10 wesentliche Auftritte von Gena Rowlands

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Als Filmliebhaber und Bewunderer dieser Kunstform bin ich immer wieder erstaunt über die Tiefe und Vielseitigkeit von Faye Dunaways schauspielerischen Fähigkeiten. Ihre Fähigkeit, solch unterschiedliche Charaktere mit einer unheimlichen Authentizität zu verkörpern, ist wirklich bemerkenswert, und ihre Lebenserfahrungen dienen nur dazu, die Komplexitätsebenen ihrer Darbietungen zu vertiefen.

In einem Interview von 1982 erklärte Tennessee Williams, dass es wichtig sei, diejenigen zu beobachten, Erfahrungen auszutauschen und diejenigen zu ehren, die ihre Seelen mit uns teilen. Er versprach, eine Liste für die wenigen Mutigen zu erstellen, die dies getan haben, und nannte Gena Rowlands als erste auf dieser speziellen Liste.

Viele Menschen erinnern sich an Gena Rowlands aus ihrer bedeutenden Rolle im Film „The Notebook“ aus dem Jahr 2004, in dem sie eine ältere Frau porträtierte, die an Demenz leidet. Filmliebhaber würden sie jedoch wahrscheinlich als eine prominente Figur aus der New-Hollywood-Ära der 70er Jahre erkennen. Während dieser Zeit arbeitete sie intensiv mit ihrem Ehemann John Cassavetes zusammen, um die unabhängige Filmbewegung in Amerika zu etablieren und einige der intensivsten und rohesten Filme des westlichen Kinos zu produzieren. Titel wie „Opening Night“, „Faces“ und „A Woman Under the Influence“ veranschaulichen ihren innovativen Schauspielstil, der Elemente von übertriebenem Realismus und Varieté kombiniert und eine für sie einzigartige Gefühlstiefe zur Schau stellt.

Während ihrer jahrzehntelangen Karriere, die 2015 endete, entschied sich Rowlands dafür, ihre inneren Kämpfe nicht zu verbergen – die Angst, Unsicherheit und Zweideutigkeit, die wir oft vor der Öffentlichkeit verbergen wollen. Im Gegensatz zu vielen anderen war sie nicht an einfachen Antworten oder erfundenen Erzählungen interessiert. Stattdessen sah sie in der Schauspielerei ein Mittel, sich mit der Komplexität heterosexueller Beziehungen und den Herausforderungen des Zusammenlebens mit Individuen auseinanderzusetzen, die von ihren eigenen Neurosen, persönlichen Überzeugungen und einzigartigen Perspektiven geprägt sind.

Sie hegte eine tiefe Leidenschaft für Filme und schätzte insbesondere die rohe Eleganz von Bette Davis, die ihr beim Betrachten ihrer Schauspielerei vielleicht nicht sofort auffällt. Im Gegensatz zur typischen Filmschauspielerei wirkten Rowlands‘ Darbietungen in ihrer gesamten Filmografie natürlicher, als handele es sich um reale Verhaltensweisen. Diese Authentizität ließ die Zuschauer oft glauben, ihre Handlungen seien improvisiert, dennoch ging sie akribisch vor. Als begeisterte Leserin gestaltete sie ihre Rollen oft auf der Grundlage einer Drehbuchanalyse und demonstrierte so, dass sie ihre Charaktere vollkommen beherrscht und als Autorin fungiert.

Als ich über ihre spätere Karriere als Schauspielerin nach dem Verlust meines geliebten Mannes nachdachte, übernahm ich verschiedene Nebenrollen in Seifenopern und war sogar in einer oder zwei Episoden von NCIS zu sehen. Doch diese scheinbar unbedeutenden Teile konnten die rohe emotionale Intensität, die ich ihnen verlieh, nicht trüben, eine Eigenschaft, die auch in meiner Zusammenarbeit mit Cassavetes deutlich wurde. Und vergessen wir nicht den tiefgreifenden Einfluss, den ich mit „The Notebook“ hinterlassen habe.

In einem kürzlichen Interview mit Entertainment Weekly verriet Nick Cassavetes, Rowlands Sohn und Regisseur von „The Notebook“, dass Rowlands selbst, ähnlich wie ihre Figur im Film, mit Demenz zu kämpfen hat: „Wir haben es erlebt, sie hat es dargestellt und jetzt.“ Wir leben mit seinen Konsequenzen.“

Heute ist es wichtiger denn je, Rowlands anzuerkennen, zu loben und ihm Respekt zu erweisen. Jede Gänsehaut-Aktion, jede einzigartige Bewegung, jede Faser ihres Wesens, die sie in jede Aufführung gesteckt hat – ihr Geist strahlt durch. Hier sind zehn Schlüsselrollen von Rowlands, die einige der besten und wirkungsvollsten Schauspieler zeigen, die Sie jemals gesehen haben.

