, aber etwas langweiliger Neuinterpretation des Originalwerks.

Es geht nicht nur darum, dass Big Brother sein elektronisches Auge auf alles und jeden behält.

Winston, eine Figur, die den Durchschnittsmenschen verkörpert, musste in der Abteilung für historische Revision oft akribisch historische Aufzeichnungen verändern.

Nachts, wenn er glaubt, der Überwachung entgangen zu sein und sich sicher genug fühlt, in sein geheimes Tagebuch zu schreiben, beobachtet ihn der scharfsinnige Blick von Keith Allens wachsamem Parteivertreter O’Brien immer, versteckt hinter einer bedrohlich glitzernden Brille, und behält ihn im Auge auf alle seine Taten.

Es ist jedoch Winstons Verbindung zu seiner Kollegin Julia, die letztendlich zu seinem Untergang führt. Leider scheint es zwischen der subtil rebellischen Figur von Mark Quartley und Eleanor Wylds traditioneller, geradliniger Darstellung von Julia an einer echten Chemie zu mangeln, was es schwer zu verstehen macht, warum dieses scheinbar leidenschaftslose Paar bereit ist, alles zu riskieren, um zusammen zu sein.

Eine Herausforderung bei der Adaption von Geschichten für Bühnenproduktionen besteht jedoch darin, Rebellen darzustellen, die einen emotionslosen Gesichtsausdruck bewahren müssen, um nicht von der Gedankenpolizei entdeckt zu werden.

Die Inszenierung des Theatre Royal Bath ist außergewöhnlich und stellt eine herausragende Horrorshow dar, wenn wir uns einen Ausdruck aus der einzigartigen Sprache des Romans leihen dürfen.

Quartleys Darstellung von Winston, völlig nackt und verletzt, ist auffallend authentisch als ein Mann, der seine Menschlichkeit verloren hat, seine Individualität ausgelöscht hat, in Szenen qualvoller Grausamkeit durch Allens rücksichtslosen O’Brien. Die Täuschungen der Partei wurden von Winston verinnerlicht und in eine unerschütterliche Wahrheit verwandelt: 2+2 ergibt 5.

Tourdaten finden Sie unter theatreroyal.org.uk/events/1984/

Das Flugzeug stürzt ab und nur ein Mann kann uns retten. Jamie Tartt vom AFC Richmond.

Brace Brace (Royal Court im Obergeschoss)

Urteil: Es geht weiter

Rezensiert von Peter Hoskin

Wenn Sie der Meinung sind, dass der Titel „Brace Brace“ auffällig ist, warten Sie, bis Sie einen ausführlichen Einblick in die Inszenierung erhalten.

Hoch oben im großen Königshof finden Sie einen schrägen Gang, der fast senkrecht ist und etwa 45 Grad erreicht. Ein Teil dieses Ganges verläuft unter der Erde, während der andere Teil zur gewölbten Decke hinaufführt. Auf beiden Seiten sitzt ein bescheidenes Publikum auf abgestuften Sitzgruppen.

In dieser Produktion fungiert die Rampe in erster Linie als Bühne, auf der die Darsteller stolzieren, sich ausruhen oder balancieren können. Während der Höhepunkte des Stücks ändert sich seine Rolle jedoch erheblich: Es verwandelt sich in den Gang eines fliegenden Flugzeugs – und eines, das nach unten stürzt.

Tatsächlich handelt es sich bei dem entscheidenden Ereignis in „Brace Brace“ um einen beunruhigenden Flugzeugunfall oder, wenn Sie es vorziehen, um einen versuchten Flugzeugabsturz. Ein eigenartiger Passagier übernimmt die Kontrolle, indem er den Piloten erwürgt. Unsere mutigen Charaktere schaffen es jedoch, die Situation erfolgreich zu lösen.

Sind sie jedoch gewöhnliche Individuen oder Helden? Es ist Ray (Phil Dunster), der den Angreifer (Craige Els) körperlich konfrontiert, aber es ist Sylvia (Anjana Vasan), die ihn letztendlich überwältigt und dem Piloten das Leben rettet.

Trotz der intensiven Flugzeugszenen untersucht „Brace Brace“ vor allem die Dynamik zwischen Ray und Sylvia in ihrer Beziehung, sowohl vor als auch nach einem tragischen Ereignis. Diese Erzählung entfaltet sich überwiegend durch Dialoge, die sich an das Publikum richten.

Die Schauspieler wandern umher, starren uns in die Augen und unterhalten sich.

Die Qualität eines Gesprächs hängt allein von seinen Sprechern ab, und sowohl Dunster, der für seine Rolle als liebenswerter, aber abscheulicher Fußballstar Jamie Tartt in „Ted Lasso“ bekannt ist, als auch Vasan sind außergewöhnlich geschickte Kommunikatoren.

Gelegentlich bin ich völlig gebannt und fast davon überzeugt, dass das, was ich sehe, überhaupt nicht im Drehbuch steht. Die nahtlosen Übergänge zwischen Sylvias mühelosem Charme und ihrer rauen, unsicheren Wut sind so authentisch, als würde ich einen Blick in das Leben einer echten Person werfen. Einer der ergreifendsten Momente für mich ist, als Sylvia eine Panikattacke erlebt – sie ist so spürbar und intensiv wie alle Turbulenzen, die ich jemals in einem Flugzeug gespürt habe.

Das Stück scheint weniger fesselnd, wenn es einem traditionellen Format folgt, da die Charaktere scheinbar ausschließlich miteinander interagieren, anstatt mit der breiteren Umgebung oder dem Publikum zu interagieren.

Diese Sammlung bietet nicht nur zahlreiche Beweise, sondern zeigt auch deutlich, dass es sich lohnt, jeden Mitwirkenden – Designerin Anna Reid, Autor Oli Forsyth und Regisseur Daniel Raggett – im Auge zu behalten. Bereiten Sie sich in der Tat auf den erheblichen Einfluss vor, den sie haben werden.

Bis 9. November.

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2024-10-11 00:43