Alle Filme von Francis Ford Coppola, Rangliste

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Als Filmliebhaber, der unzählige Stunden damit verbracht hat, in die reiche Vielfalt des amerikanischen Kinos einzutauchen, bin ich immer wieder von Francis Ford Coppolas Werk verblüfft. Seine Filme fesseln das Publikum nicht nur mit ihren fesselnden Erzählungen und technischen Fähigkeiten, sondern spiegeln auch die Komplexität der menschlichen Erfahrung wider, insbesondere im Zusammenhang mit Einwanderung und der Verfolgung des amerikanischen Traums.

Diese Liste wurde ursprünglich am 5. April 2018 veröffentlicht. Sie wurde aktualisiert und enthält jetzt auch Megalopolis.

In den verschiedenen Phasen von Francis Ford Coppolas 50-jähriger Karriere – von den unbeschwerten 60ern, den grandiosen Visionen der 70er, den turbulenten Erlebnissen in Hollywood in den 80ern und 90ern bis zu den selbsterforschenden Projekten der frühen 2000er – Ein wiederkehrendes Thema ist ein italienisch-amerikanischer Film, der die Geschichte Amerikas aus der Perspektive von Außenstehenden interpretiert. Die Corleone-Familie aus der Der Pate-Trilogie sticht als bemerkenswertestes Beispiel hervor, aber dazu gehören auch die Hippies in Finian’s Rainbow und die vertriebene Hausfrau in The Rain People, die Teenager aus Oklahoma in The Outsiders und Rumble Fish, die von Gesundheitsproblemen betroffenen Menschen in The Rainmaker und die Soldaten in < em>Apocalypse Now und Gardens of Stone, die sich nicht den Luxus leisten konnten, den Service aufgrund von Knochensporn-Aufschiebungen zu vermeiden. Darüber hinaus engagierte sich Coppola selbst, der in vielerlei Hinsicht ein Einsiedler war, für die Schaffung von Kunst innerhalb des Hollywood-Systems, was ihn häufig zu Zugeständnissen oder sogar zum Rauswurf drängte.

Die Rangfolge der 23 Filme von Francis Ford Coppola, mit Ausnahme seines Softcore-Films „Tonight for Sure“, des Kurzspielfilms „New York Stories“ und der Disney-Attraktion „Captain EO“, war eine anspruchsvolle Aufgabe. Sein Höhepunkt in den 70er Jahren spiegelte die Brillanz dieser Ära wider, aber Meisterwerke wie die ersten beiden „Godfather“-Filme, „The Conversation“ und „Apocalypse Now“ in einer bestimmten Reihenfolge anzuordnen, ist qualvoll, da sie an jedem beliebigen Tag unterschiedlich eingestuft werden können . Der Rest seiner Filme fällt in das, was wir das „S.E. Hinton-Rätsel“ nennen, benannt nach „The Outsiders“ und „Rumble Fish“, zwei unterschiedlichen Adaptionen von S.E. Hintons Werke wurden im selben Jahr von Coppola angefertigt. Wir favorisierten die Experimentalfilme, auch wenn sie damals bei Kritikern und Publikum weniger Anklang fanden. Sein neuester (und möglicherweise letzter) Film „Megalopolis“ passt sicherlich in dieses Muster – es ist die Art von kühnem Desaster, wie es nur Coppola wagen würde.

Jack ist jedoch der Schlimmste. In diesem Punkt können wir uns sicherlich einig sein.

23.
Jack (1996)

In Coppolas Karriere sticht Jack als ein Film hervor, der schwer zu verteidigen ist und als deutliche Erinnerung daran dient, wie leicht Big ins Schlechte hätte geraten können. Anders als die Figur von Tom Hanks im früheren Film porträtiert Robin Williams ein männliches Kind, das nicht danach strebt, älter zu werden, sondern ein einsames, unbeholfenes und tollpatschiges Kind, das im Körper eines 40-Jährigen gefangen ist. Was Jack beunruhigt, sind die häufigen Begegnungen dieser Figur mit der Sexualität von Erwachsenen: Er hat eine attraktive Mutter (Diane Lane), eine verführerische Lehrerin (Jennifer Lopez) und einen alleinerziehenden Elternteil (Fran Drescher), der hartnäckig ist verfolgt ihn und er schließt Freundschaften, indem er Penthouse-Magazine kauft. (Dies alles vor dem Unbehagen von Bill Cosby in einer bedeutenden Rolle.) Es gibt einen Hauch von Coppolas Stil in der Darstellung der Reinheit der Kindheit, die in einer erwachsenen Form bewahrt wird, aber es erfordert ein scharfes Auge, um es zu erkennen.