Einsam sind die Mutigen (1962)

In David Millers Film „Lonely Are the Brave“ hat Rowlands einen begrenzten Auftritt, trägt jedoch erheblich zur sich verändernden Genredynamik bei, indem er dem traditionellen Western einen existenziellen Ton verleiht. Ihre kurze Rolle als Frau von Kirk Douglas‘ Freund ist ein ergreifendes Symbol für die Weiterentwicklung eines Genres, da ihre rohen Gefühle in einem ehemals stereotypen Genre auffallend waren. Rowlands teilt die Leinwandzeit mit Douglas und Michael Kane, der ihren Ehemann porträtiert, und drückt ihre unterdrückten Gefühle auf subtile Weise durch ihr ausdrucksstarkes Gesicht aus. Sie verkörpert den Kampf einer verlassenen Frau, die Wut gegenüber dem Mann hegt, der sie zurücklässt, und gleichzeitig ein sanftes Mitgefühl für diejenigen empfindet, die gehen müssen. In einer besonders intensiven Szene sagt sie Kane unverblümt: „Wenn Männer nicht Kinder gebären würden, hätte ich mit keinem von euch etwas zu tun.“

„Ich hatte noch nie jemanden gesehen, der so schön war und eine so starke Präsenz in sich trug.“

Gesichter (1968)

In ihrem ersten Joint Venture, dem bahnbrechenden Indie-Film „Faces“ von Rowlands und Cassavetes, werden Themen thematisiert, die zum Synonym für ihre gemeinsame Arbeit wurden: Liebe, Ehe, Alkohol und die komplexe Dynamik zwischen Männern und Frauen. Obwohl ihre Rolle eher untergeordnet ist, hinterlässt Jeannie Rapp, dargestellt von Rowlands, einen unauslöschlichen Eindruck im Film. Cassavetes‘ wackelige Kamera, die jede Szene mit einem Gefühl des Unbehagens einfängt, richtet sich immer wieder auf Rowlands‘ Gesicht. Das rohe 16-mm-Filmmaterial offenbart eine kühne und herzzerreißende Intensität in ihren Augen. Kannst du es ertragen, sie anzustarren, während sie gesteht, dass sie „zu alt ist, um schön zu sein“, eine einzelne Träne, die auf ihren Wimpern glitzert, bevor es sich für nötig anfühlt, wegzuschauen? Rowlands‘ Auftritt in „Faces“ ist ein Test der Willenskraft, jemandem ohne mit der Wimper zu zucken in die Seele zu blicken. Es unterstreicht ihre Fähigkeit, einen Film allein mit ihrem Gesichtsausdruck zu beherrschen – und was für ein faszinierendes Gesicht sie besitzt.

Minnie und Moskowitz (1971)

In den Annalen des Kinos gibt es niemanden, der eine Sonnenbrille so elegant getragen hat wie Rowlands in Cassavetes‘ unkonventioneller Liebeskomödie „Minnie und Moskowitz“. Obwohl alle Männer im Film Minnie misshandeln (einschließlich Moskowitz, gespielt von Seymour Cassel), behält sie auch unter enormem Stress eine ausgeglichene Haltung. Ihre Sonnenbrillen, insbesondere die achteckige Linda Farrows, werden zu ihren stillen, aber ausdrucksstarken Begleitern und spiegeln ihre Widerstandsfähigkeit wider, bis ihre Fassung schließlich nachlässt.

In dieser Handlung porträtiert Rowlands einen Kurator am Los Angeles County Museum of Art, der sich gerne romantische Filme ansieht und spät abends Wein trinkt. Ihre durch diese Filme genährten Liebesträume werden jedoch im Laufe des Tages stark desillusioniert. Sie sagt unverblümt: „Filme sind ein Trick.“ Als Moskowitz die Szene betritt, nimmt die Erzählung eine unvorhersehbare Wendung.

In Zusammenarbeit bieten Rowlands und Cassel einen außergewöhnlich intensiven und überwältigenden Auftritt, den Sie vielleicht selten erleben werden. Der Film Minnie und Moskowitz ist ein ausgelassener Tanz voller roher Emotionen, gespielt zwischen zwei Liebenden, die die wildesten Seiten des anderen zum Vorschein bringen. Moskowitz schafft es, Minnies Fassung zu erschüttern, und gibt Rowlands so die Gelegenheit, sich in dem zu bewähren, was sie am besten kann – sich auf verblüffend dramatische und beunruhigende Weise zu entwirren.

