Sagen Sie Victor Erice nicht, dass er seit 30 Jahren keinen Film mehr gemacht hat

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Wenn ich über die Resonanz auf „Close Your Eyes“ in Spanien nachdenke, muss ich zugeben, dass die Leistung an den Kinokassen zwar bescheiden war, der tiefgreifende Einfluss, den sie in den Herzen und Köpfen des Publikums hinterließ, jedoch unbestreitbar bedeutend war. Der ergreifende Austausch zwischen der Schauspielerin und der gespenstischen Figur Gardel war eine ergreifende Erinnerung an unsere gemeinsame Menschlichkeit, die die Grenzen von Zeit und Raum überschritt und tiefe Resonanz bei den Zuschauern fand, die sich wie wir Zuschauer mit ihren eigenen existenziellen Fragen auseinandersetzten.

Nach seinem von der Kritik gefeierten Regiedebüt „The Spirit of the Beehive“ aus dem Jahr 1973, das oft als eines der besten und eindrucksvollsten Werke des spanischen Kinos gefeiert wird, hat Victor Erice nur vier weitere Filme gedreht. Sein neuestes Meisterwerk „Close Your Eyes“ wurde letztes Jahr in Cannes uraufgeführt und löste eine Mischung aus Beifall und Debatten aus. Jetzt, wo er in die USA gelangt, könnte er der herausragende Film dieses Jahres werden und Erices Status als zeitgenössische Hüterin unvollendeter filmischer Unternehmungen weiter festigen.

Im Film mit dem Titel „Close Your Eyes“ folgen wir dem Regisseur Miguel Garay (Manuel Soto), der vor 30 Jahren mit der Arbeit an einem Film begann, ihn aber stoppen musste, als sein Hauptdarsteller und Freund Julio Arenas ( Jose Coronado) verließ das Set spurlos. Mit der Zeit zog Miguel von Hollywood weg, um zurückgezogen am Meer zu leben, doch nach einem Auftritt in einer sensationellen TV-Show über ungelöste Rätsel entbrennt die Suche nach Julio erneut. Das Geheimnis geht jedoch über die Handlung hinaus; Es spiegelt auch den introspektiven und zum Nachdenken anregenden Charakter des Films wider. Während „Close Your Eyes“ seinen zutiefst bewegenden Abschluss erreicht, fragen wir uns vielleicht, ob Miguels Verfolgung von Julio tatsächlich ein Versuch ist, sein eigenes Selbstbewusstsein wiederzugewinnen. Eine Figur im Film bemerkt: „Sie sind die Einzigen, die mich anders ansehen können.“ „Das“, sagen sie, „ist es, was ich von ihnen wünsche: einen letzten Blick, bevor ich sterbe – mehr nicht.“

In dieser Szene ist der Sprecher Mr. Levy (Josep Maria Pou), eine Figur aus Garays unvollendetem Film mit dem Titel „The Farewell Gaze“. Dieser Film weist Ähnlichkeit mit Carlos Sauras zweitem Spielfilm „El Sur“ (1983) auf. Insbesondere wurde die Produktion von „El Sur“ gestoppt, bevor Saura die Dreharbeiten zum letzten Akt beenden konnte. Das unvollständige Ende lässt den Film wie ein Mysterium ohne Lösung zurück, trägt aber zu seinem faszinierenden Rätsel bei. Es ist bedauerlich, dass Saura seinen Film nicht fertigstellen konnte. Weitere Einblicke in die Produktion von „El Sur“ finden Sie in der Veröffentlichung der Criterion Collection, die detaillierte Extras, darunter ein ausführliches Interview mit Saura, enthält. Auch zwischen „The Farewell Gaze“ und einem anderen von Sauras nicht realisierten Projekten, „The Shanghai Spell“, das in den 1990er Jahren aufgegeben wurde, lassen sich Ähnlichkeiten feststellen.