22.
Demenz 13 (1963)

Aus der von Roger Corman geleiteten Filmschule gingen zahlreiche renommierte Regisseure hervor, aber Francis Ford Coppolas erste Regiearbeit war, abgesehen von seiner Softcore-Produktion „Tonight for Sure“, eine ziemlich intensive Lernerfahrung. Mit nur noch übriggebliebenen Mitteln aus einem anderen Corman-Projekt wurde Coppola damit beauftragt, innerhalb von neun Tagen in Irland eine budgetlose Version von „Psycho>“ zu erstellen. Der daraus resultierende Film „Dementia 13“ erforderte aufgrund seines rohen und unkultivierten Charakters für seine Veröffentlichung umfangreiche Neuaufnahmen durch Corman. Allerdings stellt Coppolas Drehbuch eine clevere Neuinterpretation von „Psycho>“ dar, in der eine Witwe (Luana Anders) zu einem irischen Schloss reist, um ihr Erbe einzufordern, nur um stattdessen eine Vielzahl von in Dunkelheit gehüllten Familiengeheimnissen aufzudecken. Darüber hinaus gelingt es Coppola, einige fesselnde Szenen umzusetzen, etwa den Tod des Mannes, während beim Abstieg in den See Rockabilly-Musik läuft, oder das Wiederauftauchen der Spielzeuge eines verstorbenen Mädchens, was einen psychischen Zusammenbruch auslöst.

21.
Gärten aus Stein (1987)

Coppola entwarf Gardens of Stone als Gegenstück zu Apocalypse Now, einer ergreifenden Militärgeschichte, die die Nachwirkungen des Vietnamkriegs schildert und die leblosen und gebrochenen Geister schildert, die nach Hause zurückkehren oder gelegt werden um sich auf dem ruhigen Arlington National Cemetery auszuruhen. James Caan liefert eine außergewöhnliche Leistung als Berufssoldat ab, der die Moral des Krieges in Frage stellt und gleichzeitig eine echte Kameradschaft mit James Earl Jones, seinem alten Kameraden und Vorgesetzten aus dem Koreakrieg, pflegt. Die rohe Energie und Unvorhersehbarkeit, die Apocalypse Now so fesselnd gemacht haben, geht jedoch durch den übermäßigen Fokus des Films auf militärische Protokolle verloren. Coppola fängt wirkungsvoll den inneren Konflikt zwischen Offizieren ein, die während eines unnötigen und nicht gewinnbaren Krieges ihre gefallenen Kameraden ehren, aber die Erzählung wirkt starr und konventionell.

20.
Finians Regenbogen (1968)

In den späten 1960er Jahren versuchten viele Hollywood-Filme, den traumhaften Reiz konventioneller Studioproduktionen mit der aufkommenden Welle gesellschaftlicher und politischer Unruhen zu verbinden. Allerdings zeigten nur wenige Filme diesen Konflikt so peinlich wie „Finian’s Rainbow“, ein Musical, das Broadway-Shows aus der Mitte des Jahrhunderts aufnimmt und ihnen ein Hippie-Facelift verpasst. Coppola überredete Fred Astaire, aus dem Ruhestand zu kommen, um einen sorglosen Iren zu porträtieren, der in einem Tal in der Nähe von Fort Knox einen Topf voll Gold versteckt, weil er glaubt, dass sich der Goldschatz auf dem fruchtbaren Boden vermehren würde. Trotz der hellen Atmosphäre und der musikalischen Darbietungen verbirgt sich hinter dem Setting und der Handlung ein sehr moderner Konflikt zwischen einer idealistischen Kommune, die aus verschiedenen Charakteren besteht, und der korrupten Polizei und den Politikern, die entschlossen sind, sie zu unterdrücken. Im Wesentlichen sieht „Finians Regenbogen“ eine drastische Transformation vor, aber seine filmische Darstellung ist alles andere als revolutionär.