Eine Frau unter Einfluss (1974)

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In einer herausragenden Rolle verkörpert Gena Rowlands Mabel Longhetti im bahnbrechenden Film „Eine Frau unter Einfluss“, einem der Meisterwerke von John Cassavetes und wohl eine der kraftvollsten Darstellungen heterosexueller Zwietracht, die jemals gedreht wurde. Jeder raue Ton ihrer Stimme, jeder durchdringende Ton, jede skurrile Bewegung zeugen von ihren außergewöhnlichen schauspielerischen Fähigkeiten. Ihr Auftritt ist sowohl dramatisch intensiv als auch beunruhigend realistisch und gibt den Zuschauern das Gefühl, aufrichtig um Rowlands besorgt zu sein. Es ist schwer vorstellbar, dass ihr Auftritt nicht improvisiert ist, sondern dass er tatsächlich sorgfältig ausgearbeitet und akribisch einstudiert ist und dass sie einen so unvorhersehbaren Charakter gekonnt in den Griff bekommt.

In dieser Fernsehsendung porträtiert Rowlands eine Mutter von drei Kindern aus der unteren Mittelschicht, die ständig durch einen turbulenten Alltag voller Krisen kämpft. Ihre Identität und Selbstwahrnehmung sind instabil und sie sehnt sich danach, ihrer Familie ihre tiefe Zuneigung auszudrücken, schafft es aber oft nicht, mit verständlichen Worten eine Verbindung herzustellen. Sie befindet sich in einem ständigen Zustand emotionaler Ausbrüche, verhält sich unberechenbar und impulsiv, schreit, tanzt und macht Gesichtsausdrücke, die an ein Kind erinnern, das widerwillig Gemüse isst. Dieses Verhalten bereitet ihrem aus der Arbeiterklasse stammenden Ehemann häufig Unbehagen.

Nach Mabels Krankenhausaufenthalt in einer psychiatrischen Anstalt wandelt sich der Film von seiner komödiantischen Atmosphäre zu einer äußerst gruseligen Atmosphäre, die einem echten Horrorspektakel ähnelt. Die Auseinandersetzungen zwischen Rowlands und Falk sind so authentisch, als würden sie sich in den eigenen vier Wänden abspielen. Es zu betrachten ist, als würde man Zeuge eines entsetzlichen und zugleich fesselnden Ereignisses werden.

Eröffnungsabend (1977)

In ihrem siebten gemeinsamen Film mit dem Titel „Opening Night“ hinterfragen Rowlands und Cassavetes die Grenzen zwischen Fakten und Fiktion und kritisieren gleichzeitig die erniedrigende Behandlung von Schauspielerinnen, insbesondere von Frauen. Myrtle Gordon, dargestellt von Rowlands, ist eine erfahrene Schauspielerin, die sich mit ihrer neuesten Broadway-Rolle auseinandersetzt – einer Frau mittleren Alters, die nicht bereit ist, den Lauf der Zeit hinzunehmen. Während des gesamten Films widersetzt sich Myrtle den Annahmen und Vorhersagen ihres Regisseurs und ihrer Co-Stars über ihre Figur, darunter auch Cassavetes, der ihren Ehemann Maurice spielt. Stattdessen schlägt sie einen chaotischen, berauschten und unberechenbaren Weg ein. Als Myrtle erfährt, dass ihre Figur auf der Bühne geohrfeigt wird, gerät sie aus den Fugen, verlässt das Set und kommt betrunken zur Premiere des Stücks. Hier zeigt Rowlands ihre einzigartigen Talente und macht jede Bewegung unberechenbar und nervös. Sie verbindet meisterhaft breite Komik mit rohem Realismus und verwandelt die Farce in eine zutiefst beunruhigende und intensive Darstellung.

Gloria (1980)

In Cassavetes‘ am wenigsten einzigartigem und eher traditionellem Film weicht Rowlands von ihrer gewohnt intimen Herangehensweise ab. In der Titelrolle spielt sie eine kinderlose Frau mittleren Alters, die einen sechsjährigen Jungen (John Adames) vor skrupellosen Gangstern rettet, die seine Familie ermordet haben. Für den Rest des Films ist sie auf der Flucht vor ihnen.