Unter allen Werken von Erice ist es wahrscheinlich, dass „A Dream of Light“, das 1992 als „The Quince-Tree Sun“ oder sein Originaltitel „El Sol del Membrillo“ veröffentlicht wurde, die Themen, die Sie beschäftigen, am meisten anspricht. Dieser gefeierte Dokumentarfilm folgt dem Versuch des Künstlers Antonio López Garcia, einen Quittenbaum in seinem Garten zu malen. Erice selbst bezeichnet es als sein riskantestes Projekt und es war der letzte Spielfilm, den er vor „Close Your Eyes“ veröffentlichte. Der Film beginnt mit einer längeren Sequenz, die Garcias akribische Vorbereitungen zum Malen zeigt: Schnüre über den Baum spannen, Punkte auf den Quitten und Blättern markieren, um sie genau zu platzieren. Erice filmte fast jeden Tag, während die Künstlerin arbeitete, aber die Natur kam dazwischen. Regen und Wolken blockierten die Sonne, die Quitten reiften, die Blätter veränderten ihre Farbe. Mitten im Film ist Garcia nach längerem Regen gezwungen, seine Malerei aufzugeben und versucht sich stattdessen an einer Zeichnung, nur um auch diese aufzugeben. Die Quitten wachsen, reifen, fallen, verrotten oder werden gegessen. Der Baum durchläuft seine Jahreszeiten. Am Ende scheinen die Bemühungen des Künstlers, die Realität einzufangen – so präzise, ​​so sorgfältig, so vorbereitet – gescheitert zu sein.

Durch Erics Kamera und Wahrnehmung sticht der Dokumentarfilm „A Dream of Light“ als einer der inspirierendsten hervor, die jemals produziert wurden. Dies ist zum Teil auf die Überzeugung zurückzuführen, dass Kunst nicht nur das Endprodukt, sondern auch die Suche und den Weg umfasst und dass das Werk eines Künstlers Teil eines zyklischen Prozesses aus Wachstum, Verfall und Erneuerung ist – ähnlich dem Kreislauf der Natur selbst. Andererseits strahlt Close Your Eyes, obwohl es einen magischen, unvollständigen Film nachbildet und die ergreifenden menschlichen Kosten seiner Aufgabe darstellt, einen starken Unterton von Optimismus aus. Dies geschieht, indem es uns dazu ermutigt, das Leben als eine Kraft von atemberaubender, verwirrender Schönheit zu betrachten, die wir wertschätzen und annehmen sollten.

Als leidenschaftlicher Kinoliebhaber möchte ich Ihnen einige Einblicke in die Entstehung meines Films „Close Your Eyes“ geben. Die Finanzierung dieses Projekts kam überraschenderweise innerhalb von nur fünf Monaten zusammen – ein ungewöhnlich kurzer Zeitrahmen, insbesondere in der spanischen Filmindustrie. In Zusammenarbeit mit dem talentierten Drehbuchautor Michel Gaztambide begannen wir im Juli 2021 mit der Ausarbeitung des Films. Interessanterweise wurde der Grundstein für unsere Geschichte Jahre zuvor gelegt, als ich die ursprüngliche Handlung selbst verfasste.

Bei der Betrachtung der Charaktere des Films „Close Your Eyes“ ist es natürlich, dass Ähnlichkeiten mit früheren Erlebnissen wie „The Shanghai Spell“ und „El Sur“ auftauchen. Einige Zuschauer könnten sogar spirituelle Verbindungen zwischen Julio, dem verschwundenen Schauspieler, und mir als Regisseur herstellen, der seit 1992 weniger aktiv ist. Allerdings sind diese Vergleiche nicht ganz zutreffend. Ich habe in den letzten drei Jahrzehnten weiterhin Filme gemacht, hauptsächlich in Form von kurzen und mittellangen Produktionen, von denen einige auf internationalen Festivals gezeigt und auf verschiedenen Plattformen ausgestellt wurden. Obwohl sie möglicherweise nicht den Mainstream-Vertrieb erreicht haben, repräsentieren sie immer noch meine Arbeit als Filmemacher, neben meinen Museumsinstallationen, die die Grenze zwischen Kino und Videokunst verwischen.

Haben Sie jemals Ihren Filmstil an das moderne Publikum angepasst, da Sie in den 1960er Jahren mit der Produktion von Filmen begonnen haben und 1973 Ihren ersten Spielfilm veröffentlicht haben? Die Welt und die Art und Weise, wie wir Filme konsumieren, hat sich seitdem erheblich verändert, wobei die Technologie eine entscheidende Rolle dabei spielt, wie Filme gedreht und angesehen werden. Von der Vorführung auf großen Bildschirmen bis hin zur Digitalisierung für die Betrachtung auf Fernsehern, Computern, Tablets und Mobiltelefonen hat dieser Wandel zu einem stärker verbraucherorientierten Ansatz bei Filmen geführt. Ich muss jedoch betonen, dass ich diese Veränderungen zwar anerkenne, mich aber nicht vom Geschmack des Publikums über die Richtung meiner Arbeit bestimmen lasse. Stattdessen berücksichtige ich sie, wenn der Film zur Veröffentlichung bereit ist.