19.
Twixt (2011)

Einfacher ausgedrückt: „Twixt“, einer von Coppolas neueren Unternehmungen in das unabhängige, halbexperimentelle Kino, ist zwar nicht sein bestes Werk, bietet aber eine faszinierende Erkundung seiner persönlichen und filmischen Geschichte. Es erinnert an den düsteren Genrestil von „Dementia 13“ und den tragischen Verlust seines Sohnes Gian-Carlo bei einem Bootsunfall. Der Film verwendet für einige Sequenzen 3D und für andere eine düstere, digital gedämpfte Ästhetik. Val Kilmer spielt eine preisgünstige Stephen-King-Figur, die eine langweilige Signierstunde in eine Untersuchung eines ungelösten lokalen Krimis verwandelt. „Twixt“ ist ein ungewöhnlicher, teilweise entwickelter Film, aber er ist eine kleine Freude für Coppola-Enthusiasten, die Bezüge zu Corman, Edgar Allan Poe, William Castle und „Nosferatu“ erkennen und das Projekt als eine Sammlung von Notizen betrachten, die Tiefe verleihen zu seiner Karriere.

18.
Megalopolis (2024)

Coppolas ehrgeiziges Projekt, der Wiederaufbau einer bedeutenden amerikanischen Stadt nach einem katastrophalen Ereignis, das sich über vier Jahrzehnte in der Entwicklung befindet, scheint der Abgesang eines mutigen Filmemachers zu sein, der nie davor zurückgeschreckt ist, seine eigenen 120 Millionen US-Dollar und sein persönliches Investment in sein großes Projekt zu stecken. unpraktische künstlerische Visionen. Es gibt jedoch eine schmale Grenze zwischen der berauschenden Kühnheit und dem Wahnsinn von Coppolas „Apocalypse Now“ und der unzusammenhängenden, unberechenbaren Science-Fiction von Megalopolis, die die optimistische Idee anstrebt, dass die Menschheit nach dem Untergang von New Rome eine Utopie konstruieren kann, bei der Umsetzung jedoch oft scheitert . Abgesehen von Adam Drivers leidenschaftlicher Darstellung eines Architekten, der sowohl launenhaft als auch magisch ist, hat Coppola nur begrenzte Kontrolle über Darstellungen, die zur Übertreibung neigen, und die digitalen Effekte haben eine billige, generische Qualität, denen der Reichtum seiner besten Arbeiten fehlt. Dennoch sprüht „Megalopolis“ vor Inspiration und unbändiger Energie und macht seine bemerkenswerten und weniger erfolgreichen Szenen gleichermaßen fesselnd – und es ist schwierig, sich darüber zu einigen, welche welche sind.

17.
Jugend ohne Jugend (2007)

Einfacher ausgedrückt: Nach einer zehnjährigen Pause von der Filmproduktion kehrte Coppola mit seinem bislang härtesten und eigenständigsten Werk zurück – einer Fantasie über ewige Jugend und neu entfachte Liebe, die sich schließlich in einen Albtraum verwandelt. Im Grunde ist es wie eine kunstgeschädigte Version von „Der seltsame Fall des Benjamin Button“. Die Geschichte dreht sich um einen alten rumänischen Linguistikprofessor (Tim Roth) im Jahr 1938, der vom Blitz getroffen wird und jünger wird. Das verwirrt seinen Arzt (Bruno Ganz), fasziniert die einmarschierenden Nazis und lässt den Film zunächst wie eine Feier von Fristverlängerungen erscheinen. Jugend ohne Jugend entwickelt sich jedoch zu einer tiefgreifenden Erforschung des Alterns, des Bewusstseins, der Spiritualität und des Bösen des 20. Jahrhunderts. Während hier viele Ideen am Werk sind, hat Coppola dem amerikanischen Independent-Kino, das Schwierigkeiten hatte, aus seiner Wohnung in Brooklyn auszuziehen, den dringend benötigten Energieschub verliehen.

16.
Du bist jetzt ein großer Junge (1966)

In ähnlicher Weise wie „Wer klopft an meine Tür?“ markierte den Beginn von Martin Scorseses Karriere und „Greetings“ und „Hi, Mom!“ „You’re a Big Boy Now“, ein MFA-Projekt der UCLA von Coppola, das er für Brian De Palma gemacht hat, dient als grober Vorgeschmack auf seine zukünftige Brillanz. Der nach dem Buch von David Benedictus adaptierte Film spiegelt den schelmischen Ton der frühen Werke von De Palma wider oder bietet eine Low-Budget-amerikanische Interpretation der Hipster-Komödie aus „The Knack… and How to Get It“.