Da es sich bei I um ein Drehbuch handelte, das Cassavetes an Universal verkaufte, um seine Avantgardefilme zu finanzieren, war er zunächst nicht bereit, Regie zu führen. Als Rowlands jedoch für die Hauptdarstellerin des Films gecastet wurde, drängte sie ihn, es sich noch einmal zu überlegen. Schließlich stimmte er zu, da er verstand, dass dies eine Geste des guten Willens gegenüber seiner Frau war – der Frau, die Bette Davis immer für ihre Kühnheit und Unabhängigkeit bewundert hatte – die auf eine Rolle gewartet hatte, die ihre kernige, knallharte Persönlichkeit zur Geltung bringen würde.

In diesem Film präsentiert Gloria Gena Rowlands mit einer äußeren Persönlichkeit, die im Vergleich zu ihren üblichen Rollen in Cassavetes-Filmen, in denen sie normalerweise introspektiv ist, prominenter ist. Im Gegensatz zu kleineren, charakterbasierten Projekten ist dieser Film voller Action mit hoher Geschwindigkeit – Schießereien, das Aufbrechen von Türen und Umherstreifen. Der Fokus auf Innerlichkeit ist minimal und kann leicht übersehen werden, da er nur flüchtig in Erscheinung tritt. Der Film bietet jedoch eine hervorragende Plattform, um Rowlands schauspielerische Fähigkeiten zu beobachten, wie etwa ihre gebeugte Haltung im Umgang mit Mafiabossen, ihren sicheren Schritt und ihre außergewöhnlichen Fähigkeiten im Umgang mit Waffen, die sogar Dirty Harry übertreffen.

Liebesströme (1984)

„Love Streams“ wurde bei seiner subtilen Premiere zunächst übersehen und war fast in der Dunkelheit verschwunden, bis die Criterion Collection es 2014 wiederbelebte und sein Debüt auf Blu-ray gab. Dieser Film gilt weithin als John Cassavetes‘ tiefgreifendste Auseinandersetzung mit seiner Liebesphilosophie und als eine der komplexesten Darbietungen von Gena Rowlands. In diesem Film verkörpern sie Geschwisterrollen in einer Aufführung, die sich als ihre letzte gemeinsame Anstrengung erweisen sollte. Cassavetes litt unter einer Leberzirrhose und wurde darüber informiert, dass er nur noch sechs Monate zu leben habe, bevor er mit der Arbeit an diesem Film beginnen könne (eine Tatsache, die er damals vor allen geheim hielt; er lebte weitere fünf Jahre).

In diesem Film porträtiert Rowlands Sarah Lawson, eine Figur, die mit einer übermäßigen Zuneigung zu anderen zu kämpfen hat und es ihr nicht gelingt, unabhängig von ihren Beziehungen eine eigene Identität zu etablieren. Cassavetes hingegen spielt Robert Harmon, einen einsamen Schriftsteller, der in seine eigene Welt versunken ist. Sarah befragt Robert zum Thema Kreativität und vergleicht Liebe und Kochen als Kunstformen. Ihre Bewegungen sind anmutig und erinnern an Tai Chi. In vielen ihrer von Cassavetes inszenierten Rollen unternimmt Rowlands‘ Figur extreme Anstrengungen, um ihre Individualität hervorzuheben. Sie nimmt an exzentrischen Aktivitäten wie Solo-Bowling teil, adoptiert Haustiere, besucht einen Scherzartikelladen und versucht – erfolglos –, ihre Ex-Familie mit einer Clownsnase, klappernden Zähnen und Kulleraugen zum Lachen zu bringen. „Love Streams“ unter der Regie von Cassavetes geht der Frage nach, was passiert, wenn zwei Menschen, die verzweifelt nach Liebe am Rande des Wahnsinns suchen, sich gegenseitig anbieten können. Es befasst sich mit Situationen, in denen die Kommunikation völlig ins Stocken gerät. Ähnlich wie in den anderen Werken von Cassavetes stellt Love Streams Liebe und Alkohol als miteinander verflochtene Kräfte dar, die jeden, der ihnen begegnet, stören können (ähnlich wie Rowlands‘ Charakter).