Da ich selbst ein lebenslanger Künstler bin, finde ich Garays Entscheidung, sein Leben als Meisterwerk zu betrachten, eine große Resonanz. Während meiner eigenen Reise in die Kunst habe ich oft mit der Frage gerungen, ob meine Arbeit oder meine Existenz als die größere Schöpfung betrachtet werden sollte.

In einem doppelten Sinne, der an Janus erinnert, scheinen Miguel und Julio eine einzige Identität zu teilen. Während Miguel von seinen Erinnerungen an die Vergangenheit gefesselt bleibt, scheint Julio, der sich in Gardel verwandelt hat, von der Last der Erinnerungen befreit zu sein. Der Film dreht sich um die Neugestaltung der eigenen Identität, aber möglicherweise ist es nicht nur Julio, sondern auch Miguel, dessen Leben zurückerobert werden muss. Es stellt sich die Frage: Ist es Julio oder Miguel, dessen Bewusstsein und Erinnerung der Erlösung bedürfen? Darüber hinaus könnte, wie Dr. Benavides im Film feststellte, das Bewusstsein genauso wichtig sein wie das Gedächtnis. Interessanterweise scheint Julio, obwohl er sich im Pflegeheim gut eingelebt zu haben scheint, seinen Mitbewohnern nie zu helfen.

Der Film „Close Your Eyes“ untersucht zwei wiederkehrende Themen: eines zum Konzept des Blicks, das ganz offensichtlich ist, und ein anderes zur Bedeutung von Namen, auch wenn dies subtil angedeutet werden kann. Miguel hat verschiedene Identitäten wie Garay und Mike in Marina Rincón. Julio Arenas verwandelt sich in Mario Guardione, im Pflegeheim als Gardel bekannt. Herr Levy hat im Laufe seines Lebens verschiedene Namen verwendet, darunter Judith und Qiao Shu für seine Tochter. Dr. Benavides ist erfreut, Gardels wahre Identität zu entdecken, und Garay fragt Herrn Levy schließlich nach der Essenz eines Namens. Jorge Luis Borges drückt diese Idee in seinem Gedicht „Ein Kompass“ poetisch aus und stellt fest, dass hinter jedem Namen etwas Unbenanntes steckt.

Erlauben Sie mir, als leidenschaftlicher Filmliebhaber, meine Gedanken zur Aufnahme von „Mein Gewehr, mein Pony und ich“ in den Film mitzuteilen. Dieses Cowboy-Lied, das ursprünglich in Howard Hawks‘ „Rio Bravo“ gesungen wurde, wurde von Miguel während einer nächtlichen Szene in Marina Rincón, seinem vorübergehenden Zuhause am Meer, gesungen. Die Szene war bezaubernd, hatte jedoch eine unterschwellige Melancholie in sich. Für mich schien die Wiedergabe des Liedes im Film eine subtile Vorahnung des Todes zu sein, aber wenn ich darüber nachdenke, betrachte ich es jetzt als eine Feier des Lebens und der Kameradschaft. Interessanterweise war dieses Lied ursprünglich nicht im Drehbuch geschrieben; Stattdessen haben wir es am Set improvisiert. Die Szene ist bedeutsam, weil sie einen unerwarteten Einblick in Garays Charakter gewährt und Aspekte offenbart, die über seine Zeit in Madrid hinausgehen. Im Gegensatz zu Carlos Gardel führt Garay ein vorübergehendes Leben in Marina Rincón, lebt am Meer und schätzt seine Gefährten. Ich glaube, dass „My Rifle, My Pony, and Me“, gesungen unter Freunden, diesen Charakter verkörpert, der Freundschaft über alles schätzt.

Der Film scheint zwei unterschiedliche Töne zu enthalten. Eines erinnert an „The Farewell Gaze“, ein unvollendetes Werk, das ich wegen seiner stimmungsvollen Vintage-Ästhetik mit 16-mm-Film und fotochemischer Unterstützung aufgenommen habe. Der Rest des Films, der sich auf die gegenwärtigen Lebenserfahrungen der Figur Garay konzentriert, wurde digital gefilmt. Allerdings finde ich es interessanter, die klanglichen Unterschiede als die Stile zu diskutieren. Die Sequenzen zu „The Farewell Gaze“ haben eine epische Dimension, die an das klassische Kino erinnert und ein Gefühl der Erlösung hervorruft, ähnlich dem Ende von Filmen wie Charlie Chaplins „Lichter der Großstadt“ oder Carl Theodor Dreyers „Ordet“.