15.
Der Pate Teil III (1990)

In der „Der Pate“-Trilogie ist das Thema der Authentizität als Amerikaner gegenüber einem Einwanderer seit ihrer Entstehung ein anhaltendes Anliegen, und „Der Pate III“ bietet eine ergreifende Beobachtung darüber, wie Reichtum selbst die abscheulichsten Verbrechen verbergen kann. Die Erzählung beginnt mit der Kühnheit von Michael Corleone, der vom Vatikan für eine große Spende geehrt wird, gefolgt von seinem Abstieg in eine selbstverschuldete Katastrophe. Während Coppola es schafft, der Corleone-Saga eine passende und schlüssige Shakespeare-Struktur zu geben, scheint es dem Film an dem Erfindungsgeist und der Intensität seiner Vorgänger zu mangeln. Darüber hinaus wird Sofia Coppolas Darstellung einer Schlüsselrolle als schädlich für den Film kritisiert; Sie dient als Eckpfeiler der Handlung – sie stellt Michael Corleones potenzielle Erlösung und seinen eventuellen Untergang dar –, aber ihre Leistung schwächt die Gesamterzählung.

14.
Der Cotton Club (1984)

Um aus dem Schuldenberg bei Zoetrope Studios herauszukommen und vielleicht seinen angeschlagenen Ruf wiederzugewinnen, ging Coppola eine fragwürdige Vereinbarung ein, indem er erneut mit Robert Evans, dem Produzenten seiner Godfather-Serie, und Mario Puzo, dem Drehbuchautor, zusammenarbeitete. Gemeinsam erfanden sie eine weitere visuell beeindruckende Geschichte über das organisierte Verbrechen mit dem Titel „The Cotton Club“. Ähnlich wie bei vielen seiner 80er-Jahre-Produktionen konzentrierte sich Coppola mehr auf die Schaffung einer fesselnden Atmosphäre für den Film als auf die Handlung selbst, die eher ereignislos verläuft, insbesondere wenn er versucht, die Geschichte eines aufstrebenden Jazzmusikers (Richard Gene) mit den Konflikten zu verknüpfen zwischen Banden und rassistischen Spannungen. Allerdings haben Coppola und sein Team den berühmten Nachtclub in Harlem so aufwendig nachgebildet, dass er oft die glanzlose Handlung in den Schatten stellt, insbesondere wenn die Kamera auf die Bühne schwenkt und die musikalischen Darbietungen im Mittelpunkt stehen, darunter das Stepptanz-Duo Gregory und Maurice Hines. sowie Lonette McKees Interpretation einer von Lena Horne inspirierten Performance. Letztlich kann Coppola nicht verbergen, wo seine wahren Leidenschaften liegen.

13.
Der Regenmacher (1997)

In den 90er Jahren drehten zahlreiche renommierte Regisseure unterschiedliche Interpretationen desselben Themas, inspiriert von John Grishams idealistischem jungen Anwalt, der gegen das System kämpfte – sogar der geschätzte Robert Altman schloss sich mit „The Gingerbread Man“ dem Kampf an – aber „The Rainmaker“ übertrifft sein Mittelmaß Ruf. Dieser aus den Ruinen der Clinton-Gesundheitsinitiative entstandene Film verwandelt eine Klage gegen eine skrupellose Versicherungsgesellschaft in ein leidenschaftliches Plädoyer gegen ein System, das die Schwächsten unter uns oft vernachlässigt und sogar gefährdet. Coppola entwirft ein David-gegen-Goliath-Szenario zwischen Matt Damons grünem Jura-Absolventen und einer Horde Unternehmensanwälte (unter der Leitung von Jon Voight), das die Herausforderungen widerspiegelt, mit denen die Gesundheitsreform zu dieser Zeit konfrontiert war, und es sowohl äußerst spannend als auch reflektierend macht Wirklichkeit. Auf eine romantische Handlung rund um Damon und eine misshandelte Frau (Claire Danes) hätte man ohne großes Aufsehen oder Bedenken verzichten können, aber Coppola, dem es nicht fremd ist, den Status quo in Frage zu stellen, nutzt diesen Film effektiv, um eine damals vorherrschende Ungerechtigkeit zu kritisieren.