Eine andere Frau (1988)

Woody Allens weniger oft diskutierter Film „Another Woman“ zeigt Rowlands als Marion Post, eine Philosophieprofessorin mit coolem Auftreten, die kurz vor ihrem 50. Geburtstag eine Krise im Zusammenhang mit ihrer sexuellen Identität erlebt. Sie bringt ihre Verwirrung über ihre Identität mit einer erschreckenden Distanz zum Ausdruck, als sie versehentlich die Therapiesitzung einer anderen Frau (Mia Farrow) mithört und fragt: „Ich erkenne mich selbst nicht mehr.“

Im Gegensatz zu ihren typischen Rollen liefert Mia Farrow (im Original als „Another Woman“ bezeichnet) in diesem Film eine subtile und nuancierte Darstellung ab, die möglicherweise für die begrenzte Zuschauerattraktivität verantwortlich ist. In dieser Rolle trägt Farrow statt ihres üblichen glamourösen blonden Looks eine mausartige Frisur, und ihre Figur Marion unterscheidet sich deutlich von den wilden und sorglosen Frauen, die sie unter Cassavetes porträtierte. Im Gegensatz zu diesen Charakteren ist Marion akribisch und spezifisch und zeigt kaum offene Emotionen. Allerdings scheint jeder einzelne Gesichtsausdruck von Farrow eine Vielzahl von Emotionen zu offenbaren, sodass ihr Schauspiel im Kleinen unglaublich detailliert und beeindruckend wirkt. Es ist eine Leistung, die ein Mikroskop erfordert, um ihre Brillanz wirklich zu würdigen.

Nacht auf Erden (1991)

Aus meiner Sicht war Jim Jarmuschs „Night on Earth“ ein bahnbrechender Film für mich, insbesondere seit er nach dem Tod meines Ehepartners im Jahr 1989 in die Kinos kam. Im Los Angeles-Segment hatte ich das Privileg, neben Winona Ryder die Hauptrolle zu spielen Ein willensstarker Talentagent, der eine Taxifahrt mit einem energiegeladenen Wildfang teilt. Während unserer Fahrt zu meinem Hotel rauchten wir gemeinsam eine Zigarette, und ihr Charakter war düster und unhygienisch, während meiner elegant, gelassen und distanziert war. Diese kurze Taxifahrt bot einen Einblick in zwei Seiten von Los Angeles – seine Schattenseiten und seinen Glamour –, da diese gegensätzlichen Aspekte gezwungen waren, sich zu vermischen. Obwohl Winonas Leistung in dieser Rolle stärker hätte sein können, fühlte ich mich großartig und schaffte es, einen subtilen Unterton der Unzufriedenheit unter meinem tadellosen Auftreten zum Ausdruck zu bringen. Eine weniger begabte Schauspielerin hätte in dieser Rolle vielleicht matronenhaft gewirkt, aber ich glaube, ich habe ein außergewöhnliches Maß an Charme und Raffinesse in die Rolle eingebracht.

Das Notizbuch (2004)

https://youtube.com/watch?v=watch?v=ielkiD8w-M8

Gwyneth Paltrows Darstellung einer an Alzheimer erkrankten Frau im Film „The Notebook“ hat eine ergreifende und tragische Resonanz gefunden, wenn man bedenkt, dass ihre echte Mutter und sie selbst seit fünf Jahren gegen die Krankheit kämpfen. In einem Interview mit Entertainment Weekly enthüllte Regisseur Nick Cassavetes, Gwyneths Sohn, diesen persönlichen Kampf. Anfangs zögerte Gwyneth, die Rolle zu übernehmen, weil sie emotional mit ihren eigenen Erfahrungen verknüpft war, und gab 2004 zu, dass sie die Rolle ohne ihre enge Beziehung zu Nick vielleicht nicht angenommen hätte. In allen von ihren Lieben inszenierten Produktionen lieferte Gwyneth durchweg kraftvolle Leistungen ab. Zu diesem Zeitpunkt war ihr Sohn mit ihrer Schauspielerei besser vertraut als die meisten anderen, da er umgeben von Filmsets im Haus ihrer Familie aufgewachsen war, wo John Cassavetes viele seiner späteren Projekte drehte. Auch wenn „The Notebook“, eine Adaption des sentimentalen Strandromans von Nicholas Sparks, nicht das bahnbrechende Kino ist, das man normalerweise mit den verstorbenen Cassavetes verbindet, verleiht Gwyneth ihrer Rolle als Allie Hamilton eine mutige Intensität, die ihre Leistungen in den Produktionen ihres Mannes widerspiegelt. Ihr roher Ausdruck von Frustration und Schmerz in den Liebesszenen sorgt für eine beunruhigende, fast erschreckende Note, die noch lange nach dem Anschauen anhält. Was einst unangenehm anzusehen war, ist jetzt zutiefst bewegend.

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2024-07-31 21:54