Am Ende von „Close Your Eyes“ entfaltet sich ein Moment der Erlösung. Dieser Moment materialisiert sich auf der Leinwand eines heruntergekommenen, verlassenen Kinos und wird durch eine junge Frau namens Judith-Qiao Shu verkörpert, die ihren Vater am Rande seiner letzten Momente erkennt. Sie steht vor der Kamera, ihre Augen glänzen vor Tränen, und dann erscheint in diesem Blick neben ihr der Schauspieler, der einst Gardel verkörperte. Gemeinsam blicken sie auf uns, auf das Publikum, das aus Menschen besteht, die keinen Anspruch auf symbolische Erlösung haben.

Wie wurde „Close Your Eyes“ in Spanien aufgenommen? Fanden Sie den kommerziellen Erfolg zufriedenstellend? Die Resonanz an den Kinokassen war ziemlich positiv, wenn auch aufgrund des Zeitpunkts der Veröffentlichung in den Kinos und der langen Laufzeit, die es dem Kinobetreiber erschwerte, wie üblich mehrere Vorführungen zu planen, eine Herausforderung.

Obwohl Sie im Laufe von fünfzig Jahren nur vier abendfüllende Filme produziert haben, haben Sie stattdessen zahlreiche Kurzfilme produziert. Hat es Sie schon einmal entmutigt, dass Sie nicht noch mehr Features entwickelt haben? Und welche Faktoren haben hauptsächlich zu dieser Situation beigetragen? Geht es vor allem um Finanzierungsfragen? Oder spielen noch andere Faktoren eine Rolle?

Ich war fasziniert von der Reihe von Videobriefen, die Sie in den 2000er Jahren mit dem iranischen Regisseur Abbas Kiarostami ausgetauscht haben. Können Sie mir mehr darüber erzählen, wie diese Korrespondenz begann und sich entwickelte?

Es ist faszinierend festzustellen, dass Sie eine lange Geschichte im kommerziellen Filmemachen haben. Da ich Ihre Anzeigen noch nicht gesehen habe, bin ich gespannt darauf, mehr darüber zu erfahren. Könnten Sie diese Arbeit beschreiben? Ist es Ihnen möglich, etwas von Ihrem filmischen Flair in diese Werbungen einfließen zu lassen? In den 1970er- und 1980er-Jahren war ich als Werbefilmregisseur tätig, allerdings war mein Engagement sporadisch, da ich freiberuflich arbeitete. Diese Erfahrung war wertvoll, da spanische Werbefilme es Regisseuren ermöglichten, modernste Technologie zu nutzen: Kameras, Objektive, Filmmaterial und Beleuchtungsausrüstung. Allerdings erkenne ich an, dass diese Art von Arbeit mir in erster Linie dazu diente, meinen finanziellen Lebensunterhalt zu bestreiten. Als ich 1973 The Spirit of the Beehive Regie führte, musste ich den ästhetischen Stil der Werbung völlig außer Acht lassen.

Im Jahr 1992 war Antonio López Garcia in meinem Film mit dem Titel „Ein Traum aus Licht“ zu sehen, als er akribisch versuchte, einen Quittenbaum zu malen. Wie sich herausstellte, wurde dieser Film zu einer Auseinandersetzung mit den inhärenten Herausforderungen der Kunst. Bevor ich mit dem Shooting begann, hatte ich Antonio bei seinen Stadtlandschaftsbildern begleitet, aber noch nie gesehen, wie er einen Baum malte. Als ich also begann, „A Dream of Light“ zu machen, hatte ich keine klare Vorstellung davon, wie es sich entwickeln würde. Es war eine aufregende Reise für mich, und wie Sie betont haben, ist sich die Natur der Absichten des Künstlers nicht bewusst. Als Filmemacher bestand meine Rolle in diesem Projekt lediglich darin, den zeitlosen Kampf zwischen Mensch und Natur widerzuspiegeln. Der Baum diente dem Künstler als Vorbild, dessen Früchte sich im Laufe der Zeit veränderten.

Durch sein sorgfältiges tägliches Bemalen des Quittenbaums könnte ein Betrachter (wie ich immer gehofft habe) ein Spiegelbild einer einzigartigen, grundlegenden Zeitlichkeit erkennen. Dies ist nicht die von Uhren diktierte Zeit, die unseren Alltag – unsere Arbeit und Freizeit – bestimmt, sondern vielmehr die Urzeit. Die Zeit, die gleichzeitig in die Schale der Quittenfrucht und in das Gesicht des Künstlers eingraviert ist.

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2024-08-23 23:55