12.
Die Outsider (1983)

1983 erweckte Coppola zwei Romane von S.E. zum Leben. Hinton zum Preis von zwei, beginnend mit „The Outsiders“. Dieser Film kann als Coppolas nostalgische Neuinterpretation eines James-Dean-Dramas angesehen werden, in dem sensible böse Jungs eine Generation verlorener und ausgegrenzter Jugendlicher repräsentieren. Die Geschichte spielt in Tulsa, Oklahoma, im Jahr 1965, wo zwei „Greaser“ (dargestellt von C. Thomas Howell und Ralph Macchio) fliehen, nachdem sie ein Mitglied der wohlhabenden Rivalenbande, der Socs, tödlich angegriffen haben. Ähnlich wie in „West Side Story“ ist die Geschichte des Films über Straßenschläger fragwürdig glaubwürdig und basiert auf einer unwahrscheinlich absurden Handlung. Als Starbesetzung (darunter Matt Dillon, Patrick Swayze, Tom Cruise, Emilio Estevez, Rob Lowe und Diane Lane) steht sie jedoch für sich allein. Coppolas Einfühlungsvermögen zeigt sich in der atemberaubenden Darstellung einer in Staub und Dämmerung gehüllten Tulsa, die in der Zeit stehengeblieben ist. Eine Szene vor einer ländlichen Kirche in der Abenddämmerung, in der Howell und Macchio über ihre ungewisse Zukunft nachdenken, ist so bewegend, wie es kein Kino der 80er Jahre zu bieten hat.

11.
Rumble Fish (1983)

In gewisser Weise wurden Coppolas Hinton-Adaptionen als „Etwas für sie, etwas für mich“-Ansatz angesehen, doch angesichts des offensichtlichen Weggangs des Regisseurs kann man sagen, dass „Rumble Fish“ zweifellos das „Etwas für mich“ ist von traditionellen Erzählmethoden. Das zusammengefügte Drehbuch tendiert eher zur Atmosphäre als zu einer konventionellen Erzählung und zeigt Matt Dillon als sensiblen Straßenschläger und Mickey Rourke als seinen besorgten älteren Bruder, dessen Gelübde, sich von Bandenkämpfen fernzuhalten, seine Fähigkeit zur Gewalt nicht schmälert Konflikte, die sich während seiner Herrschaft auf der Straße aufbauten. Rumble Fish wurde in strahlendem Schwarzweiß mit einer experimentellen Musik von Stewart Copeland gefilmt und destilliert den Konflikt in reiner Abstraktion, sodass Bild und Ton die Lücken füllen können. Der einzige Farbtupfer erscheint bei den siamesischen Fischen in einer Zoohandlung, von denen jeder auf seinen eigenen Platz im Becken beschränkt ist oder sich gegenseitig bekämpft – eine eindrucksvolle visuelle Metapher für zerbrechliche, selbstzerstörerische Jugend. Der Film wird maßgeblich von diesem poetischen visuellen Symbol getragen.

10.
Tetro (2009)

Beim Verfassen seines ersten Originaldrehbuchs seit „The Conversation“ vertiefte sich Coppola in die Geschichte seiner Familie, um dieses melodramatische Schmuckstück zu schaffen, das die angespannte Rivalität zwischen zwei Brüdern schildert, die von ihrem beeindruckenden Vater beeinflusst werden. Während die Handlung im heutigen Buenos Aires in Argentinien spielt, scheint die Geschichte aufgrund der fesselnden Schwarz-Weiß-Kinematographie, die der Stadt einen bezaubernden Charme der Alten Welt verleiht, vor Jahrzehnten angesiedelt zu sein. Die Beziehung zwischen Alden Ehrenreich und Vincent Gallo spiegelt die von Matt Dillon und Mickey Rourke in „Rumble Fish“ wider, aber die auf musikalischen und theatralischen Ambitionen basierende Erzählung bringt sie enger mit Coppolas persönlichen Interessen in Einklang und veranlasst ihn, die kosmopolitische Anziehungskraft von Buenos Aires zu betonen. Obwohl sein emotionaler Anteil an der Handlung minimal sein mag, strahlte Buenos Aires seit Wong Kar-wais „Happy Together“ keinen so bezaubernden Glanz mehr aus.

9.
Einer von Herzen (1982)

Dieser Film, „One From the Heart“, war für Regisseur Francis Ford Coppola sowohl geistig als auch finanziell eine kostspielige Katastrophe. Obwohl es stark von Zoetrope Studios finanziert wurde, gelang es ihm kaum, seine Produktionskosten zu decken. Manche mögen argumentieren, dass die Mischung aus heimischem Melodram und Hollywood-Glamour in diesem Musical bahnbrechend war. Der Film greift jedoch zu kurz: Teri Garr und Frederic Forrest haben Mühe, ihre stürmische Ehe überzeugend darzustellen und durch die Nacht in Las Vegas zu navigieren, während die bluesigen Lieder von Tom Waits, gesungen im nicht-diegetischen Duett mit Crystal Gayle, vom Geschehen abgekoppelt zu sein scheinen. Doch nur ein wahrer Künstler könnte so grandios scheitern wie Coppola hier. Mit Vittorio Storaro als Kameramann und Dean Tavoularis als Produktionsdesigner ist Coppolas Las Vegas ein visuelles Spektakel voller lebendiger Farben und romantischem Potenzial. Es ist eine Schande, dass erfolgreichere Mainstream-Filme nicht solche Größe anstreben.

8.
Peggy Sue hat geheiratet (1986)

Ein Jahr nach „Zurück in die Zukunft“ zahlte Coppola immer noch seine Schulden bei Zoetrope ab, indem er eine weitere Geschichte über Zeitreisen schrieb, bei der es diesmal darum ging, in die Vergangenheit zurückzukehren und die Gegenwart in Ordnung zu bringen. Diese Studiorolle passte gut zu Coppola, da er der Kleinstadtkulisse der 1960er-Jahre eine bezaubernde Nostalgie einflößte und den Film in erster Linie Kathleen Turner überließ. Turner wird in ihrer Rolle als Peggy Sue während ihres Highschool-Treffens in die Vergangenheit zurückversetzt und denkt über die wichtige Frage nach, ob sie eine Beziehung mit einem jungen Mann (Nicolas Cage) eingehen wird, der sie in der Ehe vielleicht enttäuschen wird, aber … Erstens genießt sie das Wiedersehen mit ihrer Familie und ihren Freunden und den Rückblick auf ihre verlorene Jugend. Coppola begann in diesem Film, das Konzept der ewigen Jugend zu erforschen, ein Thema, das er in „Jack“, „Bram Stokers Dracula“ und „Jugend ohne Jugend“ wieder aufgreifen würde, dessen Freuden sich jedoch in eine kontemplativere Mischung aus Komödie und Drama verwandeln Wir leben mit den Entscheidungen, die wir getroffen haben.

7.
Das Regenvolk (1969)

In einem weniger bekannten Werk aus Coppolas Filmografie könnte diese Roadtrip als feministisches Gegenstück zu „Easy Rider“ angesehen werden, wenn auch eher in der weit verbreiteten Unruhe und Abenteuerlust verwurzelt, die Ende der 60er Jahre in Amerika herrschte. Die Protagonistin Shirley Knight porträtiert eine Hausfrau, die unerwartet entdeckt, dass sie schwanger ist, und sich auf eine Reise ohne festgelegtes Ziel begibt. Sie verkörpert Frauen, die sich von traditionellen Geschlechternormen gefangen fühlten. Doch ihr Streben nach Freiheit ist ungewiss – sie ist sich nicht sicher, ob und wo diese Befreiung liegt. James Caan liefert eine ergreifende Darstellung eines Ex-Footballspielers ab, der mit Kopfverletzungen zu kämpfen hat, und Robert Duvall porträtiert einen kontrollierenden Staatspolizisten, der um ihre Sympathien wetteifert. Der Schluss ist chaotisch, aber „The Rain People“ erreicht ihn durch eine unvorhergesehene und traumhafte Erkundung der entstehenden Landschaften Amerikas sowie durch die mutige Suche einer Frau, ihren Platz darin zu finden.

6.
Bram Stokers Dracula (1992)

Tatsächlich ist Keanu Reeves möglicherweise nicht die ideale Wahl für einen Adligen des 19. Jahrhunderts, und Anthony Hopkins‘ Darstellung von Van Helsing ist so übertrieben, dass er auch als Urlaubsessen dienen könnte. Die Dialoge und die Atmosphäre des Films tendieren zu übermäßiger Extravaganz und stehen kurz vor dem Ende. Allerdings ist Bram Stokers Dracula ein visueller Leckerbissen, der mit Michael Ballhaus‘ lebendigen Farben, traditionellen Kameraeffekten, Eiko Ishiokas aufwendigen Kostümen und Wojciech Kilars Partitur glänzt, die dem Orchester und dem Chor die tiefsten Töne entlockt. Francis Ford Coppola wurde zuvor durch technische Errungenschaften gerettet, aber hier entschied er sich dafür, die romantischen Aspekte der Dracula-Legende kühn und dramatisch hervorzuheben, was zu einem Horrorfilm führte, der vor Emotionen pulsiert. Gary Oldmans „Count“ sticht unter den vielfältigen Aufführungen besonders hervor: Er stellt einen starken Kontrast zu Max Schrecks „Nosferatu“ dar und porträtiert eine traurige Figur, die seit Jahrhunderten einen Fluch trägt.

5.
Tucker: Der Mann und sein Traum (1988)

Während seiner über ein Jahrzehnt dauernden Karriere, die von kreativen Einschränkungen geprägt war, nutzte Coppola die Geschichte von Preston Tucker und seinem revolutionären Tucker-Torpedo von 1948 als ergreifendes Symbol, das seinen eigenen Kampf als aufstrebender Innovator widerspiegelte. Indem Coppola Jeff Bridges als strahlenden Visionär darstellt, der sich um den Bau des Autos der Zukunft bemüht, aber dennoch mit dem Verrat seines Vorstands und rechtlichen Problemen mit der SEC wegen angeblichen Aktienbetrugs konfrontiert ist, stellt er die drei großen Autohersteller allegorisch als Metapher für das Hollywood-Studiosystem dar. Tucker: The Man and His Dream unterstreicht, wie der amerikanische Kapitalismus der etablierten Macht und der massenproduzierten Mittelmäßigkeit auf Kosten des Außenseiters Vorrang einräumt. Dieser überzeugende Film glänzt, ähnlich wie die Tucker-Limousine, durch Produktionsqualität und Geschmeidigkeit, dient aber auch als kraftvolles persönliches Zeugnis von Coppola, der seine Desillusionierung gegenüber Hollywood in den 80er Jahren zum Ausdruck bringt. So wie nur 50 Tuckers produziert werden konnten, scheiterte auch Coppolas Traum von einem eigenen Studio, doch er klammert sich an die Hoffnung, dass seine Vision Bestand haben wird.

4.
Apokalypse jetzt (1979)

Coppola verwandelte Joseph Conrads Roman „Heart of Darkness“ in ein kraftvolles Symbol für das Chaos und den Wahnsinn des Vietnamkriegs und spiegelte dieselbe gefährliche Reise wider, was seinen Filmemacherprozess in eine 16-monatige Tortur verwandelte auf den Philippinen. Coppolas Aussage über den fertigen Film („Apocalypse Now handelt nicht von Vietnam. Es ist Vietnam.“) lockte zum Spott, aber in seinem unermüdlichen Streben, Geld und Ressourcen in einen zu stecken Als zweideutiges und im Wesentlichen unvollendetes Projekt lieferte Coppola eine rohere und authentischere Darstellung des Krieges, als es eine besser organisierte Produktion hätte erreichen können. Der Film „Apocalypse Now“ funktioniert wie ein Roadtrip auf dem Wasser: Während Captain Willard (Martin Sheen) und seine Crew auf dem Fluss navigieren, um den abtrünnigen Colonel Kurtz (Marlon Brando) zu finden, erhält Coppola die Freiheit dazu Konfrontieren Sie sie mit allen surrealistischen Ablenkungen, die er sich vorstellen kann, von spektakulären Szenen wie angreifenden Hubschraubern über den Klang von Wagners „Ritt der Walküren“ bis hin zu grotesken Charakteren wie Robert Duvalls surfbesessenem Kilgore und Dennis Hoppers drogensüchtigem Fotografen. Coppola beschäftigt sich mehr mit dem psychologischen Aspekt des Krieges als mit seiner historischen Realität, und der Film erweckt eine schreckliche Traumlandschaft effektiv zum Leben.

3.
Der Pate (1972)

Der Filmklassiker „Der Pate“, geschrieben von Mario Puzo und Francis Ford Coppola, ist voller unvergesslicher Szenen, wie zum Beispiel ein wertvoller Pferdekopf, der im Bett eines Studiomanagers auftaucht, Michael Corleone (Al Pacino), der in einem Restaurant in der Bronx einen Doppelmord begeht, Sonny (James Caan) wird bei einem Hinterhalt an einer Mautstelle getötet, Don Vito (Marlon Brando) bricht mit einem Herzinfarkt zusammen, während er seinen Enkel durch den Garten jagt, und koordinierte Angriffe auf vier rivalisierende Familien während einer Taufe. Was „Der Pate“ jedoch wirklich auszeichnet, ist Coppolas tiefe Einsicht in die italienisch-amerikanische Kultur, in der er die Corleones als extreme Darstellung einer Einwandererfamilie darstellt, die sowohl ihre einheimischen Wurzeln als auch ihre Wahlheimat miteinander verbindet. Der Film beginnt mit der Aussage „Ich glaube an Amerika“, nur um die große Diskrepanz zwischen dem romantisierten amerikanischen Traum und den rücksichtslosen Methoden der Corleone-Familie aufzuzeigen, die auf der Suche nach Legitimität außerhalb des Gesetzes agiert und stattdessen Korruption findet.

2.
Der Pate Teil II (1974)

Anstatt Puzos gewalttätige Gangstergeschichten in der Fortsetzung von „Der Pate“ nur aus finanziellen Gründen auszunutzen, geht „Der Pate II“ darüber hinaus und ist einer der großartigsten amerikanischen Filme über Einwanderer Erfahrung. Die ergreifende Aufnahme eines schwachen, kränklichen jungen Don Vito auf Ellis Island, der auf die Freiheitsstatue blickt, bereitet die Bühne für eine jahrzehntelange Erkundung einer Nation, in der Chancen eher genutzt als vergeben werden, oft durch Gewalt und hinterhältige Geschäfte. Coppola verwebt gekonnt Szenen von Vito als jungem Mann, dargestellt von Robert De Niro, mit der fortlaufenden Saga von Michael Corleone, dem Oberhaupt der Familie, und fängt so das giftige Erbe ein, das von einer Generation zur nächsten weitergegeben wird, und die vollständige, tragische Geschichte ihres Lebens . Coppola gibt sich nicht damit zufrieden, Studiogeld zurückzulassen, sondern erweitert den Umfang von „Der Pate II“ um das New York der Jahrhundertwende, das ausschweifende Ende von Batistas Kuba und sogar einen flüchtigen Blick darauf Sizilien selbst, wohin Vito zurückkehrt, um eine alte Rechnung zu begleichen. Der Film befasst sich jedoch im Wesentlichen damit, was echte soziale Mobilität in Amerika für die Corleones bedeutet und welchen hohen Tribut sie von ihren Seelen fordert.

1.
Das Gespräch (1973)

45 Jahre nach der Veröffentlichung von „The Conversation“ ist es beeindruckend, wenn man bedenkt, wie tief die Themen Überwachung und Eingriffe der Regierung in die amerikanische Kultur eingedrungen sind, und zwar in einem Ausmaß, in dem wir bereitwillig persönliche Informationen weitergeben, die einst von Charakteren wie Harry Caul (Gene Hackmann). Coppola überträgt die visuelle Täuschung von Michelangelo Antonionis „Blowup“ auf kreative Weise in eine klangbasierte Erzählung und folgt Hackmans Überwachungsexperte, während er ein Gespräch auf dem Union Square in San Francisco enträtselt und von einem bevorstehenden gefährlichen Ereignis überzeugt wird. „The Conversation“ ist der Vorreiter einer Welle von Post-Watergate-Thrillern wie „The Parallax View“ und „All the President’s Men“ und nutzt das unruhige Klima einer Nation, in der das Vertrauen in offizielle Informationen schwindet und Verschwörungen sich zu vermehren beginnen. Gleichzeitig dient es als scharfsinniger Kommentar zum Filmemachen selbst und zur trügerischen Natur der Vermischung von Ton und Bild. Die Relevanz des Films wächst von Jahr zu Jahr aufgrund von Coppolas Einblick in die Richtung, die das Land einschlägt. Wir leben alle wie Harry Caul und sein Saxophon und drücken unsere Bestürzung über eine Welt aus, in der wahre Privatsphäre immer schwerer zu fassen ist.

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2024-09-27 21:55